蓝调音乐

蓝调音乐又称布鲁斯（Blues）音乐，^[6]是一种基于五声音阶的声乐和乐器音乐，具有特殊的和声特性。蓝调起源于20世纪初美国南部的黑人奴隶劳动歌曲，其中亦混合了在教会中类似朗诵形式的节奏及韵律，是居住在美国的黑人在艰难困苦的生活中创造出来的音乐风格。^[5]音乐内容大多抒发了黑人奴隶们内心哀怨、苦闷的情绪，具有强烈的抒情性与即兴性。蓝调中使用的"蓝调之音"和启应的演唱方式显示了其西方来源，它是北美音乐文化中的重要组成部分。^[7]

蓝调（Blues）音乐来自非洲音乐。蓝调一词是与“蓝色魔鬼”（Blue devils）一致的意思，意思是情绪低调、忧伤、忧郁。早在1798年乔治·科曼就写过一部名为《蓝色魔鬼，一幕滑稽戏》的滑稽戏。17-18世纪，非洲黑人被贩卖到北美，过着非人的奴隶生活，音乐成为他们抒发内心痛苦、寻求精神慰籍的主要工具。这使得蓝调音乐从一开始就带有很强的幽怨色彩，因此它又被称为是“怨曲”，是忧郁的象征。蓝调音乐注重的是演奏、演唱者的“灵魂”能与音乐相通，也就是直抒胸臆的能力。所以蓝调音乐很着重自我情感的宣泄和原创性或即兴性，这种即兴式的演奏方法，后来慢慢地演变为各种不同类型的音乐，如摇滚乐、摇摆乐、爵士乐，所以蓝调亦是现代流行音乐的根源。^[5]

标准的蓝调音乐包含了很多诗一样的语言，一般是12小节的结构，分为3行，每行4小节，歌词是两句相应的，第一句重复，每一句长约2-5小节，余下的4小节内容一般由表演者即兴发挥，有时演奏者会插入一段对白，但通常都是由伴奏的吉他或钢琴加入一些音乐语言。^[5]Bessie Smith（贝西·史密斯），B.B.King是蓝调音乐的代表人物。^[2][3]

在音乐领域中，Blues指的是一种音乐形式，通常将其直译为布鲁斯音乐，同时由于Blues还包含了蓝色的意思，所以有时也翻译为蓝调音乐。在美国，有的学者认为，在英语当中Blues这个词应该是由18世纪才第一次被人们所使用的，当时只是为了用来表达人内心的一种状态，但是却没有非常确切地阐述是内心世界的反映还是外在思想的表达。也有学者认为，Blues一词所表现的是一个人处于情绪很差、很失落、悲伤沮丧的状态，是一种消极负面的情绪，尤其是19世纪中期，赞成该种观点的人很多。进入20世纪，布鲁斯音乐的发展更加迅速，主要包括两方面因素的影响和推动，一方面由于美国民间传统的音乐文化艺术活动的开展，从而更加造就了黑人特色非常鲜明的布鲁斯音乐;另一方面则是由于西方主流的文化习俗和音乐风格的影响，使得布鲁斯音乐变得更加流行。^[8]

但是，对于布鲁斯一词发展成为美国黑人音乐的重要组成部分可以看出，作为美国音乐的一个重要流派，华盛顿·欧文对布鲁斯音乐的基本内涵的理解可以被认为是最初的布鲁斯用法。刚开始布鲁斯(Blues)与忧郁(Blue)并没有非常相关的直接联系，后来随着美国布鲁斯音乐文化代表人物在其作品、自传等领域进行了记述阐明，使得在上世纪初的音乐中采用Blues一词来表达指代忧郁、悲伤的黑人音乐演唱风格得以逐渐成形。^[8]

蓝调（Blues）发源于密西西比河的三角洲地带，起源于20世纪初。1865年，美国内战宣告结束，往日的奴隶们获得了人生自由，但他们多数是文盲，生活依然贫困潦倒，唯有靠自己故土培植出的音乐自娱自乐，如采摘棉花或筑路时唱的劳动号子和农田歌曲。作为美国南方黑人与白人早期在音乐方面接触的重要媒介之—的宗教音乐，对黑人音乐产生了很大影响，并逐渐形成了黑人圣歌。在教堂里黑人牧师们在宗教集会上借用了英国的惯例，即采用一种名为“领唱”的技巧反复吟诵两到三行圣诗，以此解决人们不识字的问题。最初这种音乐完全以人声吟诵，极少有乐器伴奏。后来这种音乐逐渐变得很正式，被精心记录和正规演奏。^[5]

到了19世纪下半叶，即1865年的奴隶解放使黑人音乐发生了一些变化。美国内战结束后，《奴隶解放宣言》的颁布使黑人奴隶渴望已久的自由终于到来。一部分获得自由的奴隶从美国南部迁徙到其他各地，在诸如芝加哥，坎萨斯城等北部和西部的城市建立起黑人社团。然而大多数黑人仍旧留在南方，解放运动三十年后，他们的境遇几乎没有得到什么改观。大部分人仍旧从事农活，像他们当奴隶时一样。不过他们的自由时间的确多了一些，而且不再受到奴隶主的严密控制。这一因素也许可以多少解释为何在这一时期，即十九世纪后半叶，黑人音乐风格得到了快速的发展。这些风格远远超过了流行于奴隶制时期的做工歌，田间号子和黑人圣歌。但与早期的音乐相同，这一时期的音乐同样受到非洲音乐以及美国白人从欧洲带来的传统音乐的影响。^[5]

