绘画

绘画（Painting），^[1]是指用笔、板刷、刀、墨、颜料等工具材料，在纸、纺织物、木板、墙壁等二维平面上塑造形象的艺术形式。^[1]绘画在技术层面上，是一个以表面作为支撑面，再在其上添加颜色的做法。在艺术用语的层面上，绘画的意义也包含利用此艺术行为，再加上图形、构图及其他美学方法去达到画家希望表达的概念及意思。^[2]

已知最古老的绘画位于法国肖维特洞，部分历史学家认为它可以追溯至32000年前，这些画作由红石和黑色颜料完成。^[4]原始时期的绘画为洞穴岩画技法为用线条勾勒形象，填以颜色；^[5]古埃及时期的绘画形式转为壁画，技法趋于细腻；^[5]古希腊时期的绘画内容以宗教祭祀活动为主；^[5]古罗马时期的绘画开始用深浅不同的色彩来表现亮部和暗部；^[5]文艺复兴以后，绘画的形式由壁画扩展至独立画幅的油画；^[5]印象派时期的绘画开始用“对比色”（红对绿、蓝对橙、黄对紫）和“冷暖关系”来表现；^[5]后现代绘画将艺术混同于日常生活，将艺术品混同于日常用品。^[5]中国绘画始于新石器时代，最初的中国绘画是在陶器、地面和岩壁上作画，后来逐渐发展为在墙壁、绢帛、纸上作画；^[6][7]秦汉时期绘画艺术空前发展与繁荣，尤其是汉代盛行厚葬之风；^[7]魏晋南北朝时期，画家们开始创作出真正意义上的中国绘画；^[8]隋唐时期标志着古代绘画走向巅峰；^[8]绘画发展至元、明、清，文人画获得了突出的发展。在题材上，山水画、花鸟画占据了绝对的地位；^[9]自1949年新中国成立以来，以反映新生活为题材的“新山水画”在20世纪50年代盛行一时。^[10]在非洲的许多部落群体里，人们把皮肤当作发挥创意和艺术才华的另一载体。^[11]南亚和西南亚在古代由于受到佛教和伊斯兰教的影响，宗教壁画和细密画为主流绘画形式。^[12]苏美尔绘画代表作为乌尔城出土的军旗，即在刷有沥青的木板上用贝壳、闪绿岩、粉红色石灰石镶嵌成的战争和庆贺的场面，表现出征和胜利归来以及庆贺胜利的场面。^[13]

绘画的艺术特点在于线条的勾勒、色彩的调制、构图的设计和明暗、透视以及光影的应用，^[14]具有平面性和丰富性等特性。^[1][14]按绘画体系分类，绘画可分为西方绘画、东方绘画非洲绘画和南亚绘画^[12]等；按使用的材料和技巧分类，绘画可分为油画、版画和水彩画等；按题材内容和表现对象分类，绘画可分为肖像画、风景画和宗教画等；按作品形式分类，绘画可分为壁画、漫画和连环画等。^[15][16]绘画的价值体现在内在价值、社会价值、商业价值和精神价值，^[17][18]具有表现人类精神情感、展现现实生活、激发人类现象等意义。^[19][20]

绘画，是指用笔、板刷、刀、墨、颜料等工具材料，在纸、纺织物、木板、墙壁等二维平面上塑造形象的艺术形式。^[1]

绘画在技术层面上，是一个以表面作为支撑面，再在其上添加颜色的做法。在艺术用语的层面上，绘画的意义也包含利用此艺术行为，再加上图形、构图及其他美学方法去达到画家希望表达的概念及意思。^[2]

不论中国画还是西画，皆在二维平面上创作。绘画的二维性可分为两类：一类是纯粹的二维作品，它们不遵循空间透视规律，也没有明暗变化，主要通过色彩和线条的变化来表现对象。这类作品以装饰性风格为主，更多地体现了艺术家对描绘对象的自我理解，或者直接表现艺术家内心的世界。无论画面表现的是平面的还是立体的，绘画它最终还是建立在平面上的艺术。^[1]

不同画种，各具特色。绘画工具、材料、创作方法、艺术技巧等的差异，赋予了它们独特的艺术风格和视觉美感。中国画以意境高远、清新淡雅、富有神韵著称；西方画则色彩艳丽、物象逼真，视觉美感丰富。同时，不同画家因驾驭绘画语言的能力不同，运用笔法、墨法、刀法、色彩、构图等的差异，即使在同一画种、相同题材的创作中，也能展现出独特的美感。^[14]

中国绘画工艺源远流长，始于新石器时代，已有七千多年历史。最初的中国绘画是在陶器、地面和岩壁上作画，后来逐渐发展为在墙壁、绢帛、纸上作画。绘画工具主要包括毛笔、墨以及天然矿物质颜料。^[6][7]

中国绘画的历史可以追溯到新石器时代，当时人们已经在彩陶上画纹饰和岩画，虽然技巧简单，但已经有了初步的造型能力，能够抓住动物和植物的主要特征，表达信仰、愿望和美化装饰。^[7]

远古时期的绘画主要有岩画、地画和壁画、骨绘和刻绘，以及彩陶画纹饰等，而其中最能反映原始绘画艺术水平的当属岩画和彩陶画。原始的绘画不管是在洞窟中的，还是岩壁上的，都表现了与狩猎有关的内容，除了赖以生存的动物和人类对自己的描绘外别无其他，显示着古朴、稚拙、粗犷的风格。岩画是介于绘画和雕塑之间的一种造型艺术。史前期的岩画，主要是用石器敲凿、磨刻而成的浮雕、线刻和以颜色涂绘的彩画。^[20]

在先秦时期，绘画已在一些古籍中有所记载，如周代宫、明堂、庙祠中的历史人物，战国漆器、青铜器纹饰，以及楚国出土的帛画等，都展现出了较高的艺术水准。^[7]

秦汉王朝是中国早期历史建立的中央集权制大国，丝绸之路沟通着中外艺术交流，绘画艺术空前发展与繁荣。尤其是汉代盛行厚葬之风，其墓室壁画、画像砖、画像石，以及随葬帛画，塑造了现实、历史、神话人物形象，具有动态性、情节性，反映了现实生活。其画风往往气魄宏大，笔势流动，既有粗犷豪放，又有细密瑰丽，内容丰富博杂，形式多姿多彩。^[7]

魏晋南北朝时期，是中国绘画发展的重要阶段。在这个时期，画家们开始创作出真正意义上的中国绘画。傅不兴是东吴时期的画家，他沉醉于玄学之中，对书画的鉴赏有着高超的品位，书画因此得到长远发展。顾恺之是魏晋时期第一位在作品和画论著作方面都被后人推崇的画家，他提出了“以形写神”的理论，强调了形象的重要性，比两汉时期更加重视形的表现力。^[8]

