美术

美术（Fine Arts），又称“造型艺术”’，是将各种能用来塑造视觉形象的物质材料作为手段，从而在二维空间和三维空间内创造出静态的可视对象，以满足人们审美需要或带实用性审美需要的一种造型艺术。^[4][5]

“美术”（法语Beaux-Arts，英语Fine Arts）一词，源于拉丁文“art”（艺术），指相对于“自然造化”的“人工技艺”，泛指各种用手工制作的艺术品以及文学、戏剧、音乐等等，广义还包括魔术、医学等。该词传入中国，于五四新文化运动中普遍采用，中国早期采用“美术”这一术语时，也包括诗歌和音乐，而后教育界逐渐把“美术”和“艺术”的概念区分开来，“美术”成为了“艺术”的一个门类，主要指造型艺术。^[3]

美术的品类大致可以分为绘画、雕塑、工艺美术、建筑等门类。按照物质材料和制作方法区分，绘画又可分为水墨画、油画、版画、水彩画、丙烯画等。雕塑的种类可以分为石材雕塑、木制雕塑、金属雕塑。工艺美术大的分类有金工、木工、陶瓷、玉雕、景泰蓝、珐琅等。^[3]

绘画在主要是在平面上进行，视觉上看是相对静止的；雕塑、建筑、工艺美术主要以三维的空间进行表达，具有用线、色、形塑造具体的视觉形象，以点代面、以静寓动、以形传神等特点，空间是其主要的表达方式。^[4][2]

“美的艺术”（法语Beaux-Arts，英语Fine Arts）是人们在谈论美学和艺术时的一个常用概念。“美术”这一名词源于拉丁文“art”，开始时泛指相对于“自然造就”的“人工技艺”，17世纪出现在欧洲，主要是泛指含有美学情味和美的价值活动及其产物，如绘画、雕塑、建筑、文学、音乐、舞蹈等，以别于具有实用价值的工艺美术。Fine Arts这个术语在欧洲始用于十八世纪，主要包括包括绘画、雕塑与建筑、诗歌与音乐。^[6]

18世纪产业革命后，商业美术、工艺性的美术品类日益增多，美术范围不断扩大。^[1]到了20世纪初，Fine art 传入日本，通过日本意译，“美术”二字由此而成。日本译者在说明书中对“美术”作了解释：“美术：在西洋是指音乐、画图以及诗学等内容。”此后，相关概念开始在日本广泛传播。^[1]

1902年，王国维在译著《伦理学》书后标有“Fine Art，美术”一词首次在我国汉语出版物中出现。^[7]李毅士指出美术与艺术的区别：美术的名词，现在已经普遍地适用了。从前对于美术范围里一切的工作，不叫它是‘技’，便叫它是‘艺’，心目中似乎总有点轻视他的意思”。而“美”这个字在这个时代于那些推进新文化的知识分子看来是一个更为新颖的字。近数十年来欧美各国已不大使用“美术”一词，往往以“艺术”一词统称之。^[1]

在旧石器时代晚期，原始人已经发展成了智慧程度更高的后期智人，他们的生产技术、劳动工具以及生活水平都得到了极大地改善，无论是物质生活还是精神生活，都在不断地变得丰富起来，这些都为绘画艺术的出现和初步发展奠定了基础。在山西省朔州市的峙峪村，距今约328,000年前（比山顶洞人更早），发现了一块刻有猎人、羚羊、飞禽等形象的动物骨骼，是目前世界上最早的图画遗存。^[8]

先秦时期为维持奴隶主和新兴的封建贵族的统治，满足他们的奢靡生活，工艺美术得到了很大的发展，而在工艺美术、雕刻、绘画、书法、建筑等方面，又以青铜器为代表，所以被称为“青铜时代”。^[8]先秦绘画人物作正侧面立像，用衣冠服饰来表达他们的地位、身份，勾线挺拔流畅，设色采用平涂与渲染兼用的方法，风格是庄严而富有生气的。而书法篆刻艺术，石器时期主要是陶器文，殷商时期以甲骨文为主，西周时期以金文为代表，是铸刻在青铜器上的文字。^[8]

秦、西汉（包括新莽）和东汉三个王朝，都是中国多民族的封建社会刚刚建立和巩固的时代，绘画艺术主要有宫殿壁画、墓室壁画及帛画，对我们的民族美术风格的形成和发展起到了极其重要的作用。^[8]在西汉，绘画都是对有功人员的一种奖励手段，在宫廷壁画中也有这种作用；而东汉时期的祥瑞形象和“忠孝节义”的历史典故，在绘画题材中是很常见的。^[8]汉代的厚葬俗，使我们在不断出土的壁画墓、画像石和画像砖墓中，还能看到当时的壁画遗存。^[8]

魏晋南北朝是中国历史上一个相对复杂的时代，在这个时代里，政局的变化相对频繁。由此也可以看出，魏晋南北朝是一个非常有艺术气氛，艺术革新的时代，造成了文化的多元化发展。从秦汉时期无意识的艺术形态发展到有意识的艺术形态，其美学客体也由外在的呈现转向内在的呈现。^[8]