黑人民谣便是其中典型的例子。早期的奴隶曾听白人吟唱古老的欧洲民谣及民歌，然后他们将这些曲调加以改编以满足自己的需要。但黑人所改编的欧洲音乐并非只限于民谣歌曲，最初主要是人声的叙述。后来一些奴隶在奴隶主的许可下，才加上了乐器的伴奏，还用吉他，提琴和班卓琴演奏传统舞曲。但他们在演奏中运用了非洲音乐的基本特征——强烈的节奏，该节奏具体包含非洲传统音乐中的复杂节奏敲击形式，例如拍手、跺脚等。所以早期奴隶所吟唱和演奏的做工歌，田间号子，圣歌，民谣和舞曲既保留了非洲音乐的特色，又融合了欧洲音乐的风格，而且保留了集体即兴创作的特点。这些音乐形式相互影响，形成了一种独特的黑人民歌风格。从这种风格中就产生出了布鲁斯音乐。所以布鲁斯一直是一种即兴音乐，也就是说，演奏者要一边演奏一边现编旋律。早期的布鲁斯歌手还在演奏的同时自撰歌词，自弹吉他，好像在自言自语地谈论内心的感受。因此布鲁斯抒情曲常常采用反复的单一旋律的形式，曲终时再加入一行新的旋律。这样，演奏者在重复第一个旋律时，可以有足够的时间构思动听的新旋律：^[5]

不要离开我，姑娘，我如此的沮丧悲伤，

不要离开我，姑娘，我如此的沮丧悲伤；

在我内心深处，亲爱的，我爱你永不忘。^[5]

二战前。由于拉格泰姆的商业成功，美国乐谱商立刻开始追求类似的蓝调的商业成功。1912年汉迪的三部类似蓝调的作品出版，加速了锡盘巷采用蓝调元素的过程。汉迪（W.C.Handy）是一位职业音乐家，他在普及蓝调的过程中起了一个关键角色。汉迪是第一位将蓝调改写给乐团的人，他的改写作品达到了交响乐似的规模，配有乐队和歌唱家。他成为一位非常著名的作曲家，自称为“蓝调之父”，但也有人认为他的作品根本不是蓝调。他的作品可以看作是蓝调、拉格泰姆和爵士乐的综合，他主要使用的是在拉格泰姆中使用长久的拉丁美洲音乐中的哈巴涅拉节奏。^[9]汉迪（W.C.Handy）被称做“蓝调之父”，他创作的《圣路易斯蓝调》是史上最早发表的蓝调歌曲。^[10]

1920年代里蓝调成为美国黑人和美国流行音乐里的一个重要元素，通过汉迪的作品和经典的女蓝调演唱家它也获得了“白人”听众的青睐。蓝调从非正式的表演演化为剧院里的娱乐。在剧院里、夜总会里都会有蓝调演奏。这个演化使得蓝调特别地多样化，并且蓝调与爵士乐之间的区别也越来越明确。一些唱片公司开始录制美国黑人音乐。随着录音工业的发展，一些乡村蓝调艺人在美国黑人社群中的名声也不断增高。盲人莱蒙•杰佛逊是第一位使用滑棒吉他录音的艺人，他使用刀片、酒瓶和其它不寻常的对象来弹吉他。滑棒吉他成为三角洲蓝调非常重要的组成部分。在1920年代录制的蓝调可以分为两个风格：一个是传统的乡村蓝调，另一个是比较加工的，多样的城市蓝调。^[9]

20世纪40到60年代间，杰斐逊街曾是美国最负盛名的爵士和蓝调音乐区，许多乐手在当地音乐俱乐部登台演出。第二次世界大战后和在1950年代中随着城市化的加剧以及放声器的普及新的电子蓝调风格出现了，尤其在芝加哥、底特律和堪萨斯城这个风格非常流行。^[9]

50年代初芝加哥成为了蓝调的中心。芝加哥蓝调受三角洲蓝调的影响非常大，因为当时大多数艺术家是来自密西西比地区的移民。他们的风格特征是使用电子吉他、有时滑棒吉他、蓝调口琴、传统低音和鼓。但也有些音乐家使用萨克斯管，不过他们使用萨克斯管更主要地作为节奏支持，而不是作为独奏乐器。^[9]

50年代里蓝调对美国主流流行音乐的影响非常大。鲍•迪德利和查克•贝里直接受芝加哥蓝调的影响，他们激情的演奏离开了蓝调忧郁的风格，一般被看作是摇滚乐的开始。埃尔维斯•皮礼士利和比尔•海利受跳跃蓝调和布基伍基的影响很大，他们将摇滚乐带入了白人社群。芝加哥蓝调对路易斯安那州的兹德蔻音乐的影响也很重要。许多蓝调的风格被引入这个音乐流派，比如使用独奏电子吉他和凯金音乐。但也有些音乐家不是受芝加哥蓝调的影响，而是受其它风格的影响，比如西海岸蓝调。这个风格比芝加哥蓝调平滑，位于芝加哥蓝调、跳跃蓝调、摇滚和爵士吉他之间。也有的艺术家的风格非常个人化。^[9]

1960年代初美国黑人音乐中的摇滚乐和灵歌成为了主流流行音乐。白人音乐家将黑人音乐在美国和其它国家传播给新的听众。虽然大多数听众只是喜欢当时的流行曲调，但是也有人开始追踪这些音乐的根底。尤其在英国产生了许多追求蓝调根底的乐队。到该年代底白人音乐家演奏的多样的蓝调或者蓝调与摇滚乐融合的风格成为全世界流行音乐的主流。^[9]