在隋唐时期，国家统一，艺术家广泛吸取各民族文化精髓，催生出众多杰出的艺术作品，也标志着古代绘画走向巅峰。其中，山水画和日益成熟的花鸟画逐渐衍变成独立的绘画流派。^[8]唐代绘画的题材仍然以人物画为主，中唐之前的绘画注重以形写神、形神兼备，强调具象的表现和写实。在这个时期，宫廷衙署及寺观壁画占据了相当重要的地位，它们规模宏伟，描绘了大量的生活场景和佛教形象。在佛寺壁画中，大型经变题材开始流行，如《西方净土变》，描绘了西方极乐世界的美好图景。这些壁画中穿插了许多生活场景，使得佛教形象更加人性化，甚至出现了以宫娃为模型塑造菩萨形象的现象。这些都表明了佛教绘画在适应社会风尚的过程中逐渐趋于世俗化。^[10]

在五代两宋时期，中国的绘画艺术进一步成熟和完善，迎来了一个鼎盛时期。由于唐末以来城市商业的繁荣和市民阶层的壮大，绘画艺术的服务范围有所扩展，一些画家开始进入手工业行列，他们的作品作为商品在市场上出售，从而增强了艺术与社会之间的联系。在这个时期，皇室贵族从政治需求及装饰环境出发，朝廷设置了画院，宫廷绘画因此盛极一时。画院集纳了众多优秀画家，对绘画创作提出了更多的要求。宋朝时期，宫廷绘画进入最兴旺、最活跃的阶段。文人学士们把绘画视为高雅的精神活动，并对绘画提出了鲜明的审美标准，因此涌现出许多杰出的画家和佳作。这些画家在创作和理论上都开始形成独特体系。在这个时期，社会、宫廷、文人士大夫之间的绘画创作各具特色而又互相影响，使得宋代绘画在内容、形式、技巧等各方面都出现了异彩纷呈、多元发展的繁荣局面。^[10]

宋代绘画的题材相较于唐代有了更为广泛的扩展。尽管宗教寺观壁画在人物画中仍有一定规模，但随着社会经济的繁荣和城市的发展，适应市民阶层审美趣味的作品开始涌现。这些作品描绘了世俗生活形象和热闹场面，成为当时颇受欢迎的题材。经史题材的人物画在宋代也流行一时，如《孝经图》《诗经图》等。然而，最具影响力的还是那些广泛表现世俗社会生活的风俗画，如《清明上河图》、《货郎图》、《盘车图》、《耕织图》等。这些作品以现实生活为背景，生动地描绘了当时社会的风土人情和生产生活场景。此外，宋代绘画中还出现了大量与节日民俗活动相结合的节令画，如《大催图》、《冬至婴戏图》、《观灯图》等。这些作品借助于描绘历史传说，反映了人们对现实生活的认识和思考。同时，一些描绘文人雅集的作品如《西园雅集图》等也在宋代绘画中占据了一定的比重。^[10]

绘画发展至元、明、清，文人画获得了突出的发展。在题材上，山水画、花鸟画占据了绝对的地位。文人画强调抒发主观情绪，“不求形似”“无求于世”，不趋附大众审美要求借绘画以示高雅，表现闲情逸趣，倡导“师造化”“法心源”，强调人品画品的统一，并且注重将笔墨情趣与诗、书、印有机融为一体，形成了独特的绘画样式，涌现了众多画家、画派，以及众多优秀作品。^[9]

近代绘画主要指19世纪中后期至20世纪初期的绘画发展。20世纪初“海上画派”中的赵之谦、任熊、任薰、任颐、虚谷、蒲华、吴昌硕，以其各具特色的绘画打破了清代嘉庆、道光以来沉寂的画坛局面，为近代绘画的发展奠定了基础。海派中的最后一位大师吴昌硕的作品虽以花卉为主，但兼作山水，精于画理，笔含篆法，墨韵深厚，其笔墨淋漓，色彩浓郁，气魄醇厚，开传了现代写意画派新景象，如《荷花鸳鸯图》。他的画直接影响到后来的王震、陈师曾、齐白石等。^[10]

自1949年新中国成立以来，以反映新生活为题材的“新山水画”在20世纪50年代盛行一时。国画写生作为“新山水画”的开端，为国画在表现现实生活方面提供了摆脱旧法的途径。在此过程中，表现国家的社会主义建设和新生活成为“新山水画”的核心主题。傅抱石、李可染、秦仲文、关山月等画家是这一时期的代表性人物，他们在20世纪50年代至60年代中期创作了大量作品。此外，集体合作和画幅巨大也是这一时期的重要特征。同时，像黄宾虹、齐白石这样的宗师，他们依然在传统的笔墨中创造出属于自己的山水画风格，而林风眠则在他的西学基础上构建了自己的山水或风景画。^[10]

已知最古老的绘画位于法国肖维特洞，部分历史学家认为它可以追溯至32000年前，这些画作由红石和黑色颜料完成，既有雕刻也有绘画。画面主题有马、犀牛、狮子、水牛、猛鸦象，还有狩猎归来的猎人。在法国韦泽尔峡谷的拉斯科洞穴，也发现了大量动物形象的图案，大部分绘制在洞顶或墙壁上。^[4]

公元前13000年前的原始时期多为洞穴岩画，技法为用线条勾勒形象，填以颜色，技法粗糙。内容多以动物、狩猎为主。^[5]

前25世纪—前10世纪的古埃及时期，绘画形式转为壁画，技法趋于细腻。内容开始包括人类的生活，如宗教祭祀活动等。^[5]古埃及绘画具有鲜明的民族特色，其造型手法独特，采用线条描绘形象，再填充颜色。构图上，既有平面展开，也有在一条横线上安排人物和景物的方式，不受透视局限。在横线构图下，人物形象的处理颇具特色：近者、地位高者被画得较大，而远者、地位较低者则画得较小。画面饱满且疏密均匀，空白处配以象形文字，展现出强烈的装饰艺术效果。^[21]

前10世纪—前1世纪的古希腊时期，由壁画扩展至陶器。技法依然采用线条和填充色。内容依然以宗教祭祀活动为主，同时包括荡秋千、舞琴、农耕等日常娱乐和劳作。^[5]古希腊人常在陶瓶、陶壶、陶盆等容器上绘画，所以统称为“希腊瓶画”。希腊瓶画内容丰富，风格多样，戏剧性强，生活气息浓厚，极具装饰性。^[22]