隋唐五代是艺术发展的繁荣时期，其画风总体上表现为“细密精致而臻丽”。^[8]隋朝在政治、经济一体化的背景下，加强了南北文化的交流，绘画和雕刻一方面是继承了上一代的美术传统，另一方面则是南北两派的相互吸纳和交融，表现出一种承先启后的过渡特征。唐朝因为有着包容不同文化艺术的特殊气质，所以唐朝的美术在继承了本民族的传统的同时，也吸收了许多外国的艺术样式，使作品呈现出一种丰富、健康、充满生机的时代精神。^[8]

从五代到宋辽金，中国画学得到了更多的发展与完善，尤其到了宋代，中国画学达到了一个前所未有的高度，宋代绘画在内容、形式、技巧等方面都呈现出群彩纷呈、多元发展的局面。^[8]从宋朝起，陶瓷制造进入一个鼎盛时期，无论是在数量上还是在质量上，都大大超越了上一代，无论是在造型上还是在装饰上，都能将陶瓷本身的艺术魅力充分地表现出来，这就使得宋朝陶瓷在宋代的工艺艺术中占有了一席之地。^[8]

元朝的画坛出现“大裂变”，在外部因素的影响下，迫使画坛发生了一场自身的变革。因此，相对于宋代，我们可以用“和而不同”来总结元代绘画艺术。根据元朝所处的时代环境，我们可以把元朝的工艺美术概括为：粗犷、豪放、刚猛，追求精致奢华的艺术格调，以及浓厚的宗教色彩。^[8]

明朝承宋制，重新设立了画院，并承袭了元朝的文人画和宫廷画的水墨技法，并在浙江地区的民间画坛上，形成了“浙派”的画风。再者，由于统治阶级有意倡导复古，因此，大部分的画家都只会效仿宋人的画作。然而，民间艺术的发展却是很好的。欧洲的商贾、传教士等来到中国，他们在向中国传播天主教、科技的同时，也把西方的古典美术带到了中国，虽然没有引起中国画坛对“舶来品”的重视，但使中国人大开眼界，推动中西两种艺术的相互交流。^[9][10]

清代时期的绘画艺术，由于其所处的政治、经济、思想文化等因素的综合作用，形成了自己独特的艺术风格。从元、明两代开始，文人画风行、山水画繁荣、水墨写意画成为主流，清代画卷延续了这一潮流。清代的书法，贴书和碑帖互有优劣，各有所长。而这个时期建筑和雕塑，更多地表现为“质”与“俗”。^[9][10]

20世纪中国美术创作中出现了许多优秀的美术精品，它们以一种艺术的方式再现了那个时代的历史和精神风貌。20世纪下半期，中国的整体实力和人民的物质生活得到了进一步的提升，人们对精神、文化生活的要求也日趋多样化，这给中国的文化艺术带来了巨大的推动作用。^[11]中国现代美术画派在理论与实践上，对传统的价值与变迁进行了发扬，并提倡中西语言的融合。从总体上看，中国现代艺术呈现出一种欣欣向荣、欣欣向荣、健康有序的局面，这是多个方面共同努力的结果，也是显而易见的。^[12]

最早发现的西方美术作品是在大约30,000至10,000年前的旧石器时代晚期。最著名的是维也纳附近威伦道夫宫出土的雕像，被人们称为“威伦道夫的维纳斯”，又叫“母神雕像”。^[13]在法国的西南以及西班牙的北方，人们在那里发现了一些非常著名的古色古香的壁画，以动物为题材的，表现手法也是真实的，栩栩如生。^[13][14]

在中世纪，由于受到基督教的影响，美术不再重视对客观世界的写实描绘，而偏重于对“心灵”的描绘。拜占庭帝国艺术、蛮族入侵的部落艺术、继承罗马的后罗马艺术以及哥特王国的遗存艺术都在这一时期中得以形成。中世纪艺术的最大成就就是建筑学的高度发展。在雕塑、嵌画、壁画等方面，与宗教建筑结合在一起。^[14]

文艺复兴时期的美术，坚持写实的方式，体现人文的理念，以追寻希腊、罗马的艺术精神为大旗，开创出一种全新的、与现实的人类本性相契合的艺术。此时，可以说西方绘画近代以来的绘画体系初具雏形。这个时期的雕塑追求的是完美与规范，追求对称、和谐、平衡、稳重，其基本样式与表现手法，在现代西方雕塑艺术中占据主导地位，并对其产生了极为深刻的影响。^[14]

18世纪，洛可可风格艺术出现在法国，并很快蔓延到欧洲的其它地方。洛可可风格的绘画以追求华美、细腻为特征，以描绘上层阶级的欢愉生活、高雅女子为主题，其女性化的美学思想占据了主导地位，对妇女的美化也成了当时流行的一种时髦的艺术形式。^[14]

19世纪中期，在浪漫主义思潮的影响下，法国画坛出现了一股新的现实主义思潮。随着法国现实主义绘画风格的兴起，现实主义绘画风格也开始向欧洲其它国家传播。随着时间的推移，19世纪末，现实主义开始没落，印象主义开始兴起。^[14]