同时也有些艺术家继续发展蓝调的传统。比比金在50年代出头，在60年代末达到了顶峰，他的技巧性的吉他技术使他获得了“蓝调之王”的称号。与芝加哥蓝调不同的是他和他的乐队使用强的低音支持，而不使用撕吉他或口琴。^[9]

美国民权运动和言论自由运动的音乐在美国导致了对美国音乐根底，尤其是早期美国黑人音乐的根底的研究。纽波特民间艺术节之类的重要音乐节将传统蓝调重新介绍给了新的听众。战前的声乐蓝调和许多被遗忘的蓝调演奏家被重新发现。许多战前的经典蓝调被重新编辑发表。^[9]

60年代末一个所谓的西边蓝调在芝加哥出现。这个新的风格与过去的芝加哥风格相比更强调节奏支持，缺乏口琴和萨克斯管，旋律比较少。新的艺术家出现了，他们的风格是芝加哥风格与摇滚乐的混合，使用放大的电子吉他。^[9]

但是真正将蓝调介绍给年轻白人听众的是1960年代初芝加哥的保罗•巴特费尔德蓝调乐队和英国蓝调运动。英国蓝调是在英国形成的一个风格，在那里十多个乐队改写了三角洲蓝调和芝加哥蓝调的歌曲。英国蓝调音乐家反过来又为许多美国蓝调-摇滚乐混合演奏家带来了新的灵感。这些音乐家首先通过听英国演奏家获得了启发，又开始自己去研究蓝调的传统。尤其吉米•亨德里克斯是当时的一个稀有的艺术家，他本人是一个演奏幻觉式蓝调-摇滚乐的黑人演奏家。他是一位特技吉他手，在吉他技术方面是创立变音和反馈等技术的先驱。通过这些音乐家蓝调对摇滚乐带来了强烈的影响。^[9]

从1980年开始蓝调在其传统风格和新风格两方面不断前进。德州蓝调出现了，这个新风格使用吉他作为独奏和节奏乐器。德州蓝调受英国摇滚蓝调的影响很深。^[9]

同时专门关于蓝调的杂志出版，在美国的大城市里蓝调社团成立，露天蓝调节成为常事。更多的夜总会和酒店出现。几乎所有音乐都受到蓝调的影响。^[9]

随着时间的推移，社会的发展，当迈入21世纪时，也是美国音乐的世纪，蓝调以及以蓝调为根源发展的差不多所有草根音乐形式在流行音乐界开辟了很大一块领域。以蓝调、爵士、乡村和蓝草为内容的夏日音乐节层出不穷，在孟菲斯，蓝调基金会每年会颁发“W·C.汉迪奖”，相当于蓝调界的格莱美奖。^[6]

布鲁斯的音乐风格富于表情，源于表达一种忧伤的心态，音乐中的器乐和歌唱者的思考都可以归入蓝调的范围。布鲁斯音乐的曲式结构有一个典型的特点，即每4小节一组，有3组，共12小节，称为12BarBlues，这也是布鲁斯蓝调音乐最原始的特点，布鲁斯虽有深刻的内涵，但却是一种看似简单的形式，就歌词而言，它也是在重复进行的。第一句唱完以后，也许会稍有变化的重复一次：“我的宝贝，他离开了我，这不是谎话。我说啊，我的宝贝，他离开了我，这可不是谎话。”（My baby，oh she left me，and that’s no lie.Well，I said my baby，oh，she left me，and no way that’s a lie.）第三句响应前两句：“但愿我的宝贝会回到我的身边，在我死去以前。”（Wish my baby’d get back to me，before I lay down and die.）音乐理论家称之为“A-A-B”模式。^[6]

早期的蓝调音乐大多都是结构疏散的叙事型无伴奏歌曲，以黑人们在种植园中劳作时的劳动号子演唱为主，最初采取的是领唱与集体合唱应答的形式，再后来逐渐增加了器乐作为伴奏，与歌唱相互回应，节拍自由，侧重于即兴发挥。到了20世纪初，蓝调音乐开始转变为较长的乐句，成为了具有固定和声与器乐伴奏的演唱形式。歌曲的内容则常是作曲家抒发个人在残酷现实中所产生的内心忧郁，多与生活息息相关的爱情、艰难困苦、遭受迫害等有关。由于蓝调音乐并不是以欧洲传统大小调的方式来进行演奏的，而使用的是“布鲁斯风格”进行表达，因而许多听起来“不成音调”的音符是无法在钢琴上演奏出来的，因为这种与传统习惯的不相符，使得蓝调音乐不能被白人所接受。^[7]

不过蓝调音乐并不仅仅只是表达生活的艰苦，在某些时候也会有一些诙谐的成分蕴藏在内，而到了后期以至现代，欢快、轻盈的成分则占据了蓝调主题的大部分，而这个时候，呼喊成了歌词的主要表达形式，歌手们不再拘泥于隐晦、含蓄的表达内心的不安与忧郁，而是通过呼喊来进行畅快的表达。^[7]

而现在蓝调虽然与最初的蓝调音乐有所不同，但是在乐曲表达与音乐形式上也大致遵循了最初蓝调音乐的特征。现代的蓝调音乐充分融入了崭新的元素，在演奏中尝试使用电吉他，结合了摇滚、民谣、流行等多种元素。因此现代的蓝调，虽然也有抒发内心忧郁的内涵，但音乐听起来并非完全悲凉，反而通过这样一种方式去宣泄负面情绪，从而对美好生活产生无限向往。^[7]

