中国戏剧

中国戏剧（Chinese Theater^[1]）泛指戏曲、歌剧、话剧等形式，有时也专指话剧。其源于社会生活，由古代歌舞、伎艺、诗剧等演变而来，后渐发展为由文学、导演、表演、美术及音乐、舞蹈等多种艺术有机合成的综合艺术^[2]。

中国表演艺术历史悠久，早在战国时期，艺人们就靠表演杂耍和舞蹈取悦官廷。汉代，就有百戏演出。唐代时期，最流行的莫过于歌舞戏和参军戏两大类。戏剧作为一种艺术形式是确立于金元时期。宋元时期的四大南戏闻名遐迩，它们是《荆钗记》《白兔记》《拜月亭》《杀狗记》。此外，在宋代，傀儡戏有了较大的发展，题材多样，铺陈故事，以戏剧、说唱为核心内容，不仅表演形式丰富多彩，而且门类众多。明代是传奇剧的黄金时期，有反映爱情的历史剧《浣纱记》，有政治评论剧《鸣凤记》，而昆曲也在这一时期产生的。清朝初期，有“南洪北孔”之说。在南方，洪昇创作了《长生殿》；在北方，孔尚任创作了《桃花扇》。流传至今的京剧，也在这一时期出现。近现代由于西方的影响，中国也开始出现话剧、舞剧以及歌剧。中华人民共和国成立后，中国的戏剧呈现了百花齐放的景象。话剧当数《茶馆》《于无声处》《恋爱的犀牛》影响巨大。^[3][4][5]

中国戏剧作为“中华文化的国粹”，受到了百姓的广泛热爱^[6]。中国国务院先后于2006年、2008年、2011年、2014年和2021公布了五批国家级项目名录，《中华人民共和国非物质文化遗产法》实施后，第四批名录名称改为“国家级非物质文化遗产代表性项目名录”），共计1557个国家级非物质文化遗产代表性项目，其中传统戏剧473个保护项目^[7]。

中国戏剧的起源可以追溯到2500年前，但形成过程相当漫长，直到公元10世纪以后才发展为成熟的戏剧。在文明的初始阶段，巫师在部落和种族中掌握着相当大的权力。他们需要按照一定规范的礼仪表演祭祀乐舞，这是巫师与神灵交流的一种特殊方式。最初的戏剧艺术与这些丰富多样的祭祀仪式密切相关。^[8][3]

中国古代早期的戏剧活动丰富多彩，萌芽状态中的戏剧活动伴随着歌舞，人们装扮成各种动物，在有节奏的打击乐伴奏下，以舞蹈的形式进行表演。这些表演往往有特定的内容和一定的情节。中国最早的诗歌总集《诗经》成书于春秋时期（公元前770年-公元前476年），收录了大量的早期诗歌，其中各地的民间歌谣以歌舞的形式表现，又有具体的故事和情感内容。战国时期（公元前475年-公元前221年）南方楚国的祭祀仪式，提供了一些关于早期戏剧活动的想象空间。楚国诗人屈原（公元前340年-公元前278年）留下了不少与此有关的诗篇。如《九歌》《九章》，也是当时楚国大型祭祀活动的剧本。流传于中国南方的大量楚国歌谣，代表了早期楚地举行这种大型祭祀仪式的基本模式。这些仪式虽然不是典型意义上的戏剧，但已经具备了戏剧所需要的一切元素。这个时代在各诸侯国的宫廷中，还有许多优伶弄臣，他们用滑稽笑谑的表演取说王公贵族，这些都是萌芽状态的戏剧。^[8][3]

在西周与春秋战国时期，随着社会的发展与生产力水平的提高，一方面，歌舞艺术的表演形式有了很大的进步与提高；另一方面，歌舞艺术所反映的内容及其功用也发生了重大的变化。这一时期，在周王朝与各诸侯国的宫廷内，除了祭祀礼仪的严肃歌舞雅乐之外也有专门供统治者或者世族大家享用的歌舞，这就是娱乐性歌舞。^[4][5][9]

周代时，统治阶级已经充分地认识到乐舞用于政治的社会作用，而制定出礼乐制度。为了推行礼乐制度，前代的乐舞被整理了出来。当时在宫廷和民间，祭祀歌舞十分盛行，与原始社会的祭祀歌舞相比，有了很大的进步。周代的歌舞主要有黄帝的乐舞《云门》、唐尧的乐舞《大咸》、虞舜的乐舞《大韶》、夏禹的乐舞《大夏》、商汤的乐舞《大濩》及周武王的乐舞《大武》，总称为六代舞，用于祭祀天神、地神、四望、山川、先妣、先祖等。^[4][5][9]

秦统一六国，把原来六国的歌舞等各种表演艺术形式都汇集到了京城，为集演唱、表演、动作于一体的戏剧艺术的形成提供了契机，被称为“百戏”，并且还在后世产生了梆子戏的鼻祖“秦腔”。《汉文帝篡要》载：“百戏起于秦汉曼衍之戏，技后乃有高絙、吞刀、履火、寻橦等也。”可见百戏是对汉族民间诸技的称呼，尤以杂技为主。^[4][5][9]

西汉初期，朝廷中设立了管理歌舞的机构，即乐府，由著名的音乐家李延年担任协律都尉，主持乐府。另外，汉武帝时打通西域、征服匈奴，与西域各国在文化上也有了交流，西域的歌舞也在西汉初期流入内地，因此，在汉代出现了百戏盛行的局面。^[4][5][9]