进入20世纪后，伴随着工业革命、机械革命的到来，艺术家们在艺术上的思维变得更加大胆、更加自由。20世纪以后到1945年的西方美术被称为“现代主义”，从1945年到现在的西方美术被称为“后现代”，纽约成为了一个世界的艺术之都。^[13][14]现代主义美术在处理社会与人、自然与自我之间的关系时，表现出一种不协调的状态，表现为一种荒谬、随意和抽象的关系。其作品展示了现代人（也包括画家）的心灵创伤与畸形心态，以及对现实生活的消极、悲观与失望，以及强烈的个人主义与虚无主义。西方后现代美术试图突破“教条式”的“形式革新”，从而实现了对现代美术的一种超越与反抗。^[13][14]

美术作品基本上是以二维或三维的空间来表达，空间是其最重要的表达方式。在这一空间里，艺术作品以其独特的造型表现了出来。因此，美术常常被称作是“造型艺术”“空间艺术”。例如，传统的绘画、书法，都是在两个平面上进行的，而大多数的雕塑、建筑，都是在三个平面上进行的。在这个二维、三维的空间中，美术作品都遵循着一定的造型规律和方法呈现出来。^[15]

中国东晋时期的著名人物画家顾恺之，其代表作品有《女史箴图》和《洛神赋图》，他的"以形写神，形神兼备"的思想，阐明了中国美术创作的基本形式原则，对形神关系的对立统一进行了精妙的处理，既注重对客观事物的描绘，更注重对物体内在精神的主观抒发和艺术家的感情抒发。在近现代著名画家齐白石先生也曾提到，作画贵在似与不似之间，太似为媚俗，不似为欺世。^[15]

西方的绘画强调比例和透视关系， 光和色的变化，特别是西方的印象主义者主张根据太阳光谱所呈现的七种色相去反映自然界的瞬间印象， 力图捕捉自然界中难以记忆的变化。空间在西方人的观念里，是一个静止的世界，物体在空间中的变化不影响其本质。因此，西方传统绘画中所体现出的空间意识，与中国传统绘画中体现的富有生命的、动态的，时空交融的表达方式截然不同，而呈现出静止的、客观物理化的空间意识。对于空间的表达，西方画家以静止的视点在绘画中如实客观地描绘物象，表现的是客观物理化的空间意识。^[16][17]

因为传统美术作品都是相对静止的，所以一些新媒体美术作品的实质也可以被还原成许多相对静止的画面，例如动画。一幅好的美术作品，首先要用静态的视觉冲击力来引起受众的注意，其次要用受众的想象力来实现对其内容的理解，并进行二次创作，这就要求要有强烈的真实感和现场感。美术作品的相对静态特性，意味着美术创作者需要更多的聪明才智和人生经验，才能让自己的作品在视觉上引起观众的注意。^[15]

中西方艺术在视觉上最大的差异主要是对待光影的态度，中国艺术需要把外在的自然光看淡看无，强烈的阴影光线会隔断整体性的细微感应，这需要个人在艺术上多次观察体悟，超越了一时一地的局限，也超越了光影的需要。西方的过渡环节是数、 比例、逻各斯(言语、理性)、概念、逻辑，似乎于光也无大关系，但希腊人认为这些可以带来真理的光明，现实是盲目 的、黑暗的，因为它没有真假，是无理性的，需要理念世界的光明来照亮。^[18]

美术作品涵盖了很多，每一种美术作品所用到的材料都有很大的差异，这就要求创作者在表现艺术主题的时候，要将材料和质感结合起来，运用艺术的智慧，让我们在观赏的时候，从材料本身出发，能够更轻易地体会到创作者所要表达的主题。^[15]

以中国绘画为例，运用了中国几千年来形成的一种系统的、有特色的笔墨材料，如毛笔、墨、宣纸等，在这些材料的交互作用下，形成了千姿百态的质感与质感。拿西方油画来说，是用油画笔、油画颜料在画布上所留的印记，这些印记与中国水墨所产生的纹理有着本质上的区别，这也就造就了中西绘画在质地、审美情趣上的差异。在一件美术作品中，材料、视觉以及在相应的造型和空间表达中，可以得到很好的融合，再通过布局、对比、节奏、平衡、统一等手法，最终构成一个完整的画面和主题表达。^[15]

绘画（painting）是一种以表面为支撑面，然后在其之上添加颜色的行为，例如纸张、油画布（canvas)、木材、玻璃、漆器或混凝土等。从艺术用语的角度来看，绘画的含义也包括了将这种艺术行为与图形（drawing）、构图以及其他的审美方式结合起来，来表达作者想要表达的概念和意思。绘画的类别主要包括水墨画、油画、版画、水粉画、壁画和漫画等等。^[19]人们所知道的最早的画作是位于法国的肖维岩洞，一些历史学家认为它可以上溯到3000年以前。这些图画是用红色的赭石和黑色的颜料画出来的，题材有马、犀牛、狮子、水牛、猛犸mǎ象，也有狩猎归来的人。石洞壁画在法国、西班牙、葡萄牙、中国、澳大利亚和印度都很普遍。^[19]

中国绘画经历了数千年的发展历程，经历了从一开始的幼稚和不成熟，到现在已经形成了一套完整的艺术体系。从山水画、花鸟画到人物画，再到成为画坛主流的人文画，不断的扩大中国绘画的外延和内涵，使得中国绘画的表现力变得更加强大。^[20]