虽然蓝调有一些发展，但还是缺少强有力的支柱来支撑其继续发展壮大。首先，即使90年代新艺人如雨后春笋般出现，但还是缺少一位具有领袖气质的巨星，只有比比·金一人来独撑大局，可他已经日益衰老。其次，是因为嘻哈音乐的发展，嘻哈音乐是20世纪后最主要的流行音乐形式，它完全吸收了黑人乐迷，所以蓝调音乐无法继续有广大黑人乐迷的支持，在现代的蓝调音乐演出中，能看到年轻的乐迷已经不多见了，种种因素，导致蓝调音乐在21世纪初就面临险境，不能不承认，蓝调音乐已经有些落寞了。虽然是困难重重，但蓝调还在继续前行，因为它是美国草根音乐中最古老，最根源的音乐风格，任何音乐风格都不能脱离它，无论是当今社会的流行歌曲、爵士乐，还是摇滚乐。在百年后的今天，它依然具有感动人心，丰富音乐传承的力量。就像比比·金说的那样：“蓝调？蓝调就是美国音乐之母，美国音乐的源泉。”^[6]

通过布鲁斯蓝调音乐的起源来看，布鲁斯是爵士乐的渊源之一，为爵士乐的早期形成起到过主要的作用。但随着时间的推移，爵士乐已经发展为较为成熟的音乐形式，并不断融合不同的音乐风格，推陈出新，其中也不乏布鲁斯的影子，从这方面来看，“布鲁斯是爵士乐的一个分支”这种说法也无可厚非。^[6]

布鲁斯的这种格式在艺术家们的不断探索下产生了许多变体，如13小节的布鲁斯。Blues旋律的进行以和弦为基础，以I、IV、V级的3个和弦为主要和弦，12小节为一模式反复。旋律中，将主调上的第3、5、7级音降半音，使人有着苦乐参半、多愁善感的感觉冲击。由于布鲁斯音乐与欧洲的许多传统音乐的习惯不同，因此为那些受过良好教育的白人所不齿。布鲁斯不是以大调或小调演奏，而是用“布鲁斯风格”进行表现，那些“不成音调”的布鲁斯音符在钢琴上是无法弹出的，它们被认为是从非洲音乐借鉴来的。^[5]

布鲁斯作为一种音乐形式看似简单，实际可以有几乎是无穷的变化，一直是任何一种爵士乐的重要组成部分，而且它成功地保持了自身独立的存在。民谣叙述他人的故事；做工歌是配合工作速度的有节奏的曲调；圣歌是宗教歌曲；而布鲁斯才是用按理表达歌唱者的情绪的音乐。可以说Blues的产生是为了抒发演唱者的个人情感，它为音乐家提供了表白自身的机会：他们的爱、他们的恨、他们对生活的态度等等。Blues本身就是一种精神状态，是平民的音乐，是来自生活的音乐。而它的内容则包括许多，而且是最真实的反映；对不公正的反抗、对美好对爱情的向往、挫折后的失意、情感上的宣泄；同时幽默、自嘲，有时甚至是流着眼泪的笑。^[5]

清教主义者们坚持认为，蓝调是一种非洲裔美国文化的表达方式，其从本质上来说对白人世界是不适合的；而反对者则认为，蓝调所表达的从悲哀到喜悦的那种情怀是属于全人类的。^[5]

不可辩驳的史实表明，蓝调音乐的发展在其初期完全是由美洲黑人来完成的。布鲁斯的一些特点反映出非洲音乐的影响。每一次声乐旋律后都接有一个短小的吉他器乐过门。这显然是普遍存在于非洲音乐中的应答轮唱形式。这里的声乐作为领唱，吉他过门则是应答。他们在其中融合了非洲音乐中的旋律、节奏、曲式等元素与欧洲传统音乐的全音音阶、和声及其曲式系统。与欧洲风格相比，布鲁斯歌手宽阔的音域更接近于非洲音乐演唱风格。吉他上的音符滑音就是非洲萨瓦那地区弦乐演奏家所使用的技巧。演奏者不仅在节奏拍上，而且围绕节奏拍演唱和演奏的手法也来源于非洲；大力强调反复，以此来加强动力和兴奋高潮，更是非洲的演奏方式。^[5]

然而尽管存在这些非洲的风格，布鲁斯并非完全是一种纯粹的非洲的音乐。事实上，近年来访问过非洲的美国布鲁斯演奏家，对非洲音乐与布鲁斯音乐之间的巨大差异感到惊奇。虽然黑人奴隶早先来自非洲，但他们的后裔却生长在一个受到美国生活方式强烈影响的完全不同的环境中。因此，正如我们所看到的，奴隶制期间以及之后所发展起来的所有黑人音乐，都是非洲和欧洲音乐风格的结合。就布鲁斯而言，欧洲音乐的最大影响体现在和声方面，即为旋律伴奏的和弦（如吉他手所弹拨的和弦）。数百年来一直盛行于古典音乐中的和声体系在非洲从未听见过。当一组乐师一齐演奏布鲁斯时，和声的作用便显而易见了。这是因为两个人以上即兴演奏时，必须要达到某种默契或遵循一定的乐曲结构。^[5]

首先，乐曲使用按一定的次序或模式连结起来的三种和弦。一般来说，一小节（即四拍子）配一个和弦。早期布鲁斯音乐大概用具有民谣和圣歌特点的八和十六小节的曲式，但不久十二小节的形式被普遍使用。旋律共三行，每一行占四小节；但演奏者只唱每一行旋律的前两小节，后两小节用吉他伴奏。然而我们以后还会发现，是否需要严格地恪守十二小节的布鲁斯曲式，主要还是依所演奏的音乐类型而定。表演布鲁斯的爵士乐音乐家往往严格遵循这种结构，按特定的形式和固定的节拍使用和弦。而早期的乡村布鲁斯歌手在和弦处理上则变化很大，甚至在许多情况下，并未意识到他们在使用欧洲风格的和弦。正如比尔ˇ布隆兹曾经说过的：要是真想演唱我在密西西比学过的古老布鲁斯曲调，我就得使用自己的伴奏，而不是音乐家教给我的那种正确的和弦。真正的布鲁斯是没有这种和弦；布鲁斯不是来自书本，但和弦是书上的。^[5]