汉武帝刘彻时，由于刘彻的喜好和倡导，角抵^[注1]开始盛行起来。这一时期的角抵开始出现分支，加入了故事情节和配乐，被称为“角抵戏”的技艺表演，到了汉代中期，角抵戏不仅在各种表演技艺中占了很重要的位置，成为经常演出的一种表演技艺，而且在表演形式和内容上也有了很大的改进，甚至成为乐舞杂技百戏的代名词。^[4][5][9]

此外，在这个时期皮影戏诞生了。源因汉武帝爱妃李夫人染疾故去了，武帝的思念心切神情恍惚，终日不理朝政。大臣李少翁一日出门，路遇孩童手拿布娃娃玩耍，影子倒映于地栩栩如生。李少翁心中一动，用棉帛裁成李夫人影像，涂上色彩，并在手脚处装上木杆。入夜围方帷，张灯烛，恭请皇帝端坐帐中观看。武帝看罢龙颜大悦，就此爱不释手。^[4][5][9]

魏晋南北朝时期，兴起了一种在当时音乐生活中占据主导地位的传统音乐——清商乐。清商乐是直接由相和歌演变而来，在魏晋南北朝时成型并有所发展所包括的内容越来越多，既包括中原旧曲、汉魏杂舞，又包括了江南新声。^[4][5][9]

此外，这个时期北方如鲜卑族拓跋部等建立了北魏等政权，南方北方沟通加强，这些民族的王公官僚各蓄养有艺人，他们把本族歌舞传入了中原地区；同时，中原汉族地区的民间歌舞以及西凉、高昌、疏勒、安国、龟兹、康国等地的“胡乐”“胡舞”，也都纳人了宫廷歌舞之中。这种融合，使少数民族的歌舞和汉族的民间歌舞、角抵结合后，又循着《东海黄公》的路子，产生出带故事性、带表情的歌舞。^[4][5][9]

自周代就产生的“燕乐”^[注2]，在隋及之后的唐代得到了促进和发展，隋唐时期继承了乐府音乐的精华，并且融入了许多外来音乐的因素，由艺人装扮其一角色，用歌唱、说白和动作，表演特定的情节，称为“歌舞戏”。唐代继承隋代时的教坊制度，专管雅乐以外的音乐、歌唱、舞蹈的救习、演出等事务。^[4][5][9]

在唐代，除了歌舞戏的丰富发展，还有参军戏的兴起，它是在俳优表演的优戏基础上发展起来的。参军戏的得名，据说来自于一名犯官。因他原是个参军，故曰参军戏。参军戏中人物的角色名称，实际上已构成“行当”，“参军”相当于后世戏曲中的净角、“苍鹏”相当于丑角。有人指出中国戏曲有角色行当之分，就是从参军戏开始的，这为即将形成的中国戏曲基本格局打下了基础。^[4][5][9]

北宋时期，出现了堪称中国古代的音乐大师——孔三传，其创造的宫调对当时的大曲演唱形式是一个突破性发展，不仅在当时北方的学艺界有很高的声誉，而且在京都汴梁及宫延演出中也极负盛名，他对元代杂剧的兴起有着不可磨灭的历史功绩。他将唐、宋以来的大曲、词调、绕令以及当时北方民间流行的乐曲和上党曲调搜集起来，按其声律高低，归纳成不同的官调。这种首创的以唱为主、说唱结合的戏曲艺术，后来被称作“诸宫调”。并因编创出《刘知远》《西厢记》《天宝遗事》三部诸宫调而驰名，所以他正式自号“三传”。孔三传也因此被后世誉为“北宋戏神”。^[4][5][9]

宋王朝建立后，重兴乐舞，继承唐代的大曲，并且加以发展。于是，宫廷中重新有歌舞大曲登场。宋大曲的基本结构与唐大曲相似。不过，宋大曲从队伍的组织到演出的方式和唐大曲相比，都有不少的改进更新。那就是演出的程序有一定格式，并增强了表现故事的情节。由此成为“瓦舍勾栏^[注3]”中的重要表演艺术形式。^[4][5][9]

此外，在宋代，傀儡戏有了较大的发展，题材多样，铺陈故事，以戏剧、说唱为核心内容，不仅表演形式丰富多彩，“如真无二”“功艺如神”，而且门类众多。影戏这种表演艺术也得到了较大发展。艺人们将羊皮雕成人物及景物，用灯光投射在布幔上，表演故事。同时，宋杂剧在唐参军戏、歌舞戏的传统表演基础上，吸收了民间说唱、杂耍、武艺和唐宋大曲的精华，形成了一种新的歌舞与故事表演初步结合的艺术。它的出现，是中国戏曲渐趋成熟的标志。^[4][5][9]

戏剧作为一种艺术形式是确立于金元时期，金朝戏曲剧本只留下了一个，元朝却有160余部剧本保留下来。宋元时期的四大南戏闻名遐迩，它们是《荆钗记》《白兔记》《拜月亭》和《杀狗记》。到了元曲四大家出现，戏曲得到了空前的发展，四大家是关汉卿、马致远、白朴和郑光祖。在此之后《西厢记》天下夺魁，《赵氏孤儿》誉满剧坛。^[3][4][5][9]

明代是传奇剧的黄金时期，有借绿林以吐气的《宝剑记》有反映爱情的历史剧《浣纱记》，有政治评论剧《鸣凤记》，而誉满全球的昆曲，也在这一时期产生。戏剧大师汤显祖的《牡丹亭》，更是在世界戏剧史上留下了光辉的一笔。^[3][4][5][9]