从西方绘画发展史来看，从文艺复兴时期开始至18世纪中叶，绘画基本上是以固有色作为色彩基础，油画是西方绘画体系的主流。到了19世纪西方又出现了三个追求不同艺术表现的流派，即新古典主义、浪漫主义、写实主义。到了现代以后，西方油画受到东方文化的影响，绘画走向多元化发展的道路。^[21]

中国画又被称为“国画”“丹青”，它是一种用毛笔作为绘画工具，在宣纸、帛、绢上用水墨作画，然后用卷轴装裱起来的一种绘画形式。中国画的产生与发展，无不体现着中国传统的“天人合一”的境界，画家们在作画时，十分重视人与自然之间的相互联系，十分重视表现感情与意蕴。所以，中国绘画很重视“意境”，把“意境”融入到每一幅作品之中。可以说，构图和意境相互融合，借助构图形式来彰显意境魅力，这是中国画最大的特点之一。^[22]

抽象国画，作为一种新的艺术流派，与自然物象极少或者完全没有相近之处，但是又具备强烈的形式构成面貌，是当代中国画的一种重要表现形式，引起了社会各界的关注和探讨。这种抽象派绘画要体现出中国的文化要素，是对中国传统绘画艺术的继承、发展与升华。同时，这一源于“古”，具有深刻艺术观念的抽象派中国画，又对中国传统绘画中的“画艺”之人，提出了更高的艺术要求。^[23]

油画，产生于十五世纪的欧洲，是西洋画的主要画种，主要是一种将植物油与颜料、树脂进行混合，绘制于经过处理的画布、木板、纸板 以及建筑墙面的绘画。油画的主要特征是颜料色彩丰富鲜艳，能充分地表现物体的质感，使得所描绘的物象栩栩如生，富有艺术表现力。而且，油画颜料具有很强的覆盖性和容易修正等特点，这也给画家的艺术创作带来了便利。^[24]

版画是视觉艺术的一个重要门类，是以刀或化学药品等在木、 石、麻胶、铜、锌等版面上雕刻或蚀刻后印刷出来的图画。版画艺术在技术上是一直伴随着印刷术的发明与发展的。古代版硒xī主要是指木刻，也有少数铜版刻和套色漏印。独特的刀味与木味使版画在中国文化艺术史上具有独立的艺术价值与地位。^[25]

素描是一门独立的绘画艺术，主要是以单色线条和块面来表现物象的绘画形式。在造型艺术领域当中，素描又是其它造型艺术的必然基础，加强对素描的训练，可以提高对事物的认识和理解，培养正确的观察方法和塑造方法，并进一步的锤炼艺术语言规律。^[26]

壁画是在墙上或屋顶上绘制的图画，主要分为粗底壁画、刷底壁画和装贴壁画等，是人类发展历史上起源较早的绘画艺术形式。新石器时期，人类的祖先便开始创作壁画，随着文明的发展，壁画文化也逐渐发展。^[27]

雕塑是一种造型艺术，它是一种利用实物与手法，塑造出立体图像的视觉艺术。早期在打磨石器和捏造陶坯的生产过程中，人们逐步培养并提高了造型艺术的审美观念，并摸索积累了一套制作人物、动物形象的技术经验，也就有了雕塑性质的作品。雕塑按其制作方法，可分雕与塑两大类。雕指的是在一块完整而坚实的坯体上，把多余的部分删削、挖凿掉，比如石雕、木雕、玉雕等。塑指的是用一种具有粘性的材料将它们结合起来，形成所需的形状，比如泥塑、陶塑等。^[28]雕塑按其使用目的，又可划分为架上雕塑、纪念雕塑、装饰雕塑、建筑雕塑等等。^[28]

中国雕刻艺术，从原始时代开始，发展到秦汉时代，经历 了唐、宋的繁华时期，到元、明、清由于战乱影响，雕塑艺术逐渐衰退，直到民国、近代才有所发展。中国古代雕塑艺术的主要内容分别是陵墓雕塑（包括地上的纪念性石刻与墓室随葬俑）、宗教雕塑、民俗性及其他内容的雕塑。^[28]

西方雕塑的传统发端于古希腊和古罗马文化，古典时期即希腊雕刻的全盛时期，这时的希腊雕塑在追求“真实的完美”，追求客观真实之美的境界已经到了登峰造极的程度。西方雕塑在进入二十世纪以后有了很大的变化，在当时雕塑家尚无新意而一批画家率先开始了现代雕塑的实验性探索。现代雕塑时期雕塑艺术的形式呈现出多元化局面，民族 性和区域性特征已不再明显，这一时期的雕塑以艺术家张扬 自身个性为特征。^[29]

工艺美术是一个上世纪50年代中期才有的概念，其前身是民国时期北平国立艺专等院校提出的实用美术。工艺美术是指以日常生活用品或装饰品为媒介的美术，例如餐具、纸艺、编织、绣、结艺、首饰、家居饰品、陶器、瓷器、玉器等等。工艺美术有美的形象，有不同的工艺语言和表现手法，对不同的生活用品和生活环境进行美术加工，对人们的思想感情产生了广泛而深入的影响。同时，工艺美术又是人类在实践中对生命的充实与充实，也是一种审美理念。^[30]当今工艺美术已争得了与纯绘画同等的地位，这一点已被国际上公认，纯绘画是用颜料进行创作，而工艺美术是用工艺和材料去搞艺术创作。^[31]