蓝调音乐为爵士乐曲的鼻祖，因此这两类流行音乐体现了演奏形式的相似性，同时形成了相互之间的作用影响。例如，该两类音乐均通过自我情绪的散发、宣泄，通过即兴演绎达到了良好的原创效果。蓝调音乐虽对爵士乐曲的产生发展形成了推进作用，然而伴随流行音乐的不断发展，各个时期蓝调以及爵士乐曲的相互作用，两者向着从属于自身的特色化道路实现了丰富发展。由此可见，该两类音乐不仅互相渗透，同时紧密联系，还呈现出一定的区别性。由形式审视，蓝调音乐体现了显著的特征，即呼应特点，乐句在开始阶段会营造一种紧张、同时充满无助之感的气氛，好似在向听众哭诉。而后乐句则好似通过舒缓的韵律营造一种安慰以及抚慰伤痛的效果。^[11]

蓝调音乐的形式契合传统规律。通过三级和弦，将十二小节形成一体模式，而旋律则通常为三连音以及切分音乐节奏，进而给人以跳跃体验。此外小调蓝调一般有16小节，而不是12小节，而且往往受福音宗教音乐的影响。蓝调的摇滚节奏也是它的一个特征，其使用加强了节奏和启应的效果。许多战后的电子蓝调和摇滚乐使用这些节奏中比较简单的。调试、和声以及乐曲形式、演唱节奏等体现出传承古典的特色，并依据固有风格的变化形成一定发展。蓝调其歌词更具特色，体现了个性化特点，同时节奏较为和谐，且旋律更为忧郁，能引起欣赏者的共鸣。虽然蓝调音乐限定为十二小节，音阶为五声，然而蓝调音乐形式渗透的丰富情感却可显现的更为宽泛、广阔。音乐旋律之中，可进行主调音的降音处理，进而营造一类苦中作乐以及多愁善感的音乐效果。^[11]

由歌词以及乐曲曲调系统来看，蓝调经常通过对称式结构，体现音韵特点，形成首句重复的模式。音乐旋律则惯用切分节奏以及三连音，实现轻重音的互相换位。^[11]

蓝调呈现出低音部的规律性，通过强弱拍的互相交替同右手演绎旋律切分音深入至下节强拍之中。双手切分节奏呈现出强烈对立，进而构成了摇摆激荡的音乐节奏模式。蓝调音乐演绎处理阶段中，不会对演奏人员形成乐谱方面的影响，较多演奏体现了即兴、自由特点。即演奏人员可添加自身的观点与看法，进而打造出特色化的音乐风格，令观众体味到更丰富的处理效果。^[11]

蓝调的特征为深沉同时不失浪漫性。因此契合于灯光相对阴暗的情景中进行演奏。还可配以钢琴以及吉他弹奏。该类乐曲更像是一类纯纯的欣赏类别，各个乐曲的风格特征均基于演唱阶段逐步产生并深化。也就是说，蓝调音乐可处理演奏成只属于自己的情感特色形式，可令自身置于颓废之中，对于蓝调音乐钟情的听众则会沉迷于此。^[11]

布鲁斯音乐在发展过程中，随着黑人生活境遇和思想情感的变化，风格上经历了不同的转变。其对当代世界流行音乐的发展更是产生了不可磨灭的影响。在对非裔文学音乐叙事风格进行研究的过程中，主要对其中典型的布鲁斯音乐的发展历程进行了梳理，从而综合了如下几大具体音乐风格特征，同时也是非裔文学音乐叙事风格的具体表现。^[8]

黑人丰富的民间传统文化给众多黑人作家的文学创作提供了源源不断的素材和背景资料，以《萨尼的蓝调》为代表的布鲁斯音乐作为其中重要的音乐形式，起源于非洲大陆，后来由美国南部地区的黑人奴隶加以升华演进，受到黑人的广泛推崇和高度热爱，布鲁斯音乐不仅给处于水深火热中的黑人以情感上的宣泄，而且给予他们心灵上极大的抚慰，使得他们的生活充满色彩和寄托。例如，著名黑人女作家莫里森就在作品中基于布鲁斯音乐，从而发展了黑人民间文化，也记录了黑人生活的苦难，布鲁斯是黑人艺术文化上的象征，体现了黑人对民族文化的积极向往和不断追求。^[8]

以《萨尼的蓝调》为代表的布鲁斯音乐在黑人中最受大家欢迎、最具黑人特点，不仅可以用来进行演唱，也可以作为爵士乐舞曲。其中从布鲁斯音乐演进而来的爵士乐，它是美国黑人创造性地表现民族团结的艺术形式，爵士乐通常是由二重唱、即兴演奏以及独奏所构成的，爵士乐的主要特征包括两个方面，也即弹钢琴的音乐人一方面用左手弹出较稳定的节拍，另一方面用右手随意变换节奏，演绎出不规则的节奏。例如，托妮·莫里森便将爵士乐的特征融入自身的文学创作中，作品中包含了爵士乐风格的文本结构和语言特色，突出了黑人艺术风格，使其作品蕴涵了更深的主题意义和内涵深度，更富于艺术表现力。^[8]