清早期，在中国的戏剧界，除了昆曲之外，民间的地方戏曲兴盛起来.如梆子腔、秦腔、徽调、楚调等，逐步形成民间戏曲以乱弹为特色的“花部”与以昆曲为代表的“雅部”争胜的局面。当时戏曲演出活动的中心，以北方的北京和南方的扬州形成两大中心。同时，传奇剧得以长足发展，有“南洪北孔”之说。在南方，洪异创作了《长生殿》；在北方，孔尚任创作了《桃花扇》。流传至今的京剧，也在这一时期出现。近现代由于西方的影响，中国也开始出现话剧、舞剧以及歌剧。^[3][4][5][9]

中国的话剧形成于20世纪初。源于改良的中国戏曲，从根本上说，只是借鉴了西方戏剧，还算不上真正意义上的话剧。中国话剧是从“新剧”，即“文明戏”发展而来的。中国话剧以春柳社在东京演出话刷《黑奴吁天录》作为开始的标志。他们在演出中用分幕方法，通过人物之间的对话和动作演绎放事，舞台设计接近生活真实，显示着开始确立了中国前所未有的话剧艺术形态。^[4][5][9]

在20世纪20年代，中国的儿童剧成为一种戏剧形式，黎锦辉创作出包括《麻雀与小孩》在内的13部儿童歌舞剧，多年以来一直受到少年儿童与家长的欢迎。之后由于战争等原因，没有产生多少优秀的儿童剧。直至20世纪50年代，任德耀的《马兰花》以及《友情》两部大型作品问世，才再次开创了儿童剧的新局面。^[4][5][9]

1958年，由著名戏剧家杨兰春创作的豫剧《朝阳沟》，采用边创作、边排演的方式，临上台才写定最后的唱词。然而，该剧从诞生起就广受欢迎，是豫剧现代戏成熟的标志，在中国现代戏曲史上具有里程碑意义。^[4][5][9]

1963年，周恩来观看完芭蕾舞剧《巴黎圣母院》之后，提出芭蕾舞应该民族化，中央芭蕾舞团可自己创作一部革命舞剧。这触动了时任中央芭蕾舞团团长的李承祥，他随后成立改编组改编《红色娘子军》。一年后，蕾舞剧《红色娘子军》正式公演，周恩来、毛泽东看后，给予了充分肯定。一时间，芭蕾舞剧《红色娘子军》红遍全中国，成为中央芭蕾舞剧团的看家戏。^[4][5][9]

中华人民共和国成立后，中国的戏剧舞台大放光彩，呈现了百花齐放、百家争鸣的景象。话剧当数《茶馆》《于无声处》《恋爱的犀牛》影响巨大。《茶馆》是老舍创作的话剧，既显示了老舍戏剧创作的雄健笔力，也凝聚了北京人民艺术剧院的表演艺术家的才华。该剧上演后获得了极大的成功。20世纪80年代初期，《茶馆》曾赴联邦德国、日本等国演出，反响强烈。^[4][5][9]

在中国戏剧史上，话剧《于无声处》是与《雷雨》《茶馆》齐名的经典话剧。它冲破禁锢gù，解放思想，对于繁荣职工文艺创作起到了引领作用，更在艺术、思想和社会领域都产生了广泛而深远的影响。而《恋爱的犀牛》是由先锋导演孟京辉与妻子廖一梅共同打造，1999年搬上舞台。它通过一个爱情的故事，刻画出在人人都懂得明智选择的今天，“犀牛”般的男人的高贵和挣扎，以一种极为新鲜和震撼的方式影响了一代人。^[4][5][9]

中国戏曲是一种高度综合的民族艺术。这种综合性不仅表现在它融汇各个艺术门类（诸如舞蹈、杂技等）而出以新意方面，而且还体现在它精湛涵厚的表演艺术上。各种不同的艺术因素与表演艺术紧密结合，通过演员的表演实现戏曲的全部功能。其中，唱、念、做、打在演员身上的有机构成，便是戏曲的综合性的最集中、最突出的体现。唱，指唱腔技法，讲就“字正腔圆”；念，即念白，是朗诵技法，要求严格，所谓“千斤话白四两唱”；做，指做功，是身段和表情技法；打，指表演中的武打动作，是在中国传统武术基础上形成的舞蹈化武术技巧组合。这四种表演技法有时相互衔接，有时相互交叉，构成方式视剧情需要而定，但都统一为综合整体，体现出和谐之美，充满着音乐精神（节奏感）。中国戏曲是以唱、念、做、打的综合表演为中心的富有形式美的戏剧形式。^[19][20]

虚拟是戏曲反映生活的基本手法。它是指以演员的表演，用一种变形的方式来比拟现实环境或对象，借以表现生活。中国戏曲的虚拟性首先表现为对舞台时间和空间处理的灵活性方面，所谓“三五步行遍天下，六七人百万雄兵”、“顷刻间千秋事业，方丈地万里江山”，“眨眼间数年光阴，寸柱香千秋万代”这就突破了西方歌剧的“三一律”与“第四堵墙”的局限。其次是在具体的舞台气氛调度和演员对某些生活动作的模拟方面，诸如刮风下雨，船行马步，穿针引线等，更集中、更鲜明地体现出戏曲虚拟性特色。戏曲脸谱也是一种虚拟方式。中国戏曲的虚拟性，既是戏曲舞台简陋、舞美技术落后的局限性带来的结果，也是而且主要是追求神似、以形写神的民族传统美学思想积淀的产物。这是一种美的创造。它极大地解放了作家、舞台艺术家的创造力和观众的艺术想象力，从而使戏曲的审美价值获得了极大的提高。^[19][20]