前1世纪—5世纪的古罗马时期，物体造型开始逐渐摆脱线条对形体的概括，代之而起的是用深浅不同的色彩来表现亮部和暗部，以强调形体的立体感。内容扩展到了战争类历史题材。^[5]古罗马绘画表现出务实冷静的特点，他们不像希腊人那样理性、浪漫和充满幻想，所以他们的绘画主要用来装饰居所或者公共建筑，以满足贵族们对于奢侈生活的需求，从而在仿造希腊绘画的同时也逐渐形成了自己的具有世俗气息的写实性绘画风格。^[23]

5世纪—15世纪的中世纪前期，形式和技法基本与古罗马一致，但绘画内容几乎全部转向严肃的宗教题材。^[5]

随着14世纪纸张的广泛使用，绘画在艺术中的使用有所增加，通常被用作思考和调查的工具。^[24]

中世纪末期至15世纪初，随着文艺复兴的发展，壁画逐渐演变为独立画幅的油画。绘画技巧日趋精细，开始精确运用“近大远小”的“透视”法，并通过对“投影”的描绘来强化物体的立体感。内容上大量描绘人类日常生活场景及日常用品，如水果等景物。^[5]

19世纪初至20世纪初，印象派早期继承文艺复兴之后的绘画技巧，开始运用色彩对比（红对绿、蓝对橙、黄对紫）和冷暖关系来表现物体。环境色开始对物体的本色产生影响。^[5]印象派部分源自于现实主义和荷兰、英国风景画的元素，其目标是摆脱官方艺术学院的束缚和刻板风格。他们运用速写般的绘画和雕刻技巧，并借助现代技术，包括摄影、便携式颜料和新的人工合成色彩，打造出充满明亮色彩的绘画和充满动感的雕塑。印象派的主要题材是风景和日常生活场景，普通人成为主角，而他们所关注的核心是光线在每个瞬间的转瞬即逝的效果。^[25]

19世纪后期至20世纪初，后印象派基本延续印象派早期的风格，但绘画造型逐渐简约，追求主观意向。^[5]后印象派画家们继续探索明亮的色彩，但他们的目标并非如印象派画家那样描绘世界的直接外观。他们中的一些人借助色彩与象征主义来表达周围的气氛与灵性，一些人则探索了光学效应，而另一些人则深入分析了事物的内在结构。尽管每位画家都有自己独特的表现手法，但总体上色彩与形状对他们来说都至关重要，并且他们表达的仍然是可见世界，而不是用一种如照片般逼真的方式呈现。^[25]

20世纪初至20世纪中叶，现代绘画开始脱离中世纪以后的绘画技巧，以近似原始的方式，即用线条和色块来表现主观的美感形式。^[5]现代主义画家已不再把题材和技法本身作为艺术表现的主要内容，转而注重表现对自然、社会生活的认识和主体的创造精神。现代主义画家主张表现下意识与本能，扩大了绘画的题材、内容，丰富了绘画表现的手法，增强了作品的真实性，增加了作品的内涵和外延，但同时也创造出了很多晦涩难懂、混乱庞杂的作品，不断挑战人类的认知极限。^[26]

20世纪中叶至21世纪，当代（后现代）绘画反对传统绘画理念，打破艺术领域的界限，将艺术与日常生活相融合，将艺术品与日常用品相混淆。^[5]后现代绘画的重要内容是关注人的一切，表现为呼唤人道主义、肯定人的价值、担心人类自身前途等。艺术家们可以宣扬观念，可以用笔作画，所有禁区都可以打破，艺术上出现了混合、多元、复杂、无标准、无权威的局面。后现代绘画表现出折中的多样化风格，表现语言和表现手段剧烈扩展，并随意借用传统等其他艺术形式，冲破过去狭窄的表现领域。从作品直观看，用笔用色潦草、粗放，作品给人以不完整、未完成的感觉，这正是后现代情境所导致的绘画面貌。^[27]

绘画时勾勒轮廓的线，有曲线、直线、折线，有粗线、细线，统称“线条”。线条是绘画的核心表现手段，线条的美感是构成绘画形式美的重要元素。^[14]

线条是塑造形体的外轮廓线和标明形体内部结构的结构线，在造型中具有很重要的作用。运用丰富多样、生动变化的线条语言描绘表现对象能使绘画具有线条美的特殊美感。线条不仅能表现出一种心理和情感，且不同的线条具有不同的表现力和不同的美感。^[14]

色彩是绘画中最具感染力的语言，无论是水彩、水粉、油画还是版画，都离不开色彩的巧妙运用。缺乏色彩美的绘画，难以呈现出动人的艺术效果。现实中存在的色彩本就能够影响人的心境，唤起人们的联想，所以色彩的运用可以增强绘画对人的情感反应的驱动性。例如，偏向红、橙、黄的色相能够让人联想到太阳和火光，给人以温暖的感觉，因此被称为“暖色”；而偏向青、蓝、绿的色相则能让人联想到天空和海洋，产生寒冷的感觉，因此被称为“冷色”。色彩的明度和纯度都高的给人以华丽的感觉，而明度和纯度都低的则更显得朴实。^[14]

构图是绘画中根据主题和题材要求，将所要表现的形象恰当地组合起来，形成协调完整的画面。构图是绘画的基础，在绘画构图中，表现明显的特点有：

明确主次关系：在绘画作品中，主次形象要明确，突出主要形象，避免喧宾夺主。例如在人物画中，人物应该是主角，环境只是陪衬。^[14]

结构形式与内容的统一：构图结构形式的选择应该与内容相统一。例如，S形和三角形是基本结构形式，但具体形式要根据作品内容来决定。^[14]

色彩与表现内容的统一：色彩是最具有表现力的艺术语言，不同的色彩会引起不同的情感反应。因此，在构图时需要考虑色彩与表现内容的统一，使人能够深刻理解绘画内容。^[14]

遵循形式美法则：绘画构图需要遵循变化、统一、对比、协调、均衡、稳定、节奏、韵律等形式美的法则。这些法则可以帮助画家在构图时更好地把握画面的整体效果。^[14]

明暗指的是画中物体在光线照射下，受光和背光部分的明暗度变化以及对这种变化的呈现方式。物体在光线照射下会出现两种明暗状态，即亮面和暗面。这两种明暗状态通常显现为五个基本层次：第一是亮面，即直接受光部分；第二是灰面，即中间面，半明半暗；第三是明暗交界线，即亮部与暗部转折交界的地方；第四是投影，即背光物体的阴影部分；第五是反光，即暗面受周围反光的影响而产生的暗中透亮部分。明暗是自然界的物理现象，光线总是从一个不同的角度照射物体，物体各个侧面受光不均匀而造成明暗变化，这样的明暗变化使物体呈现出立体感。^[14]