中国工艺美术起源于旧石器时代的石器。此后，在漫长的社会发展过程中，中国的青铜器、陶瓷、丝绸、刺绣、漆器、玉器、珐琅、金银制品和各种雕塑工艺品，相继取得辉煌成就。中国工艺美术有着悠久的历史，无论是在过去还是在今天，都深刻地影响着世界文化的发展。^[32]中国古时的丝绸之路，不但把精致的丝织产品带到了西方，还把蚕种和纺织技术也带到了中国。陶艺之道更是中古时代东方与西方交往的纽带。^[33]

工艺美术的发展是一个循序渐进的过程，艺术是由满足和方便生活需求起步的。在西方工艺美术发展历程中，兴起于英国维多利亚时期的工艺美术运动，是针对实用性艺术领域的手工生产活动可能被批量化生产方式全面取代、新产品艺术美感丧失这两大现实危机而兴起的改革实践，涉及了建筑艺术、遗产修复、日用品生产等，对西方艺术思想、艺术设计观念的发展产生了重要影响。^[34]

所谓的“建筑艺术”，其广义的所指，就是建筑具备的艺术性，依照美的规律，利用建筑艺术特有的艺术语言，让建筑形象变得既有文化价值又有审美价值，既有象征性又有形式美，还能体现出民族性和时代感。而且，建筑本身就是艺术品， 是一件放大了的自由空间所构成的立体艺术品。建筑艺术可以划分为纪念性建筑、宫室陵寝建筑、宗教建筑、住宅建筑、园林建筑、生产性建筑等。^[35]

中国的建筑艺术，是指根据中国的哲学理念，运用创新的思想方法，进行规划、设计、建造、雕刻、装饰、布置、制造的过程，或者为满足人类居住、生产和其它生活需要而营造的空间环境，如房屋、洞穴、桥梁、墙垣、道路、水利、家具等。^[35]

纵观西方历代建筑空间，从古希腊建筑的建筑空间到当代的建筑空间，是一个由客观倾向转向主观倾向的演变过程。建筑观念的这种转变体现着人类表现自身生命力的愿望，反映出人们对建筑更高层次的需要。为的是从空间中获得某种新的体验和感受以及形成事件的“过程”。^[36]

摄影是指使用某种专门设备进行影像记录的过程，一般我们使用机械照相机或者数码照相机进行摄影。有时摄影也会被称为照相，也就是通过物体所发射或反射的光线使感光介质曝光的过程。摄影主要有静物摄影、人像摄影、风光摄影、商业摄影等类别。摄影既是一项技术成就，又是一种文化现象。^[37]

中国书法艺术是一门独特而又奇妙的艺术，其表现形式是独一无二的，表现的是汉字这种独特的民族文字符号，使用独特的书写工具和器材以及独特的制作方式。书法还包括汉字书法、蒙古文书法、阿拉伯书法和英文书法等。^[38]

代表人物人物形象人物简介代表作品作品赏析文森特·梵高文森特·梵高，荷兰后印象主义时期的代表人物，其作品主要有《星月夜》《自画像》《向日葵》等，其艺术生涯虽然短暂，但却取得了极高的成就。^[39][40]梵高对色彩运用达到极致，其作品的色彩都是较为奔放、夸张的，这也深深地影响了20世纪的表现主义和野兽派绘画。^[40]梵高的作品中还充满天然的悲悯情怀和苦难意识，追求一种狂野的造型，厚重、粗犷的笔触带来的是一种直率而又单纯的表现方式，带有一定的力量和强度^[39][40]《向日葵》以饱满而纯净的黄色调，展示了画家内心中似乎永远沸腾着的热情与活力^[40]丁托列托丁托列托，16世纪意大利威尼斯画派著名画家，其作品丁托列托深受“米开朗基罗”、“提香”等艺术流派的影响，其作品在抒情叙述上具有明显的动感，而且其色彩丰富、梦幻，画面节奏快，擅长利用背景来凸显人物，因此，他的画风具有自己的特色，是威尼斯画派中的一个独特的流派。^[41]其代表作品有《圣保罗的皈依》《圣母参拜神庙》《基督受刑》《最后的晚餐》《入浴的苏珊娜》《贝尔沙查尔宴会》《圣马可的奇迹》等《最后的晚餐》是丁托列托在1547年完成的，现在被收藏在威尼斯的玛库奥拉礼拜堂。这幅画作的题材确定了主题的基调，进而构建出全景式的宏伟场面，这一主题画作对人物之间的不同之处非常重视，强调了他们之间的共同心理反应，形成了隐藏面孔的宗教叙事绘画习惯^[41][42]巴勃罗·毕加索巴勃罗·毕加索，西班牙画家，是现代艺术的奠基人，也是当代西方世界最具创意、最具影响力的一位艺术家。毕加索的创作倾向于向形体手法的多样化发展，也就是对空间、色彩和线条的使用，他的代表作有《格尔尼卡》《和平鸽》《亚威农少女》《生命》^[43]《格尔尼卡》是毕加索于20世纪30年创作的一幅巨型油画。该画作描绘西班牙北方城市巴斯克的重镇格尔尼卡被法西斯纳粹轰炸，造成无辜平民死亡的画面，运用象征手法，运用黑白灰三种简单的颜色，制造出一种压抑、凄惨的气氛，突出了法西斯战争造成的人间浩劫^[44]