程序是戏曲反映生活的表现形式。它是指对生活动作的规范化、舞蹈化表演并被重复使用。程式直接或间接来源于生活，但它又是按照一定的规范对生活经过提炼、概括、美化而形成的。此中凝聚着古往今来艺术家们的心血，它又成为新一代演员进行艺术再创造的起点，因而戏曲表演艺术才得以代代相传。戏曲表演中的关门、推窗、上马、登舟、上楼等，皆有固定的格式。除了表演程式外，戏曲从剧本形式、角色当行、音乐唱腔、化妆服装等各个方面，都有一定的程式。优秀的艺术家能够突破程式的某些局限，创造出自己具有个性化的规范艺术。程式是一种美的典范。^[19][20]

中国歌剧故事题材广泛，既有神话、史诗、英雄、传奇的大场面，也有爱情、亲情、友情的小情趣；既有历史故事，也有与时代紧密结合的现实，如抗战救国、解放战争、中华人民共和国成立、诉说人们生活及表现民族团结等。^[21][22]

中国歌剧的结构方式大致分为章节式（文学性）、串联式（故事性）、无场次（关联性）、乐章式（音乐结构为主体方式）四大类。其中，章节式即一章一节的陈述方式，与文学作品的结构和表达方式非常接近，逻辑性较强，突出戏剧一气呵成的特点；串联式注重故事性发展，具有表达顺畅的特点，是中外戏剧中广泛采用的一种规范的标准戏剧结构方式；无场次强调一气呵成，常与无关联、穿越式、跳跃式、无故事、无人物等现象并存，对受众的接受挑战更大；乐章式是完全沿用音乐作品的方式，以音乐这一核心元素戏剧中的点与面。^[21][22]

中国歌剧的表演方式主要分为：在人物表现中展示音乐魅力，歌曲表现人物，人物在角色中歌唱，是借助人物向观众展示歌剧音乐魅力的重要手段，也是歌剧表演中最为普遍的表演方式；在表现人物中体现表演功力，演员用歌唱诠释剧中人物，给观众展示表演者优秀的功力，感染观众，并被认可和接受；在表演功力的基础上展示声乐技巧，歌剧演员在表现人物、推动情节过程中显现出的表演功力与声乐技巧，没有刻意炫技的成分，但又巧妙地展示了自己成熟的功底。^[21][22]

中国歌剧中的音乐包括朗诵、吟诵、道白等功能性的段落。借鉴西方歌剧中的提法，中国歌剧音乐可分为主题歌曲、主要唱段歌曲（咏叹调）、插曲（宣叙调）等形式，各有特点。主题歌具有丰富的民间音乐元素和动听流畅的旋律，奠定了整部作品的音乐基调；咏叹调是抒发人物内心情感，表现情绪、情感倾诉起伏很大的结构，其音乐结构丰富，戏剧性张力突出，情感浓烈；咏叙调是开始或结尾处一段短而富于旋律性的乐段，是较富于旋律性的宣叙调，具有叙事与抒情的综合性质；宣叙调（咏白）用于发展剧情，是半说半唱的叙述方式，介于语音与乐音之间，与“念白”“对白”同类。^[21][22]

中国话剧的民族化表演艺术实践，道路是坚定贯的，特色是十分鲜明的，体现是多方面的。从1924年洪深编导的《少奶奶的扇子》，把英国唯美主义剧作家王尔德的《温德米尔夫人的扇子》全方位中国化，包括环境、人物、性格、语言、习俗，全部化为中国的东西，开创了话剧民族化的先河，一直到抗日战争时期的话剧，特别是1942年《在延安文艺座谈会上的讲话》发表之后与1956年“话剧民族化”大讨论之后，一大批民族化的话剧如雨后春笋，出现在中国舞台上。其中表演艺术的民族化十分鲜明。如金山在《红色风暴》中扮演的施洋大律师江岸演说一段戏，在抑扬有致、声调铿锵的台词中，配合蹉步顿步、撩袍提襟、抖袖拉膀等戏曲的台步和身段，形神兼备，充满浓重的民族特色，被誉为话剧的“麒派”。又如舒绣文在《骆驼祥子》中扮演的虎妞，情真意切声情并茂，充满京味与中国味。哈尔滨话剧院的《赫哲人的婚礼》《曹植》等剧的表演艺术也在台词上以生活腔取代洋化的“舞台腔”，在形体动作上吸收戏曲的程式化动作的优长，如此等等，都在话剧民族化表演实践上做出了大胆创造也取得了宝贵的艺术经验与闪光的艺术成果。^[23]

舞台化妆作为话剧艺术表演中不可或缺的重要组成部分，往往会决定戏剧人物塑造的成败。专业化妆师在使用色彩的过程中，必须有机结合该人物的民族、性别、性格、身份等因素（尤其是面部）。通过这种方式让人物更接地气，而色彩本身具有的流动性、性格化、对比性等特征，对话剧舞台化妆将会产生极其重要的影响。^[24]

总的来说，就是化妆师正确运用色彩能够有效传达人物的情感倾向，增强人物的形象魅力，引起观众审美心理活动，让观众产生美感。在化妆过程中，化妆师还要根据春夏秋冬的不同，选定合适的妆容。例如，冬季最好是选择一些带给观众满足、温暖的橘色或者粉红色等。夏季则最好选取一些自然、清爽的蓝色、绿色等色调。^[24]