“透视（perspective）”这个词来源于拉丁语的“prospectus”，意思是“向前看”。应用最广的的透视系统是直线透视图，在文艺复兴时期它被欧洲艺术家不断修改和使用。当线条和形状存在于三维空间时，直线透视图使艺术家们能够在脑海中重现它们视觉上的变化。^[28]

不同的文化有不同的习俗或透视系统。比如说，埃及和东方的艺术家发明了一种台阶式的或分层式的透视方法，这种方法用在框架中从下至上的排列代表事物在空间中的位置。这个系统经常被直观地使用，在一张纸中，其顶部的形状一不论大小，都被认为是离得最远的形状。^[28]

任何一种形态、色彩、空间的视觉效果都与光有直接的关系，因为有了光才会有那些特性的存在。光可以通过不同的强度、光色，不同的光线角度来起作用。对于一个平面来说，光线的种种变化只能引起整体明倍的差异，但对于一个立体结构来说，光可以在一定程度上改变结构形态的空间特征，也可以改变物体的空自秩序，在视觉上就能有更多的塑造可能。不同的光源对结构的视觉效果起着完全不同的作用。^[29]

西方绘画是以严谨求实的态度，运用科学的方法，以具象写实的形式，遵循事物规律，来表现客观世界的绘画形式。他们运用几何学研究绘画透视，运用光学来指导绘画色彩，采用固定、静止的观察方法，精确地描绘实体形象，追求造型的严谨与写实。正如达·芬奇所说，数学透视法是“绘画的舵轮和准绳”，强调描绘事物的外形特征，是科学性的思维，表现了感性的物质世界。^[15]

东方人性格内敛，崇尚含蓄美，善于理性地洞察世界，认为气是构成万物的核心。南齐谢赫在其“六法论”中提出“气韵生动”，成为中国传统绘画的美学准则。东方画注重描绘山的态势、人的神韵以及花的形态，这些“势”“神”“态”都体现了气势和精神生命的力量，表现了一种内在精神气质，是一种“缘物寄情”的写照。东方绘画主张“以形写神”“似与不似之间”的艺术表现形式，以抽象的思维来展现一种艺术形式。因此，东方绘画是充满智慧的思维，它呈现的是理性的精神世界。^[15]

在非洲部落中，色彩、图案与各种饰品往往像排列组合一样的混合使用，而在使用中由于部落不同，或同一部落的文化不同，装饰的意义完全不一样。以人体绘画为例，在非洲的许多部落群体里，人们把皮肤当作发挥创意和艺术才华的另一载体，对人类精神世界的表达不一定要通过人体，也可以用在脸与面具上。面具上的图案和装饰并不一定要与用在人体艺术上的图案一样，而且面具的可塑性强于人脸可以通过更为夸张的手法进行表达。在有些部落中，色彩的使用需遵照严格的规范，甚至和所属的某个年龄组有关。努巴人（Nuba，苏丹科尔多凡（Kordofan）省（位于苏丹中部）南半部努巴山区的居民）会把红色和白色看成是稍大些的男孩子大概从八岁起才能用的颜色。一旦孩子长大成人，黄色也可以使用了。黑色一般在成人礼之后正式被接纳入成人社会之后的一两年后才能用。^[11]

南亚和西南亚在古代由于受到佛教和伊斯兰教的影响，宗教壁画和细密画得到了很大的发展，成为世界艺术宝库中珍贵的文化遗产之一。但是，这一地区正处欧亚要冲，除了积极保护古老文明的民族传统以外，还不断受到东西方绘画艺术的影响，近代和现代出现了不少具有高艺术造诣的风情画和现代抽象派绘画艺术作品。^[12]

以波斯为例，波斯的细密画，是伊朗古代的一种宫廷绘画艺术。按伊斯兰教的教规是不允许塑造人物形象的，排斥对人及动物的绘画题材。但在伊朗文化发展中，却在范围狭小的宫廷和上层的圈子里，突破了这一禁锢gù，主要体现在手抄本的“宫廷诗”插图中，总题材是歌颂帝王的英雄征战业绩，塑造王室家族肖像，描绘传奇般的国王爱情故事，等等。波斯细密画的最大特点是精细备致、色泽鲜艳、人物画面与书法、装饰统一。^[12]

中国画是一种历史悠久的绘画形式，其绘制材料主要包括“文房四宝”、绢帛和中国画颜料。中国画注重笔墨的运用，其中“笔”指的是勾、勒、皱、点等运用毛笔的不同技巧和方法，而“墨”则是指中国画以墨代色，运用烘、染、泼、积等技法，使墨色产生丰富细腻的深浅变化。中国画强调以线条造型为主，不同于西方绘画的块面和光线的表现方式，而是通过线条的轻重、缓急、曲直、粗细的变化来表现物象的形态和神韵。此外，中国画在构图上不受焦点透视的束缚，采用散点透视法，使得画面更加自由灵动。中国画的绘画常常与诗文、书法、篆刻等艺术形式有机结合在一起，形成了中国画特有的形式美。^[2]

油画是以用快干性的植物油（亚麻仁油、罂粟油、核桃油等）调和颜料，在画布亚麻布，纸板或木板上进行制作的一个画种。在画布、亚麻布、纸板或木板上作画时，使用的稀释剂是挥发性的松节油和干性的亚麻仁油等。画面所附着的颜料有较强的硬度，当画面干燥后，能长期保持光泽。油画凭借颜料的遮盖力和透明性能充分表现描绘对象，色彩丰富，立体质感强。油画是西洋画的主要画种之一。^[16][2]

版画是艺术家构思创作，通过制版印刷程序产生的艺术作品，广义的版画可以包括在印刷工业化以前所印制的图形普遍具有版画性质。它以刀或化学药品在多种材料上雕刻或蚀刻，然后印刷出图画。版画艺术与印刷术同步发展。古代版画主要是木刻，也有铜版刻和套色漏印。^[16][2]

水彩画是一种以水和颜料调和完成的绘画作品。水彩颜料具有清澈透明的特性，能够呈现丰富的层次和微妙的色彩变化。人物、风景、静物等各种题材都适合用水彩来描绘。水彩画既能细腻深刻地呈现物象，也能展现出自然洒脱、清新明快的艺术效果。另外，水彩画不受环境限制，操作方便。^[30][31]

水粉画是以水为媒介，调和含胶的粉质颜料作画的一种绘画形式。其色彩表现特点介于透明与半透明之间，融合了水彩画和油画的部分特点，但又不同于二者。在湿润的画面上，它有水彩画的特性；而在干燥的区域，它则具有油画的特性。水粉画的色彩表现力极强，其画面能展现出丰富多样的艺术效果，如柔和、明亮、浑厚等。^[16][32]