由于长期以来美国黑人民族承受着的民族歧视和剥削压迫，使得其文化传承也变得压抑，变得边缘化。黑人音乐在这种极其艰苦的文化氛围中逐渐形成和发展起来，它所具有的意义表现形式和风格策略展现了美国黑人民族自身特有的语言风格和思维习惯，其中最为突出的要数“象征的自由”，也即歌唱者或演奏人用自身极其朴素简单又富于变化的音乐形式，对想象、情感、语言等因素进行自由组合，使得音乐包含着丰富生动的文学意义。^[8]

以《萨尼的蓝调》为代表的布鲁斯音乐在美国南方的土地上不断演进，在创新的过程中结合了教堂的圣歌、广大劳动者的歌声以及民间智慧、风趣、幽默的风格，从而发展成一种“简单而富有表现力”的情感表达模式，它可以随着心态的改变而变化，也可以随着情感的不同而自由调整，通过简单的形式来突出较为深刻复杂的内心情感历程。例如，20世纪作为美国最受欢迎的黑人诗人之一兰斯顿·休斯，就被称为“第一个将布鲁斯和民间素材引入书面诗歌的诗人”。他突出的诗歌成就主要在于创造性地提出了将其中的美国黑人音乐，尤其是布鲁斯音乐风格添加到自身的诗歌创作中，将布鲁斯音乐风格发挥和运用得非常透彻，从而形成了极具特色的美国黑人诗歌。^[8]

布鲁斯音乐作为非裔文学的典型代表，它的发展对世界流行音乐产生了巨大影响。当今流行音乐的发展是从布鲁斯音乐在美洲的流行开来为起点。可以说，非裔文学，尤其是布鲁斯音乐对流行音乐的变化和发展起到了很大的助推作用。拉格泰姆、爵士乐、大乐队、节奏布鲁斯、摇滚乐、乡村音乐和普通的流行歌曲，甚至现代的古典音乐中都含有布鲁斯的因素或者就是从布鲁斯发展出来的。^[8]价值

通过蓝调音乐的起源我们可以看到，它最初是黑人奴隶们宣泄忧伤情绪的一种手段，对奴隶制度极度厌恶与反感，对现实生活表达着一种哀伤、痛苦与失落。不过，仔细聆听蓝调音乐的具体内容后会发现，虽然会有一种隐喻的忧伤在其中，但却并不是黑人奴隶们在祈求怜悯，而是听到了对个人和集体尊严的维护，对自由生活的向往。蓝调音乐在北美的发展过程见证到了黑人奴隶们在北美的艰苦生活与坎坷经历，而黑人奴隶们以及以后的蓝调表演艺术家们，却利用自身的精湛演技将这种音乐艺术形式发展为一种崇高的乐观精神。^[7]

蓝调音乐对其他音乐风格均产生了很大的影响。其中，爵士乐在很多的结构特征上都与蓝调音乐极其相似，比如以即兴的快速上行或下行为演奏的起点，两种独奏乐器之间相互应答的演奏方式，或是独奏与合奏之间的相互吟唱，这些都与蓝调音乐并无差别，我们也可以清晰的看到，蓝调音乐对爵士乐起源与发展都产生了深刻的影响，甚至可以不夸张的说，没有蓝调音乐也就不会有今天的爵士乐。^[7]

蓝调音乐最初的产生就是歌唱的形式，这与黑人们本身喜爱唱歌、跳舞的习惯有着直接的关系，蓝调音乐由种植园劳作中产生，逐渐开始吸收了西方的音乐元素，从而开始迅速发展。它是一种表达个人情感，感叹凄凉生活的独特艺术风格。它最初以田野呼喊为演唱形式，这种呼喊已经不完全是起着调动劳动气氛和统一劳动节奏的作用了，更多的是表达某种感情，它的特点是忧郁情绪的直观倾诉，通过这样一种独特的方式来表达内心的苦闷。^[7]

在北美的一些地方，至今仍保存着蓝调音乐的风格，它那不规则的节奏模式，以及宣泄性极强的情感表达，更容易与人产生共鸣。蓝调音乐在表达内心情感的同时，也更多的表现出了当时黑人奴隶们的一种生活态度，虽然处在疾苦的奴役生活里，但是使用这样一种音乐风格表达内心悲伤的同时，更多的是想通过这种坚忍不拔的精神来实现战胜眼前痛苦的可能，这也许才是蓝调音乐内涵深度中最有价值的一部分。^[7]

是一种起源于美国南方和中西部的大部分由原声吉他演奏的蓝调。乡村蓝调利用了从早期的滑音吉他到指拨演奏的独奏、二重奏和弦乐合奏。先锋者 Skip James, Brownie McGhee, Lead Belly 和 Lightnin' Hopkins 创导了这种现已不存在的风格。以后的电子吉他使之平稳地转变成电子和现代的乡村蓝调。^[12]

在摇摆年代，大型乐队爵士、蓝调、福音音乐和“布吉沃吉（Boogie-Woogie）钢琴”全部结合起来，成为“跳跃蓝调”。Cab Calloway 唱新鲜有趣的歌曲时，更强调了旋律。Slim Gaillard 则“说”唱出令人捧腹的超现实主义歌曲（通常是关于食品），而他的乐队应和着喊叫着。Louis Jordan 也掌握了这种高能量的跳跃蓝调，同时 Louis Prima 又结合了 Louis Armstrong 的人声变化和小号技巧。跳跃蓝调的西海岸版很大程度地受比较轻松的 Nat Cole 的爵士三人组影响，用老练的音乐和歌词代替了强劲的能量。受正规古典音乐培训过的歌手、钢琴家 Charles Brown 就是西海岸的最佳代表。跳跃蓝调影响了节奏蓝调（R&B）和摇滚使成为美国派对的主流音乐，后来又成为90年代摇摆复兴的主要元素。^[12]