中国戏剧泛指戏曲、歌剧、话剧等形式^[2]。

目前中国各地区的戏曲剧种，约有三百六十种，传统剧目数以万计。其中，以京剧、越剧、黄梅戏、评剧和豫剧为中国五大戏曲剧种，还有秦腔、曲剧、昆曲、粤剧、川剧、淮剧、晋剧、汉剧、湘剧、潮剧、闽剧、祁剧、莆仙戏、河北梆子、湖南花鼓戏、吕剧、花鼓戏、徽剧、沪剧、绍剧、婺剧、四平调等五十多个剧种。^[19]

在中国传统戏剧中，京剧是具有全国性、典型性的剧种之一。虽然京剧形成于北京，但并不是北京土生土长的戏曲，它是在进入北京的徽剧、汉刷的基础上，吸收昆曲、弋腔、秦腔和一些地方小调的精华，又结合了北京的语言特点，逐渐融合、演变而形成的剧种，迄今已有近两百年的历史。京剧音乐组成内容包括打击乐、曲牌、唱腔、念白四部分^[25]。

京剧表演是把生活动作按照一定的规范进行提炼概括、美化和夸张，形成有一定规律可循的艺术表现形式，即形成表演程式。京剧演员通过“四功五法”的基本功训练，掌握和积累大量的表演程式，并把若干程式按照一定的生活逻辑和舞台逻辑组合起来，进行人物形象的塑造。京剧形成以来，在行当的划分上，最初有“十行脚色”之说，即生、旦、净、末、丑、副、外、杂、武、流。经过了几次衍变，最终确立了生、旦、净丑四大行当，而每个行当里又根据人物的自然属性和社会属性，派生出许多细密的分支。京剧剧目来源广泛，既有移植、加工的昆曲、梆子等剧目，也有艺人、文人的新创，计有5000余出，包括《定军山》《霸王别姬》《空城计》《三岔口》等经典剧目。^[25]

黄梅戏又名黄梅调，是“中国五大戏曲剧种”之一。早期称为怀腔或怀调，一般认为，黄梅戏发源于湖北黄梅县的黄梅采茶调^[26]，后经过“花鼓戏”“青阳调”“徽调”“京剧”等多种地方戏曲艺术的融合，于清朝中后期在安徽安庆地区逐渐成熟，并逐步发扬光大，成为安徽的主要地方戏曲和中国知名剧种。^[27][28]黄梅戏以抒情见长，韵味丰厚，唱腔纯朴清新，细腻动人，以明快抒情见长，具有丰富的表现力，且通俗易懂，易于普及，深受各地群众的喜爱，代表作有《女驸马》《天仙配》等，代表人物有王少舫、严凤英等人。^[27]

始称小歌班、的笃班、绍兴戏等，发源于绍兴地区的嵊县，中国主要戏曲剧种之一。^[29]越剧起源于清朝末年的嵊shèng县，最初以男性农民表演的落地唱书形式为表现。随着时间的推移，这种形式逐渐演变为在农村草台和庙台上演的戏曲形式，被简称为“小歌班”，并以男性演员为主。民国初期，小歌班开始进入上海演出，经过多次失败后，开始尝试进行改革，丰富了自身表现的表演艺术，时称“绍兴文戏”。自1923年后，出现了全由女性组成的演出班底。在抗日战争期间，女性班底逐渐成为主流，致使男班和男女合演的班底逐渐式微。为了与绍剧区分，人们将其改称为“越剧”。1942年，袁雪芬首创了越剧改革，通过多方努力，越剧得到了进一步的发展。中华人民共和国成立后，上海成立了华东越剧实验剧团，为越剧的发展提供了更好的平台。除华东地区外，越剧的流行地区还遍及华北、中南等地的许多城市。越剧以演绎才子佳人题材的剧目为主，众多艺术流派各局纷呈。越剧的表演艺术家包括卫梅朵、王文娟、徐玉兰等，经典剧目包括《梁山伯与祝英台》《西厢记》《祥林嫂》等。^[29][30][31]

评剧，习称蹦蹦戏、落子戏，又称平腔梆子戏，简称平戏；起源于河北省东部滦州一带“对口莲花落”，1935年正式命名为评剧；^[32]是中国北方流行的汉族传统戏曲剧种，为中国五大剧种之一。^[33]清末年间河北省东部滦luán州一带作为乞食表演出现的民间说唱艺术“莲花落”被认为是评剧雏形。1910年前后，以成兆才为首的蹦蹦戏艺人以”对口莲花落”为基础，吸收东北二人转的音乐和剧目，后来又吸收京剧、皮影、大鼓等的音乐和表演艺术，并在演出中采用全套河北梆子乐器伴奏，形成评剧的基本样式。^[32][33][34]

这一新兴的戏曲声腔剧种后来进入唐山、东北等地又在实践中得到进一步的发展和完善，成为东北、华北地区的主要剧种，随后流传到西北、西南广大地区，演变为一个既蕴含着深厚民间文化传统，又能体现现代审美意识的新兴剧种。评剧，以板腔体音乐为基础，辅以拉弹类、打击类和吹奏类乐器伴奏，形成了男女唱腔，分青衣、花旦、老旦、小生、老生、小丑等众多行当。评剧创始人成兆才代表作《马寡妇开店》《花为媒》《杨三姐告状》等已成为评剧的经典保留剧目。此外评剧还有《王二姐思夫》《安安送米》《马思远开茶馆》《小女婿》《刘巧儿》《小二黑结婚》《秦香莲》《杜十娘》等一批代表性剧目。^[32][33][34]