水墨画是由水和墨经过调配水和墨的浓度所画出的画，是绘画的一种形式，更多时候，水墨画被视为中国传统绘画，也就是国画的代表。也称国画，中国画。基本的水墨画，仅有水与墨，黑与白色，但进阶的水墨画，也有工笔花鸟画，色彩缤纷。后者有时也称为彩墨画。在中国画中，以中国画特有的材料之一，墨为主要原料加以清水的多少引为浓墨、淡墨、干墨、湿墨、焦墨等，画出不同浓淡（黑、白、灰）层次。别有一番韵味称为“墨韵”。而形成水墨为主的一种绘画形式。^[33]水墨画，是中国绘画的代表，也就是狭义的“国画”，并传到东亚其他地区。中国水墨画的特点是近处写实，远处抽象，色彩微妙，意境丰富。^[34]

肖像画是一种专门性的绘画形式，旨在表现现实生活中真实存在的人物形象。这些人物形象可以通过写生、观察或通过流传资料进行创作。肖像画不仅需要艺术家具备高超的绘画技巧，还需要对人物形象进行深入的研究和刻画。在肖像画中，艺术家需要捕捉到人物的内在特征和气质，将之呈现在画布上，使观众能够感受到人物的个性和情感。^[16][35]

风景画是一种以自然环境中的山峦、河流、海洋、草原、田野以及村落和城市建筑等为描绘对象的艺术形式。风景画中的景物相当复杂，特别是农村、工厂和建筑工地的场景，布局错综复杂，各种物体自身的结构也千差万别。然而，不论描绘的是哪种风景，一般来说，形象都较为庞大，体面角度变化较为显著，远近、前后、左右的空间层次变化都十分清晰。^[16][36]

宗教画是一种特殊的绘画形式，通常以描绘宗教故事、传说等为主题，以宣扬宗教观念和教义为目的。它是美术史上的一个重要画科，与历史宗教、人文宗教、世界宗教等相联系，但不包括与原始宗教、自然宗教、种族宗教相联系的美术作品。在佛教、基督教等宗教中，绘画被广泛用于宣传教义和表达信仰，这些宗教的美术作品具有独特的风格和特点。^[16][37]

静物画是一种以无生命的小型静止物体为描绘对象的绘画形式。通常采用油画、水彩、水粉和素描等手法进行描绘。在静物画的创作中，常常以日常生活中的物品如食品、炊具、餐具、水果、花卉、书籍、动物标本、头骨等为素材。此外，一些具有代表性的物品如死去的动物、人物的衣服、鞋帽、围巾等也常常被用作静物画的题材。经过长时间的发展，静物画已经成为一种训练技巧和美术院校教学的手段。它的目的是为了培养画家的观察能力、造型能力和色彩表现力。^[16][38]

动物画是一种以动物形象作为艺术语言，旨在表达人的希望、幻想和各种感情的绘画。这种绘画的描绘题材非常广泛，几乎所有种类的动物都可以成为其表现对象但动物画的主要描绘对象通常是常见的家禽、家畜以及动物园中的各种动物。动物画不追求完全逼真，允许夸张与变形的手法，但要求作品能够引起观众特别是儿童的共鸣，激发他们对生活美的向往。^[16][39]

壁画是一种装饰壁面的绘画形式，可以通过绘制、雕刻以及其他造型手段或工艺手段在天然或人工壁面上制作出各种画作。壁画作为建筑物的附饰部分，通过建筑绘画的相互适应，达到建筑的实用性与绘画的感染力的和谐统一。壁画不仅具有意识形态方面的功能，还具有装饰与美化建筑的功能，是构成环境艺术的一个重要方面。^[16][40]

漫画是一种以夸张、比喻、象征等表现手法和形式简练的笔法直接表露事物本质和特征的艺术形式，以连续的图像序列和配文来讲述故事、传递信息和表达情感。漫画通常使用连续的图像序列，将故事分解成一系列的场景和事件，通过视觉元素和配文来引导读者的阅读和理解^[41][42]。

连环画是一种独特的综合艺术形式，它将文字与美术相结合，也被称为“小人书”。这种艺术形式的特点在于，它通过多幅画面来连续叙述一个故事或事件的发展过程，在这些画面之间，读者可以捕捉到连续的故事情节。^[16][39]

索描是以线为基础的单色画，是研究和再现物象的一种方式。作为创作的素描有其独特的审美价值。素描通常绘制在纸、羊皮纸、布料、木板、金属等物品上。题材有静物、风景、人物等。^[43]

速写是一种在短时间内用简洁的线条描绘物象的形体特征、动作和神态的绘画形式。它是素描的一种浓缩和提炼，由于作画时间较短，因此要求用极其精炼、概括的手法表现出物象的主要形象特征，这使得速写成为作者绘画风格和艺术才华的更直接体现。速写不仅仅是对客观物象的再现，更是作者感受的传神写照。在速写中，作者的表现手法需要大胆、肯定，并注重线的表现力和节奏感。速写可以采用多种工具及表现方法，包括铅笔、炭笔、毛笔等，以及不同的画纸和绘画技法。^[44]

2019年11月21日，美国有线电视新闻网（CNN）联合谷歌统计出世界上搜索次数最多的10幅画作。^[3]