由 Sonny Boy Williamson II, Lazy Lester 和 Jimmy Reed 倡导——然后由 Little Walter 和 Junior Wells 带入 20 世纪后期——口琴蓝调以蓝调口琴为核心。Little Walter 在芝加哥发展了该风格的电子版，而 Slim Harpo 在路易斯安那演奏连颈口琴。在以后的几年中，Paul Butterfield 和 Bob Dylan 把口琴融入到民谣、摇滚和蓝调复古。^[12]　

只要插了电，就是电子的了。虽然电子蓝调以电吉他的使用为标志，它也同样以电贝司为标志——拾音器（用来放大原声乐器的一种装置）被装到倍大提琴和原声吉他中。从战后的悲曲大师 Little Walter 到电吉他人 Smokey Wilson 和 Eddie Kirkland 都是电子蓝调传统的代言人。^[12]

三角洲蓝调大多用一原声吉他演奏，是蓝调的一种原型。其代表人物包括富有传奇色彩的Robert Johnson,芝加哥蓝调的缔造者 Muddy Waters，口琴师 Sonny Boy Willianson II 和蓝调之王 John Lee Hooker。得尔他蓝调用充满热情的歌词和人声，通常独奏，也有一些小的组合，如 Willianson 的各种组合，也曾有过灌录。^[12]

德克萨斯蓝调发展于 20 世纪 20 年代，很大程度地从乡村音乐过度，只是滤去了鼻音。它节奏松散，也称“德克萨斯拖拍”，在拍子后面拖摆一点。歌词方面，摆脱了“强作愁”的主题。德克萨斯蓝调常用传统的旋律，一把吉他而不是吉他合奏。然而，德克萨斯蓝调在二战后趋向电子化，主要受 Clarence"Gotamonth"Brown 的影响，他们在管乐部分用电吉他独奏表演。其后，T-Bone Walker 和 Stevie Ray Vanghan 继续保持了拖拍的节奏和轻松的德州传统。^[12]

女性在 1920 年开始接触蓝调。有歌手如 Ma Rainey 和 Bessie Smith，她们创作了许多尖锐而又自信的作品。以后的音乐家如 Billie Holiday 则降低了尖锐性，但同样真实地反映了她们的生活与关系。^[12]

在综艺表演的最初年代，众多剧院因偏好白人戏而忽略了黑人演出（颇具讽刺意义的是，他们实际上却常上演一些模仿黑人老套形象的滑稽戏）。因为主流的排斥，黑人艺术家们组成了自己的圈子，在美国为数不多的场所上演专给黑人观众看的剧目。这些综艺表演通常包括滑稽戏、魔术、舞蹈等，但最引人注目的当数蓝调歌唱表演——出现了一批如 Ma Rainey 和 Bessie Smith 的歌手。综艺表演要求表演者超越唱歌地取悦观众，于是加入了戏剧和舞蹈的成分，使黑人综艺表演更深地吸引了观众。综艺表演中的佼佼者 Butterbeans and Susie 因他们的特别的喜剧表演和精湛的蓝调二重唱久负盛名。综艺蓝调在 20 世纪 20 年代处于巅峰状态。^[12]

城市蓝调的歌词充分反映了都市生活。“城市蓝调”一词最初是为了与乡村蓝调区别，到四十年代逐渐形成自己的风格。城市蓝调包含了 Louis Jordan 的跳跃蓝调到爵士的最新花样，包括了 Percy Mayfield 和 Ray Charles 的带有城市化的感觉的低吟。^[12]

因路易丝安那州的沼泽而得名。沼泽蓝调慢悠悠地，用口琴、吉他演奏，出现过伟大的 Slim Harpo。经掺入新奥尔良的节奏与蓝调的韵律、加上回声和延迟的电吉他效果，沼泽蓝调可悠扬如 Lonesome Sundown 和 Lightnin' Slim，活泼如 Lazy Lester 的口琴。^[12]　

一种传统蓝调和 60 年代灵魂音乐的快速旋律的熔合物，灵魂蓝调是涵盖两种传统的艺人。以标准的蓝调乐队为基础——钢琴、吉他、贝斯、口琴和打击乐——有时加入节奏蓝调曲调的管乐，灵魂蓝调的音乐家们延伸了传统的界线，又保持了灵魂乐的根基。Etta James, Bobby "Blues" Bland 和 Jonnie Taylor 都曾是灵魂蓝调的佼佼者。^[12]　　

各种时期的爵士型、蓝调型音乐、即兴的演奏，只要是用钢琴演奏的蓝调，那就是钢琴蓝调。钢琴蓝调的范畴包括从 Count Basie 和 Rossevelt Sykes 到 Ray Charles, Dr. John 甚至是福音音乐的祖师 Thomas A. Dorsey。^[12]　　

成熟的纽约蓝调吸收了跳跃蓝调、摇摆、Bebop 和早期的节奏蓝调中的精髓。它在 40 年代摇摆时期绽开，当时 Lionel Hampton 的大型乐队用上了蓝调歌手和强烈的节奏。 正当呐喊的 Big Joe Turner 影响了摇滚乐，Erskine Hawkins 和 Eddie “Cleanhead”Vinson 把大众的蓝调和受高度尊敬的摇摆爵士联系到一起。^[12]