豫剧，中国五大戏曲剧种之一^[35]，别名河南梆子，简称豫梆，也有河南高调、河南讴之俗称，在豫山地区被叫做“靠山吼”。^[36]豫剧的历史可以追溯到明朝，但真正形成和发展起来是在清朝中后期。起初，豫剧以河南方言为基础，吸收了秦腔、河南花鼓戏等地方戏曲的特点，并与其他戏曲剧种相互影响、融合。在20世纪初，豫剧逐渐走向全国舞台，并在上世纪40年代后成为中国戏曲舞台的主要剧种之一。在河南、山东、安徽等地区广泛流行，特别是在河南省的豫东地区，被视为当地的主要戏曲形式。^[37]

豫剧的发展受到黄河流域地方文化的熏陶，又广泛吸收、借鉴了昆腔、吹腔、皮簧等各梆子声腔剧种的艺术精华，并兼纳河南当地民间音乐和说唱艺术，具有唱腔细腻、语言朴实、俚俗自然的艺术特色，在表演风格、人物行当、音乐唱腔等方面都体现了浓厚的河南乡土气息。^[38][36]豫剧音乐不仅唱腔板式众多，调门唱法也有数十种，同时兼纳曲词格式不一、长短不同的多种曲牌，由此形成了丰富的表演流派。舞台经典剧目较多，例如《辕门斩子》《穆桂英挂帅》《红娘》等，演出经久不衰，豫剧名家有常香玉、王润枝、马金凤等人。^[38]

原称昆山腔、昆腔，20世纪以来称为“昆剧”。昆山腔源于元、明之际昆山地区（今江苏昆山、太仓两地）。到明代中叶时，昆山腔发展壮大，与弋阳腔、海盐腔、余姚腔并称南戏四大声腔。昆曲剧本使用的是传奇这一体裁，传奇是在宋元南戏基础上发展起来的，由于昆山腔兴起，为昆山腔而作的传奇大量涌现，促进了传奇剧本体制和文学风格的进步和成熟。昆曲剧本包括全本戏和折子戏。全本戏讲述完整故事，篇幅要较元杂刷长很多，内容包罗万象，举凡婚姻爱情、社会政治、历史演义、道德教化、百姓生活皆有涉猎。折子戏是全本戏中的“摘锦”，为全剧之精华，是舞台上表现精湛表演技艺的艺术浓缩。昆曲的经典剧作包括《浣纱记》《牡丹亭》《桃花扇》《长生殿》等。^[25]

梆子腔，是中国形成最早的板腔体戏曲品种。在中国陕西、山西、河南、山东、河北、安徽等10余个省市广泛传播，以其高亢的唱腔、动人的韵味深受民众的喜爱。梆子腔剧种在音乐形态上属于“板腔体”，它以一首乐曲为基础，运用各种节拍形式（即板式），将这首乐曲作种种不同的变奏发展，属于单曲体结构形式.它的核心是变奏。它以一对上下句作为基本的结构单位，运用变奏的方法，在上下句的反复演唱中，在节奏、节拍和旋律上进行变化，进而表现戏曲的内容。其唱词的基本格式以七字句和十字句为主，也有变格的五字句、九字句等。^[25]

其乐队分文场和武场两种，文场中伴奏乐器基本都以板胡为主奏，辅以月琴、三弦、琵琶、喷呐等；武场有较完整的配置，如：堂鼓、大锣、大饶、大擦、手锣等，又因地域环境不一而有所差异。随着梆子腔在各地的流传，产生了不同的剧种，包括晋剧、上党梆子、蒲剧、秦腔、汉调桄桄、河北梆子、豫剧、宛梆。而且也产生了能够代表该剧种特色的传统剧目，如《忠报国》《下河东》《黄鹤楼》《赤壁游》《窦娥冤》《宝莲灯》《白蛇传》等。^[25]

按照音乐展演戏剧的观念去定义歌剧，当代中国歌剧按演出场所与样式可分为普通歌剧、室内歌剧、清唱剧三种类型。^[39][40]

普通歌剧指在普通剧场演出的歌剧，在国内舞台对应着不同题材与不同演出名称的大多数歌剧，不必特指、无须说明。从历史题材《赵氏孤儿》到现代题材的《北川兰辉》，从军事题材的《太阳雪》到军工题材的《我心飞翔》，从城市底层百姓题材的《骆驼祥子》到乡土历史题材的《白鹿原》，从作曲家聂耳《号角》到作曲家冼星海《星海·黄河》，从抗战题材《雪原》到台湾老兵《回家》等等剧目。它们以歌剧冠名且题材广泛、内容丰富，多为国家政府投资制作，难以用一种音乐风格概括，都自称为歌剧。^[39][40]

室内歌剧也称小剧场歌剧，是伴随北京、上海等大都市蓬勃发展的小剧场话剧而兴起的一类音乐戏剧。其实，这种说法未必准确，相当一部分新世纪室内歌剧是国外演出团体或公司约稿而创作的独幕歌剧。部分剧目确实与近十多年国内小剧场演出发展有关，说明新世纪以来，部分音乐、戏剧界艺术家开始关注小剧场音乐戏剧。作曲家郭文景《穆桂英》《花木兰》《梁红玉》巾帼三部曲出台，就与戏剧艺术家李六乙小剧场新戏剧设想有关系。而周雪石作曲、陈蔚编剧导演（自费创作制作）的《再别康桥》，更是以国内小剧场市场化的音乐戏剧探索为目的，与瞿小松《命若琴弦》等一类先锋派室内歌剧的艺术探索有不同的创作取向与委约目的。^[39][40]