排名	画作	介绍	作者	创作时间	馆藏地点	地位和影响
1		蒙娜丽莎交叉的双手被描绘得非常柔嫩、精确、丰满，完全符合解剖学的原理，这展示了画中人物温柔的性格，同时也揭示了她的身份和阶级地位。此外，蒙娜丽莎那神秘的微笑与交叉的双手构成了一个完整的组合，这个组合的造型极为优雅，完美地体现了主人公的神韵[45]	列奥纳多·达·芬奇（Leonardo da Vinci）	1503年至1519年	法国卢浮宫博物馆 （Louvre Museum）	·芬奇的《蒙娜丽莎》不仅继承了希腊古典主义的传统表现规范，如庄重、典雅、均衡和稳定，而且还进一步突破了希腊古典艺术在人本特质上的局限，成功地触及了人物更深层的精神世界。这幅画作因此成为了艺术家们表现人物深层精神方面的典范，为后来的艺术家们提供了宝贵的借鉴[45]
2		在画面上，达·芬奇以其通过描绘门徒们各种不同的手势和表情，生动地表现了他们惊恐、愤怒、怀疑、剖白和慌张的情绪。这些情绪的刻画深入到了他们的内心世界，展现出了他们各自的性格和情感状态[45]	列奥纳多·达·芬奇（Leonardo da Vinci）	1495至1498年	意大利圣玛丽亚教堂 （Santa Maria delle Grazie）	这幅宏大的壁画展现出严整、均衡且富于变化的特质。从整体上看，其构思精巧，情节紧凑，典型人物的塑造逼真而生动，表现手法高超，充分展现了画家精湛的绘画才能。这幅壁画是《最后的晚餐》的完美典范之一，具有极高的艺术价值，是世界美术宝库中最完美的典范性作品之一，被公认为艺术瑰宝[45]
3		这幅画描绘了一个夸张变形与充满强烈震撼力的星空景象，包括卷曲旋转的巨大星云，一团团夸大了的星光，和的橙黄色明月等[46]	文森特·梵高 （Vincent van Gogh）	1889年	美国纽约现代艺术博物馆 （Museum of Modern Art）	凡·高的《星月夜》，是他看到的幻象。这种幻象，超出了中世纪艺术家当初在表现基督教的伟大神秘中所做过的任何尝试，它来自画家某种直觉或自发的表现行动，并不受理性的思想过程或严谨技法的约束[46]
4		画中人用两只纤长的手捧着骼骸般的头，脸上有着睁大的双眼与张大的嘴，看起来像是在无声地呐喊。这不幸的人物传递出恐惧与惊骇，构图中到处是波浪的形状，主要人物与桥后方两个行人模糊的身份和形象也增加了一层无法解释的危险感。回旋的线条与不自然的强烈色彩都强调了焦虑感[47]	爱德华·蒙克 （Edvard Munch）	1893年	挪威国家博物馆 （Norwegian National Museum）	《呐喊》画作中，那张惊惧变形的面孔和强烈冲撞的色彩，一直被看作是现代人苦闷精神的象征，该作品成为了20世纪的经典“表情”。蒙克的绘画，开启了欧洲表现主义艺术的序幕。影响了包括马蒂斯、毕加索等在内的艺术巨匠[48]
5		这幅画是画家最著名的反法西斯的大型壁画。画的中间是一只身上有裂缝的受了伤的马，它代表受难的西班牙。马脚下躺着一个死去的士兵，手握断剑。画左端有个仰天哭号的母亲，抱着死去的婴儿，她背后是一只牛，代表法西斯。画的右端有个人举起双手，被火焰围困。一个披发的妇女从楼窗中伸出头来，把一盏煤油灯举近马头，照亮了前方的道路；她的下边，有个人在俯身奔跑。这幅画的上端有一盏明亮的电灯，象征着人们对光明的希望和未来的期盼[49]	巴勃罗·毕加索 （Pablo Picasso）	1937年	西班牙雷纳·索菲娅博物馆 （Museo Reina Sofía）	该画是以法西斯纳粹轰炸西班牙北部巴斯克的重镇格尔尼卡、杀害无辜的事件创作的一幅画，采用了象征性手法和单纯的黑、白、灰三色营造出低沉悲凉的氛围，渲染了悲剧性色彩，表现了法西斯战争给人类的灾难[50]
6		《吻》这幅装饰性壁画，采用大量金片和银箔等装饰性元素，在这片金色的背景下，一对恋人置身于梦幻的世界，他们在开满鲜花的柔软草地上，热情地拥吻。男人的双手抱起了女人的头，亲吻着她的脸庞。而女人的左手紧握着男人的右手，她闭上了眼睛，沉浸在的幸福和浪漫的想象中[51]	古斯塔夫·克里姆特 （Gustav Klim）	1907年至1908年	奥地利美景宫美术馆 （Upper Belvedere museum）	《吻》这幅作品的最大特点在于其浓郁的装饰风格及深刻的内涵。它充分吸收了日本的“浮世绘”以及中国的年画等装饰元素，将绘画的装饰功能提升至新的高度。这幅画作将东西方艺术融为一体，为欧洲的新艺术运动注入了新颖的元素，同时开拓了油画表现形式的新领域[51]
7		画面简洁明了，阳光洒满了少女的上半身。然而背景却暗淡不透光，是在梦境中才能见到的场景。少女的样子看起来温柔而灵动，她的眼神充满了年轻人才有的活力。她的嘴唇饱满而完美，左耳挂着一颗珍珠。光线从左侧照在少女精致的脸上，流淌在厚厚的衣服上，照亮了她的衣领。脖子和项背处于暗处，上面闪动着珍珠的影子，给人一种神秘的感觉[52]	约翰内斯·维米尔 （Johannes Vermeer）	1665年	荷兰莫瑞泰斯皇家美术馆（Mauritshuis）	《戴珍珠耳环的少女》是典型且传统的古典主义风格。画家在创作中极度注重运用细腻的笔触来模拟和营造出人物从明亮的部位一点一点过渡到暗部的光影变化。这种对色调细腻变化的描绘，为整个画面建立了一个真实且基于光线条件下的空间关系。这种空间关系不仅使得画面具有深度，同时也赋予了人物一种立体感[53]
8		画面所表现的是西西里岛的传说：一片漂亮的大贝壳漂浮在碧波荡漾的海面上，上面站着纯洁而美丽的维纳斯，翱翔于天上的风神轻轻地将贝壳吹到岸边，等候在岸边的春之女神正张开红色绣花斗篷，准备为维纳斯换上新装。维纳斯身材修长，容貌秀美，双眼凝视着远方，眼神充满着幻想、迷惘与哀伤[45]	桑德罗·波提切利 （Sandro Botticelli）	1485年	意大利乌菲兹美术馆 （Le Gallerie Degli Uffizi）	作者深受人文主义思潮的影响，因此他对当时新贵族们在权力和金钱的侵蚀下道德沦丧的现实世界感到深深的忧虑。这种矛盾的心理通过画中那位有着成人身躯，却又略带忧郁和困惑眼神的维纳斯表现得淋漓尽致。这不仅体现了作者对中世纪艺术的崇尚，同时也反映了他对“新柏拉图主义”的热衷[45]
9		《宫娥》这幅画作描绘了宫廷内的日常生活。画面中，小公主玛格丽特展现出了她的庄重与稚气，这两种看似矛盾的气质在她身上却和谐共存，她占据了画面的核心位置，一名宫廷女官跪在她面前，捧着水杯，象征着服侍与尊敬。而在画面的左侧，画家本人正在认真地绘画这一切[51]	迭戈·罗德里格斯·德·席尔瓦·委拉斯贵支 （Diego Velázquez）	1656年	西班牙普拉多博物馆 （Museo del Prado）	画家打破宫廷肖像固有的原则，并没有像传统绘画那样把国王夫妇摆在画面的中心，而是把他们放在一个次要的位置，他的这种做法是宫廷肖像画的一种改革，画面上的人物不再是呆板地排列在一起，而是尽量处在自然的状态之中，从门及侧面窗子射进来的自然光运用得很出色，光线均匀地散布在室内的每一个角落[54]
10		亚当斜躺在山坡上，他的右手支撑着地面，展现出他体格成熟且健美的一面。然而，他的眼神却显得呆滞，缺乏生机和活力。此时，一众天使簇拥着那位既慈祥又威严的天父，冉冉飞来。天父身披宽大的斗篷，浓密的胡须随风飘动，他的神情俊朗而庄重。在画中，亚当正伸出他的左手，等待着上帝赋予他生命和智慧[51]	米开朗琪罗（Michelangelo）	1508年至1512年	梵蒂冈西斯廷教堂 （Sistine Chapel）	在这幅壁画中，米开朗基罗以其巧妙的构思和精确的人物身体比例，塑造出了一幅令人惊叹的画面。壁画中的人物形象造型准确、逼真，亚当的骨肉分明的轮廓和富有弹性的皮肤，给人一种健康美的视觉享受，同时这组壁画使米开朗基罗赢得了极高的声誉，是他生平最伟大的作品[51]