代表人物人物形象人物简介代表作品作品赏析菲狄亚斯菲狄亚斯古希腊著名雕塑家、建筑设计师，雅典人，政治家伯里克利的挚友和艺术顾问，是当时最负盛名的艺术家。其著名作品为世界七大奇迹之一的宙斯巨像和巴特农神殿的雅典娜巨像^[45]雅典娜神像是一幅橡木雕塑，但是由于特殊原因原作品在拜占庭时代被毁，现在人们所见到的是大理石临摹品^[45]米开朗基罗·博那罗蒂米开朗基罗·博那罗蒂，意大利文艺复兴时期伟大的绘画家、雕塑家、建筑师和诗人，文艺复兴时期雕塑艺术最高峰的代表，其代表作有《大卫》《创世纪》等^[46]《大卫》是1501年—1504年间创作的大理石雕塑，现收藏于意大利佛罗伦萨美术学院，该雕像体现了人体的神圣美与大卫即将迸发出的巨大热情，从而成为西方美术史上值得夸耀的男性裸体雕像之一^[47]亨利·摩尔是英国著名雕塑家，也被视为20世纪最重要的雕塑家之一。摩尔以大型铸铜雕塑和大理石雕塑闻名，其作品为世界各大博物馆收藏和展览，代表作有《斜倚的人形》《家庭群像》《王与后》等^[48]《家庭群像》是亨利·摩尔于1948至1949年期间创作的青铜雕塑，现藏于英国哈福德郡斯蒂芬内奇的巴克雷学校，该作品充分地显示了对母爱和人伦幸福的关注，表现了作者作为一个人道主义者对社会生活和家庭生活的理想^[49]

代表人物人物形象人物简介代表作品作品赏析威廉·莫里斯威廉·莫里斯，19世纪英国设计师、诗人、早期社会主义活动家、自学成才的工匠，他设计、监制或亲手制造的家具、纺织品、花窗玻璃、壁纸以及其他各类装饰品引发了工艺美术运动，一改维多利亚时代以来的流行品味^[50]采用机纺三股羊毛线按照基德明斯特方法编织而成，高58.4厘米，宽85.2厘米，重0.62千克^[50]顾景舟顾景舟，中国工艺美术大师、宜兴紫砂名艺人、中国美术家协会会员，他在壶艺上的成就极高，技巧精湛，且取材甚广，世称“一代宗师”“壶艺泰斗”^[51]三线咖啡壶，高13.5厘米 宽9.8厘米，为紫砂胎内施白釉，有壶、杯、碟、糖缸、奶杯，按咖啡具配套的紫砂陶器，是五六十年代为紫砂工艺品出口需要设计打样之作^[52]包天伟包天伟， 正高级工艺美术师 、 中国工艺美术大师，中国木雕艺术大师，艺尊轩创始人，上海海派红木艺术博物馆馆长，中国红木艺术第一人^[53]《黄花梨麒麟纹圈背交椅》大气威严，细节处精湛到位，后背圈形五接，座面由黄花梨细长料连接而成，便于折叠，正面浮雕一对相向螭chī龙纹，身躯随壸kǔn门线起伏，颇具动感^[53]

代表人物人物形象人物简介代表作品作品赏析约瑟夫·帕克斯顿约瑟夫·帕克斯顿，英国著名的园丁、作家和建筑工程师，是著名建筑英国伦敦水晶宫的设计师^[54]英国伦敦水晶宫是由钢铁，玻璃和木头制成，建筑覆盖面积为罗马圣彼得大教堂的4倍，工期在半年时间内完成^[54]安东尼奥·高迪安东尼奥·高迪，西班牙建筑师，塑性建筑流派的代表人物，属于新艺术运动时期的建筑风格，其代表作品有古埃尔公园、米拉公寓、巴特罗公寓、圣家族大教堂等^[55]圣家族大教堂是栋平面呈矩形，立面为不规则多柱形，不对称的哥特式教堂，主体结构由5座殿堂和3座侧翼殿堂组成^[55]雷姆·库哈斯雷姆·库哈斯，荷兰建筑师，OMA的首席设计师，哈佛大学设计研究所的建筑与城市规划学教授，其主要作品是康索现代艺术中心、荷兰舞蹈剧院、波尔多住宅、中央电视台的新大楼等中央电视台总部大楼占地面积18.7万平方米，总建筑面积约55万平方米，其中主楼为两栋分别为52层234米高和44层194米高的塔楼组成^[56]

色相描述了一种色彩六边形，类似于三线绘图，它可以被用来从RGB计算色相。红色放置在 0°，绿色在 120°，而蓝色在 240°。其中，“色相环”是将不同色相的颜色依序排列成环状以方便使用。^[57]