清唱剧是在新世纪繁荣兴旺的一类音乐戏剧，可在普通剧场也可在音乐厅演出，没有多少特殊的灯光舞美的要求。关峡《木兰诗篇》、林戈尔《俄佳美》、洛季超《虎门销烟》《戚继光》、唐建平《成杰思汗》、莫凡《孔子》、鲍元恺《禹王治水》等作品属于这个类别。将乐队、合唱队搬上舞台；筒装布景，音乐演戏剧，实现了与西方清唱剧一样的演出样式，只是没有音乐戏剧的宗教内容。上世纪黄自创作了第一部清唱剧《长恨歌》。^[39][40]

话剧在欧洲，一般将发端于古希腊悲剧和喜剧的舞台演出形式称之为drama，通常译为戏剧，并将它与歌剧、舞剧、哑剧等相区别。这个剧种从20世纪初传到中国，最初称之为新剧、文明戏、爱美剧等。1928年，中国戏剧家洪深提议定名为“话剧”，将之与传统戏曲、歌剧、舞剧、哑剧等相区别。它综合文学、表演、导演、美术、音乐、舞蹈等多种文艺成分，而以说话（对白、独白、旁白）为主要表现手段；演员的表演则是以说话和动作来塑造各种各样的人物形象，直观地展现社会生活中的各种矛盾和斗争。随着时代和社会的发展，话剧的题材、体裁、风格、手法和艺术形式，也不断丰富发展。^[41]

国家文化主管部门先后于2007年、2008年、2009年、2012年和2018年命名了五批国家级非物质文化遗产代表性项目代表性传承人，共计3057人，其中传统戏剧782人。^[58]

传统的中国戏剧传播和鉴赏都是依靠剧院、乡村戏台、电视台来完成。中国戏剧的传播和鉴赏模式较为单一，而且还有很大的经济条件限制。对中国戏剧传播与鉴赏的模式进行有效、合理的革新是当代社会文化与时俱进的必然要求。例如，可以通过互联网及社交媒体来传播中国戏剧，配上中国戏剧家以及表演艺术家的故事背景，很容易引导欣赏者走近创作者或者走近表演艺术大师，深入了解创作者、演艺大师和他们所处的那个时代。元宇宙的背景下，数字化融通使得这些知识获取更便利，信息沟通更快捷，思想沟通更彻底，交流方式更时尚。^[6]

中国国务院先后于2006年、2008年、2011年、2014年和2021公布了五批国家级项目名录（前三批名录名称为“国家级非物质文化遗产名录”，《中华人民共和国非物质文化遗产法》实施后，第四批名录名称改为“国家级非物质文化遗产代表性项目名录”），共计1557个国家级非物质文化遗产代表性项目（以下简称“国家级项目”），其中传统戏剧473个保护项目。^[7]

序号项目编号 项目名称申报地区或单位第一批国家级非物质文化遗产名录^[59]145Ⅳ—1昆曲中国艺术研究院、江苏省、浙江省、上海市、北京市、湖南省146Ⅳ—2梨园戏福建省泉州市147Ⅳ—3莆仙戏福建省莆田市148Ⅳ—4潮剧广东省汕头市、潮州市149Ⅳ—5弋阳腔江西省弋阳县150Ⅳ—6青阳腔安徽省青阳县、江西省湖口县151Ⅳ—7高腔（西安高腔、松阳高腔、岳西高腔、辰河高腔、常德高腔）浙江省衢州市、松阳县、安徽省岳西县、湖南省辰溪县、泸溪县、常德市152Ⅳ—8新昌调腔浙江省新昌浙江省新昌153Ⅳ—9宁海平调浙江省宁海县154Ⅳ—10永安大腔戏福建省永安市155Ⅳ—11四平戏县福建省屏南县、政和县156Ⅳ—12川剧四川省、重庆市157Ⅳ—13湘剧湖南省衡阳市158Ⅳ—14广昌孟戏江西省广昌县159Ⅳ—15正字戏广东省陆丰市160Ⅳ—16秦腔陕西省161Ⅳ—17汉调桄桄陕西省汉中市162Ⅳ—18晋剧山西省163Ⅳ—19蒲州梆子山西省临汾市、运城市第二批国家级非物质文化遗产名录^[60]694IV-93老调（保定老调）河北省保定市695IV-94四股弦（冀南四股弦）河北省巨鹿县、馆陶县、魏县、肥乡县696IV-95赛戏河北省邯郸市、武安市、涉县、山西省朔州市697IV-96永年西调河北省永年县698IV-97坠子戏河北省深泽县、安徽省宿州市699IV-98上党落子山西省潞城市、黎城县700IV-99眉户（运城眉户、华阴迷胡、迷糊戏）山西省运城市、陕西省华阴市、新疆生产建设兵团701IV-100海城喇叭戏辽宁省鞍山市702IV-101黄龙戏吉林省农安县703IV-102淮剧上海淮剧团、江苏省盐城市第三批国家级非物质文化遗产名录^[61]1101IV-139上党二簧山西省晋城市城区1102IV-140醒感戏浙江省永康市1103IV-141湖剧浙江省湖州市1104IV-142淳安三角戏浙江省淳安县1105IV-143嗨子戏安徽省阜南县1106IV-144赣剧江西省赣剧院1107IV-145西河戏江西省星子县1108IV-146鹧鸪戏山东省淄博市临淄区1109IV-147淮调河南省安阳县1110IV-148落腔河南省内黄县1111IV-149武当神戏湖北省丹江口市1112IV-150雷剧广东省雷州市1113IV-151关索戏云南省澄江县1114IV-152通渭小曲戏甘肃省通渭县1115IV-153弦子腔陕西省平利县1116IV-154西路梆子河北省海兴县1117IV-155淮北梆子戏安徽省宿州市、阜阳市1118IV-156滑稽戏上海滑稽剧团，江苏省苏州市1119IV-157张家界阳戏湖南省张家界市永定区1120IV-158海南斋戏海南省海口市第四批国家级非物质文化遗产名录^[62]1285 Ⅳ-159  线腔山西省芮城县 1286 Ⅳ-160  平讲戏福建省福安市 1287 Ⅳ-161  永修丫丫戏江西省永修县 1288Ⅳ-162  东河戏江西省赣县第五批国家级非物质文化遗产名录^[63]1417IV-163南路丝弦河北省邢台市1418IV-164吉剧吉林省1419IV-165满族新城戏吉林省松原市1420IV-166杂剧作场戏福建省三明市1421IV-167宁河戏江西省九江市修水县1422IV-168端公戏（旺苍端公戏）端公戏（昭通端公戏）四川省广元市云南省昭通市1423IV-169白族吹吹腔云南省大理白族自治州云龙县1424IV-170巴贡（霞尔巴贡）西藏自治区日喀则市1425IV-171土生土语话剧澳门特别行政区