东方绘画在文化传承中扮演着重要的角色，特别是中国画，它是中国优秀传统文化的重要组成部分。中国画通过艺术作品的传承和发展，代表了各自文化的独特价值和精神财富，它不仅有着悠久的历史，还涵盖了丰富的表现手法和艺术风格，承载着中国人民的文化情感和社会历程。中国画以其独特的艺术价值和深厚的文化底蕴，对中国文化的传承和发展起到了重要作用，它不仅是记录历史和传承文化的重要载体，也是民族文化自信和精神美学的重要表现方式。^[55]

西方绘画在文化传承中也扮演着重要的角色， 它记录了欧洲和西方世界的历史和文化，也通过艺术作品传达着社会和时代的精神价值与审美意蕴。古典艺术是西方文化的重要组成部分，它承载着欧洲文化史上最重要的表现手法和艺术风格，沉淀着欧洲各地的建筑、 雕塑和绘画艺术。作为欧洲文艺复兴的重要源头，古典艺术不仅代表着欧洲文化的极致，还影响和引领着整个文化历程的传承与发展。在欧洲文化传承中，古典艺术一直扮演着重要角色，它不仅是传承和发展古希腊罗马文化的重要载体，还关联着欧洲政治和科学、技术等方面的发展。^[55]

在中国画的创新中，传统和现代相结合，汲取多种绘画形式的精华，加强空间和时间的感觉，采用自由、多样性和个性化的表现手法，注重艺术的内涵和外延的拓展。此外，中国画在创新中也与其他文化形式进行了交流和融合，丰富了其艺术风格和文化内涵。^[55]以当代画家徐震的《复兴》系列作品为例，他巧妙地以现代的视角和技法重塑了中国古典名画中的形象和场景。他将传统绘画元素与现代社会背景相融合，其中画面中的人物、物象和环境既保留了传统绘画的气质，又融入了现代的审美观念。^[18]

在西方现代艺术的创新中，艺术家们致力于打破刻板的传统观念，探索新的艺术形式和表达方式，同时也吸取跨文化和多样性思想的精华，形成了多种独特的风格和形式。古典艺术在创新中不仅保留了其传统的表现方式和艺术特征，而且也与时俱进，更新了艺术概念，发展出了新的艺术形式。这些新的艺术形式在保持古典艺术传统的同时，也充分体现了时代的精神和审美趋势。^[55]

绘画的内在价值是无法用数字确定的。这种内在价值是一种高度主观的情感价值，与一件特定的绘画作品如何让观众感受到、它激起什么感觉有关。这种情感价值并不是一个具体的实体，而是一种抽象的概念，不被准确地量化和衡量。这种情感价值还受到很多因素的影响，比如文化背景、教育和个人生活经历等等。这些因素都会对人们对艺术品的看法和感受产生影响。另外，这种情感价值与所使用的材料并没有太大的关系，即使是在不同的材料上创作出的艺术品，也有可能拥有相同的情感价值。^[17]

绘画可以传递思想、价值观、情感、概​​念，是一种交流手段，虽然每个观察者可能会以不同的方式接受这些思想，但仍然传达有关社会和人类状况的思想。艺术家在创作画作时，会分享一个故事、一种情感、一种文化元素，人们在感知它的那一刻，也理解它，反映出自己的故事、情感和文化。除此之外，绘画还具有一种聚集个体的社会价值，这种价值来自于它能够将人们聚集在一起，共同体验和分享彼此的故事、情感和文化。这种聚集能力使得艺术成为了一种强大的社会力量，它可以促进不同文化之间的交流和理解，也可以帮助人们更好地认识自己和他人。^[17]

绘画价值的第三个主要要素是市场价值，即价格。绘画的价格与实用商品的价格有着明显的区别，一件绘画作品的商业价值，是由一些集体的共识来决定的，和货币一样，是人为定义它的规定。^[17]

绘画作品实际上有两个独立的市场在运作，它们通过谈判来确定这种规定。一级市场是从艺术家手中到第一个购买者的通道，这个过程中，价格主要由艺术家本人和购买者决定，而二级市场则是指对绘画作品的连续流通，其价格不可避免地遵循供需原则。^[17]

“天人合一”："天人合一"的精神在绘画艺术中有着重要的体现，它倡导人们追求与自然的和谐共生，让观众在欣赏画作的同时，感受到自然的美好和生命的活力。这种精神所传递的价值观，有助于提高人们的生态意识，培养人们对自然环境的尊重和保护，从而在实践中促进生态文明建设，实现人与自然的和谐发展。^[18]

“以人为本”："以人为本"的理念，重视对人的内心世界的理解与尊重，强调人的精神文明在创作中的核心地位，展示了对于人性的尊重和对个体价值的关注。在当今社会，"以人为本"的精神有助于引导艺术家们以人文关怀为核心，去关注社会现实、民生百态，用艺术作品传达对人性的探求和对人类命运的关切。^[18]

“气韵生动”："气韵生动"强调画面所呈现的生动气息和韵律感，以追求表现自然界和人物的神韵与意境。这种理念鼓励艺术家在创作过程中，不仅要关注作品的形式美，还要关注作品的内涵美。通过这种方式，艺术作品能够具有更强的生命力和感染力，从而更好地与观众产生共鸣。^[18]