色度指得是色彩的纯度，也叫饱和度或彩度，是“色彩三属性”之一。如大红就比玫红更红，这就是说大红的色度要高。它是HSV色彩属性模式，孟塞尔颜色系统（将空间分为色调，明度和彩度三维）等的描述色彩变量。^[57][58]

明度指颜色的亮度，不同的颜色具有不同的明度，例如黄色就比蓝色的明度高，在一个画面中如何安排不同明度的色块也可以帮助表达画作的感情，如果天空比地面明度低，就会产生压抑的感觉。^[57]

色调不是指颜色的性质，是对一幅绘画作品的整体评价。一幅绘画作品虽然用了多种颜色，但总体有一种色调，是偏蓝或偏红，是偏暖或偏冷等等。如果作品没有一个统一的色调，就会显得杂乱无章。但如果都是不一致的小色块，总的效果也给人一种统一的色调。^[57]

颜色或色彩是通过眼、脑和我们的生活经验所产生的一种对光的视觉效应。人对颜色的感觉不仅仅由光的物理性质所决定，比如人类对颜色的感觉往往受到周围颜色的影响。有时人们也将物质产生不同颜色的物理特性直接称为颜色。^[57]

构图是在艺术中常用的技巧和术语。特别是绘画与摄影中经常用到构图这个字。一个好的构图，可以将平凡的东西变得无与伦比，一个不好的构图，则会将一个有魅力的主角变得俗不可耐。^[57]

透空间是在雕塑实体上穿孔或打洞，或使用线条作排列，造成雕塑中一些部分的通透，使之呈现出一种轻盈感，并可包含被蚕食、被腐蚀的意思。^[57]

速塑是雕塑术语，一般指在短时间内、用简要的方法、将塑泥或可塑性材料塑造出对象动作形相和神韵的小品雕塑。^[57]

由一点向外膨胀和由外向里挤压的相持状态，即离心力和向心力互相抵消的空间，体现出生命形态内在张力的视觉效果，是生命力的确切体现。这种膨胀度即为“饱满度”，是衡量雕塑艺术的标准之一。^[57]

最佳视点一般指观赏者能获得最佳视觉效果的、距离被观赏对象高度的2.5倍处。^[57]

包金（rolled gold）是指通过机械力碾压或高温熔接，将极薄的金或K金金箔包在银或金属胎体表面的方法。^[57]

人类使用工具或者双手使条状物互相交错或钩连而组织起来，形成条形或块状类的进行编织的工艺操作。^[57]

金属工艺是中国工艺艺术的一个特殊门类，主要包括景泰蓝、烧瓷、包金、错金、冲线错金、金花丝镶嵌、斑铜工艺、锡制工艺、铁画、金银首饰饰品等。^[57]

尺度所研究的是建筑物整体或局部构件与人或人熟悉的物体之间的比例关系，及其这种关系给人的感受。 在建筑设计中，常以人或与人体活动有关的一些不变元素如门、台阶、栏杆等作为比较标准，通过与它们的对比而获得一定的尺度感。^[57]

“正负零”指的是主体工程的一个基准面，在主体工程基准面下工程完成，该进行主体地上工程施工的时候，也就是主体工程达到“正负零”。^[57]

拉筋，是一个建筑名词，主要是为提高钢筋骨架的整体性而起拉结作用。^[57]

建筑设计(Architectural Design )是指建筑物在建造之前，设计者按照建设任务，把施工过程和使用过程中所存在的或可能发生的问题，事先作好通盘的设想，拟定好解决这些问题的办法、方案，用图纸和文件表达出来。^[57]

中国当代美学研究在引进、学习西方美学的基础上，已有一个多世纪的发展历程。从首次引进西方美学理论始，经新中国成立后五、六十年代的美学大讨论到八十年代的美学热，美学研究的深化，在理论体系的建构上，中国当代美学基本上形成了以实践美学为主流的当代美学理论体系。如果从美学理论形态来看，当代中国美学大致可以归约为三种形态：一是认识论美学；二是实践论美学：三是价值论美学。^[59]

这是当代中国美学的一种很重要的美学理论形态，也曾经是当代中国美学研究的一种重要研究范式。人们的目标是要建立中国的、科学的、马克思主义文艺、美学思想体系，也就是所说的“新美学”。认识论美学认为，人的审美活动是一种认识活动。自然，认识论构成了美学的哲学理论基础。^[59]

在20世纪五六十年代的美学大讨论中形成了四种比较有代表性的观点：一是以蔡仪为代表的客观论美学，二是以吕荧、高尔太为代表的主观论美学，三是以朱光潜为代表的主客观统一论美学，四是以李泽厚为代表的客观社会论美学。这四种美学观点从理论背景、思维模式、研究范式来说，都是认识论性质的。尽管这四种观点后来都有所发展，但只有蔡仪的客观论美学经过长期不懈的努力，形成了完备的认识论美学体系。^[59]

当代中国美学的第二种理论形态就是实践论美学。与认识论美学不同的是，实践论美学以马克思主义的实践哲学作为自己的理论框架，把审美活动置放在人类社会实践活动的历史背景上来考察、理解。^[59]