中国戏曲学院是新中国成立的第一所戏曲学校，也是迄今为止全国唯一一所独立建制的培养戏曲艺术高级专门人才的大学，是中国戏曲教育的最高学府。学院的前身是成立于1950年1月28日的中央人民政府文化部戏曲改进局戏曲实验学校，首任校长田汉。1955年1月正式定名为中国戏曲学校。1978年10月经国务院批准改制为中国戏曲学院，招收第一届本科生。2000年学院划转北京市。2014年文化和旅游部与北京市人民政府共建中国戏曲学院。^[64]

2001年12月25日，中国国家话剧院正式组建。中国国家话剧院是中华人民共和国文化和旅游部直属的国家艺术院团。拥有雄厚的艺术创作资源和辉煌的戏剧文化传统。以欧阳予倩、廖承志、吴雪、舒强、金山、孙维世为代表的几代戏剧前辈，奠定了剧院的诞生、发展、继承和创新的坚实厚重的基础。^[65][66]

中国歌剧舞剧院是中央直属院团中规模最大、艺术门类最多、历史最悠久的国家级艺术剧院，内设歌剧团、舞剧团、交响乐团、民族乐团、舞美部及剧目部、演出部等。剧院历史可追溯到延安鲁迅艺术学院，1964年3月经国务院批准，组建并定名中国歌剧舞剧院。^[67]

中国戏剧源远流长，起源于原始社会的歌舞，历经秦、汉、唐、宋等时期的锤炼，至元代进入了成熟的鼎盛阶段，明清时期继续发展，至今已经成为集文本和舞台艺术于一体的文化形式。戏剧典籍除了作为一种表演性的舞台艺术形式之外，更多的在于它的文化表征与文化传承作用。典籍通常是指古代的法典、书籍等重要文献，汪榕培和王宏指出，典籍文献是有时间限制的，专指1911年以前的重要文献和书籍。由此可见，戏剧典籍的重要性并不在于其表演性，而是剧作家在某一时期的文化创作，经过时间的沉淀和历史的传承，具有浓厚的文化气息，是中国古代智慧的象征。^[68]

中国戏剧作为“中华文化的国粹”，通过中国戏剧可以更加深入地了解中国传统文化。例如，20世纪三十年代中国京剧艺术大师梅兰芳访问前苏联，将中国戏曲艺术介绍给苏联观众，遇到德国剧作家布莱希特。布莱希特从梅兰芳的表演中观察到中国戏曲中许多表演手法可以制造间离效果，与自己正在探索的陌生化戏剧理论非常契合。中国戏曲对布莱希特“陌生化理论”的影响，具体体现在观众与角色的关系、戏剧结构和舞台美术等方面。^[69][6]

中国戏剧的韵味和意境别具一格，拥有独特的艺术美感，它是集文学、音乐、舞蹈、美术、武术、杂技、魔术、表演艺术等为一体的综合性艺术，在世界三大戏剧中，中国戏剧具有独特的艺术风格。它的腔调美、唱词美、意境美、气韵美、音乐美、绘画美、虚实美、动静美、剧情美。它将欣赏者逐步带入美轮美奂的戏剧世界，与创作者进行情感交流。创作者通过设置剧情激烈的矛盾冲突，让观众沉浸其中，感受戏剧的内容与形式融为一体的种种神韵，感受戏剧中的人物形象、故事情节、矛盾冲突、社会环境，并与戏剧中的人物命运产生共鸣，让人感发无限遐想。中国戏剧十分重视对唱腔的处理，中国戏剧的唱腔具有明显的地域色彩，伴随着艺术家的情感在瞬间产生震撼人心的独特美感。对于中国戏剧作品来说，能否引起社会上广大欣赏者在情感上的共振共鸣，形成热烈反响，是剧本及表演是否成功的标准之一，是中国戏剧的灵魂所在。^[6]