西方绘画的写实、求真，偏重表现主体以客观的态度感受社会生活所形成的精神意象。与此相联系，重视对客观事物形体状貌的描绘，偏重客观的精神一一心理建构和艺术传达中物质媒介的建构，也就成了西方艺术家们比较一致的精神价值。西方传统绘画以“再现性”为其主要特征，但是这种再现不是对自然一成不变的描墓，这种写实带有浓厚的精神风格：时代的、民族的，以及艺术家个人的精神风格。^[56][19]

西方绘画艺术以形似作为基本原则。达·芬奇认为，圆描即立体雕塑式的描绘法是绘画的主体与灵魂。他们认识和把握自然的方式是纯客观的，始终贯穿着以科学精神为基础，画家观察研究自然的方法主要是对景写生。要求对象、光源、环境、视点四固定，即创作时对客观景物的位置、视点只能选择，而绝不能在画面上随便移动，以求严格按照物理、光学原理，科学准确地再现三维空间的客观世界，并把运用和体现透视、解剖、光彩原理的准确程度当作衡量艺术质量的精神尺度。所以，画家的功夫都用在眼睛所能看到的物体和光影上，不允许增加任何个人的意念和想象。而西方绘画中准确、谐调而科学的比例关系和透视关系，则是实证主义与科学精神的传统在绘画上的体现。当然，西方绘画的审美理想，也并非只强调外形的通真而否定对客体精神风貌的描绘和对画家审美情感的表现，而是强调以形似的刻画作为前提，在偏于客观的基础上，把客体对象的形似神似与画家的情感表现有机统一起来。^[56][19]

绘画艺术是一种既能深入透视客观对象的本质与必然，又能细腻展现主体主观意象与精神情感的独特艺术形式。在绘画中，艺术家通过描绘人物的形貌、神情、姿态和动作，以及刻画自然景物和生活场景的细节，展现出绘画的独特表现力。绘画是艺术家以情观物所见的世界的呈现，它凝聚了艺术家的审美理想，创造出一个心灵画面。绘画作为客观主体性艺术的一种扩展形式，具有反映社会生活的能力和广阔的范围。它不仅具有题材的多样性，还能够淋漓尽致地展现人类生活中的某些细节，通过人物的神情与活动等可视因素来刻画人物性格和展示人物内心世界，同时也传达与表现了主体内在的情感。^[19][20]

绘画的取材范围广泛，表现内容丰富多样。无论是社会生活还是自然界，绘画都可以直接而具体地反映。它可以描绘丰富多彩的社会生活场景，展现自然的壮美景色，刻画人物的神态和情感，同时也能够细腻地再现人物活动的环境。通过绘画的再现，人们能够更深入地认识社会生活的本质和规律。^[19][20]

绘画艺术是一种静态的视觉艺术形式，它通过捕捉最富有表现力的一瞬间来反映现实生活并表达人们的审美感受。因此，绘画对艺术形象的概括和提炼更加集中和凝练。艺术家往往能够利用刻画生活中的一个可视瞬间来概括事物发展过程中与之密切联系的前后阶段，将定型的艺术形象在观赏者头脑中转化为对事物发展过程的联想，这激发了人们对动态过程前因后果的丰富和想象。观赏者通过对艺术形象的审美观照，迅速联想到艺术品未直接展示在人们面前的画面，通过内心构建形成心理完形，从而产生精神与情感的愉悦。由于其内在的主体性，人们可以对艺术家的内在审美意象进行较为自由的体验，在明晰的引导下，具体地想象艺术家的内在审美意象。^[19][20]

绘画能够把对事物外在形象或者形态的模仿描绘转化为对主体审美情感与意蕴的表现，它的对象逐渐由客观外在的事物转化为审美主体内在的审美意象中国绘画追求画中有诗，诗画结合，形神兼备，气韵生动。所谓“传神”，是指艺术家在绘画中不能仅仅追求外形的效果，而应注重表现形象的内在意蕴，即以形写神。所谓“写意”，则主张冲破形似的束缚而自由地抒写作者的情怀。^[20][19]

进入20世纪80年代，新绘画的持续发展及其风格的日益成熟，迅速吸引了批评界和理论界的广泛关注。这些新绘画在欧美等国的艺术刊物上得到了广泛的评论和阐释，并且有关的理论文章不断出现。不久之后，关于新绘画的专著也开始出现。艺术批评家们对新绘画现象冠以各种不同的名称，例如意大利的“超前卫”，德国的“新表现主义”，法国的“新自由形象”，英国的“新精神”，美国的“新意象”、“新浪潮”、“新象征”、“新具象”、“新表现”、“涂鸦艺术”、“庞克艺术”、“叙事具象”、“图案与装饰”、“具象表象主义”等。由于这些名称一般都带有明显的国别性和强烈的群体意识，因此在全面论述这一国际性绘画现象时，英国艺术理论家托尼·戈弗雷（Tony Godfrey）在他的《新形象》艺术中使用了“新绘画”这一较为宽泛的名称。他认为在不能找到更加合适的术语的情况下，“新绘画”这个平和的术语最好还是应该保留下来，并加以使用。^[57]

“新绘画”的基本特征，是具象的回归和搬用一切现成的艺术语言。艺术家重新发现自己该有的位置，重新获得自已该有的创作快感，而且不必再对非得拿出新主意来而有压力。“新绘画”各家最注重的是意象和表现。意象是指非传统的、非幻象的可视形象。它比现代艺术的表现更自由，推崇摆脱一切束缚，随心所欲摆布意象，把自我表现推到极端。德国新表现主义画家格哈德·里希特（Gerhard Richter）认为，“我不遵循任何观点任何体系、任何流派，我没有计划，没有风格，没有不可动摇的东西，我逃避所有死板的束缚，我是不一致的、无所谓的、被动的，我喜欢不确定、无界限的以及持续不停的变动。”^[58]

德国新表现主义的创作手法以其抽象性著称，通过多层次组织实现其独特的表现方式，同时采纳极简艺术的直接表现法和波普艺术的世俗化形象。作品内容并无固定题材，而是追求自由联想、直率而直接的自由表现。德国人相信，新表现主义绘画继承了德国绘画与文化的伟大历史传统，成为真正具有德国性的艺术形式。^[59]

处在后现代主义时期美国语境中的新绘画，美国的艺术家们虽然无法消解其绘画作品中的生涩和浅薄，但多民族共同发展的文化生态要求以新的艺术标准去衡量新的绘画语言实效性，即大众的接受比艺术家的个体感受更重要。他们的作品一反其前辈艺术家的只重视形式的翻新，重新发扬美国知识界追求真理的天性，关注周围环境的“新此地”和本国问题以及批判现实，其中还包括了文化批判和精神批判。美国新意象绘画颠覆了杜桑以来对架上绘画否定的观念，让人想到架上绘画并唤起新的生命力。^[60]