价值论美学认为，审美创造是一种价值创造活动，也就是审美价值的创造活动。审美活动则是一种价值评价活动，是一种审美主体对审美客体的评价活动。马克思的对象性理论，尤其是手稿中的对象性理论构成了价值论美学的哲学理论基础。^[59]

在价值论美学中，审美客体就是审美对象，审美创造就是审美主体的对象化，审美活动则是审美主体对审美客体的评价，而这种评价活动呈现出一种对象性关系。审美价值是价值论美学研究的核心问题。审美需要则是审美主体研究中的重要问题。审美主体按照美的规律创造是审美价值创造的关键。审美评价则是审美价值的最终实现。^[59]

18世纪，鲍姆嘉通为美学定位， 奠定了人类知识系统的三分结构来， 人们有了一种新的认识视野， 得以从美学的角度重新认识和发现事物， 从而让旧有的理论显示新的意义。 对于美学这门新生的学科，人们在各自的视野和时代背景下，不断温故知新， 出现了层出不穷的美学理论。

早在柏拉图和亚里士多德之前美学思想的雏形就已出现。 关于美的问题的思考并没有占有核心地位， 大多都是只言片语， 不成格局。 然而， 也正是在这些关于美的模糊笼统的思考中， 几乎都能找到当代的美学问题的渊源。 美与真、 善都上升到对宇宙终极的描述中。毕达哥拉斯将宇宙设想为一个宏大的整体， 其中的各个组成部分被整合到一个和谐的关系之中， 美就体现在其中。柏拉图构造出一个理性至上、 等级森严的理想国， 在这里， 艺术的衡量标准就必须纳入政治、 道德和宗教的评判之中。^[60]

美学理论的存在必须依托于一个关于世界和认识的宏大构想和学说之中， 一旦这种语境发生变化，我们的思考方式与角度也随之发生变化， 这种转向被视为是思想潮流转向。 此时，美学问题不再囊括于一个大网络中， 而是分成许多不同的小块，这些部分的理论同样构成一个自足的整体， 它们都有一定的限制范围， 不同程度上忽略其他 面的要素和概念。18世纪，美学关注的中心在于审美对象不再以审美本质作为思考前提， 却成为了审美主体的派生物。直到现在， 西方美学仍以艺术哲学为其主要潮流之一。^[60]

美学无处不在， 导致美学无以为立， 这门学科逐渐失去其存在之根。此时， 一场 “语言学转向” 带来的新思潮来袭，19世纪末， 从语言学家索绪尔开始的这一事业， 要求主体的基点应该立足于客观语言。语言系统不仅是 个体意识的表达和规范， 在其深层更是一种社会历史的普遍结构。 ^[60]

在今天， 美学的整体格局已经经历了风云变幻， 美学的研究领域更多地体现在与外部世界的联系之中， 而不再简单地被定义为一门自洽的学科。后美学即可视作后现代主义背景下的美学， 其面貌呈现与理论意义皆由此喧嚣的语境而得以确立自身。 学者潘知常认为， 这不仅是美学的泛化， 更是美 学的异化。^[60]

美术是大美之基，是用视觉元素来表达情感、思想和信息的创造过程。艺术家把自己的视角、情感、想象，通过绘画、雕塑、建筑等方式，以有形的形式呈现出来。在这些作品中，观赏者看到的不仅仅是画家的天赋与技艺，更是一种深邃suì的思想与感情。^[61]考虑到任何一件艺术作品都与审美价值密不可分，因此，讨论艺术美术的价值与影响就必须以审美为核心，将美术的价值与影响进行整体地联系起来。^[62]

美术作为一种创新的表现手段，是一种以多种形式、多种媒介来传达情感、观念、文化的艺术。美术虽然没有实用技术那么实用，但是其影响力是巨大的，其价值是无法衡量的。^[61][62]美术能够推动不同国家之间的文化交流。不同的文化和时代，都会形成自己特有的艺术风格和艺术形式。在欣赏各个时代的艺术作品的过程中，我们可以对各个地区、各个民族的文化和历史有一个大致的了解。同时，美术作品也是社会的一种手段，能使人们更接近彼此，增进彼此间的了解与沟通。^[61][62]

美术欣赏对人的审美观也有一定的促进作用。参观者通过艺术作品的欣赏，领略其中展示的真善美，从而潜移默化地接近、认同甚至激赏这种真善美所汇成的价值与力量，进而得到人生观、世界观和人文精神的提升和跃迁。^[61][62]美学理论基础对于美育实践活动有着极重要的作用，它不仅是美育的行为导向和依据，也是美育实践的理论基础和支撑，需要学校和教育工作者与时俱进，紧扣时代脉搏，提高自身的美学素养，在实践中不断丰富和完善自己的美学理论基础和美育实践能力，更好地完成时代赋予我们的美育育人任务。^[63]

美术还可以带来一定的经济效益。艺术市场的成长，不仅给艺术家及设计者带来了广阔的发展空间，还促进了画廊、博物馆及拍卖行等行业的发展。美术的影响是深远的，其价值是无法衡量的。它既是一种表达感情、表达思想、推动文化交流的艺术，又是一种美学、促进经济发展的艺术。^[61][62]