顾名思义即知，蓝调决不是笑嘻嘻地找一番乐子（英语“蓝调”blues有忧伤的含义）。但于此——并非绝无仅有——新奥尔良蓝调稍稍有别。它带有加勒比韵律（尤其是伦巴）和一些美国南方音乐色彩，只在派对聚会上才有用武之地。此类别可轻松休闲，也可捶胸跺脚地豪放。有Fats Domino 和 Professor Longhair 等出色艺人，用了号和即兴发挥的钢琴伴奏。^[12]

当 W.C. Handy 写“Memphis Blues（孟菲斯蓝调）”时，他根本没有想到这个词的深远影响。孟菲斯蓝调的两大派系中的前一种是在 20 世纪 20 年代的 Beale Street 初生，从众多“陶瓶乐队（jug band）”和综艺表演衍生而出，Memphis Jug Band 的弦乐风格和 Memphis Minnie 和 Frank Stokes 的粗犷而又时常滑稽的风格而备受欢迎。这种孟菲斯蓝调的早期形式发明了一种演奏方法：主音吉他在一曲中有一“段”特殊演奏——这种方法至今已成为标准方法了。后一种孟菲斯蓝调是在 50 年代前期开始的一种电子风格，是更响亮而又激进的蓝调。乐手们采用了扩大的、失真的吉他和较重的鼓声，对今天的大多数蓝调艺人有更直接的影响。^[12]　　

爵士蓝调有着坚实的蓝调根基，但又吸收了富变化而又稍快的爵士音乐。这类音乐家们通常把爵士乐的即兴演奏特点掺进了经典的蓝调音乐三和弦结构。爵士蓝调包括从钢琴师 Mose Allison 以爵士为主的作品，到吉他手 Lonnie Johnson 的扎实的蓝调，还有 Ray Charles 的激情荡漾而又博采百风的钢琴蓝调。^[12]　　

民谣蓝调可追溯至 19 与 20 世纪交界的小酒吧音乐和晚间小庆典的原声风格。它产生于南方从德克萨斯到三角洲的影响，被许多人认为是美国最原创的音乐。尽管早期美国蓝调也同样的深入大众，但真正把人们带入小酒吧间跳舞的是民谣蓝调。是 Lead Belly 和其后的 Sonny Terry 和 Brownie McGhee 将民谣蓝调的风格延传下来，而 90 年代的吉他手 Ben Harper 成功地再现了这一风格而又没被认作为复古分子。^[12]

不插电即是原声。原声不一定专指原声吉他。此类蓝调指所有非电子乐器演奏的蓝调——从吉他、班究（五弦琴）到口琴、发声铁罐。各地有各地的曲风——芝加哥、三角洲（Delta）、新奥尔良、德克萨斯、等等；也有各种音乐风格——滑音型、爵士型、指拨型、等等。二十世纪前叶的大师 Big Bill Broonzy, Lead Belly 和 Blind Lemon Jefferson 被认为是原生的，还有更现代型的 Keb' Mo', Taj Mahal 和 John Lee Hooker。^[12]　

现代蓝调是一个广泛的概念，包含所有现代的蓝调艺术家们，他们虽然未能见到传奇的老派蓝调艺术大师，但遵循了他们的步履。现代蓝调既用原声吉他，又用电吉他，结合从摇滚到流行到民谣的多种元素。有些蓝调纯粹主义者或闭门造车的音评人会说现代蓝调只是些简单的模仿者；但他们实际上在尊重过去艺人的基础上融汇了创意、天赋和更现代化的感官。Stevie Ray Vaughan 在生前一直被认为是独特的蓝调复兴主义者（1990 年他直升飞机遇难而亡），其后又有 Robert Cray 和 Keb' Mo'。^[12]

口琴被广泛用于蓝调音乐中是起始于约上个世纪二十年代中，那时候在美国当地有很多街头艺人表演音乐，他们常用乐器是五弦琴、鼓、和一种叫“panquillpipes"的吹奏乐器。而由于吉他和口琴的性能比这些传统乐器好和更适合于空犷的地方表演，所以渐渐地口琴便常被用作吹奏蓝调音乐。十九世纪下半叶吉他的流行，是在音乐方面对布鲁斯的发展产生深刻影响的因素之一。在那之前，奴隶手中最流行的乐器是提琴和班卓琴，然而吉他却是伴奏布鲁斯歌手最适宜的乐器。这是由于吉他几乎具有人声的特性。演奏者可以利用琴弦滑音使音符走调，让吉他发出酷肖人声哭泣的音响。这是非洲音乐一种独特风格的发展“人声”乐器。从这种早期的音乐中，我们可以看到流行至今的黑人音乐和大部分流行音乐中的重要特点。^[5]

在蓝调音乐的萌芽时期，黑人占了艺人与听众的绝对多数。而现代的白人音乐家们则稍晚被引入蓝调的艺术殿堂，研究并尝试着去重新锻造蓝调音乐。他们中的一部分将蓝调与摇滚、民谣及乡村音乐等风格融合，而同时期的其他艺人则如护卫珍宝那样尝试着保留蓝调乐中的精髓部分。不论曾经献身于其中的艺人肤色或国籍是什么，蓝调乐始终被公认为是黑人的音乐。^[5]

奇妙的是，黑人们在稍后的岁月中逐步摈bìn弃了纯蓝调风格，而投身于更具现代风韵的节奏与蓝调、灵魂乐及说唱乐。但尽管蓝调在现今的黑人文化中所占比重较前有所减少，不少黑人艺术家们今天仍在世界各地演绎着蓝调音乐。^[5]

蓝调音乐演绎创作风格，对流行音乐的产生发展形成了显著的影响。传统的令人产生悠扬之感，营造翩翩起舞风情的歌舞剧形式为美国音乐独特鲜明特征。现代流行音乐、舞曲音乐之中，则经常添加蓝调音乐独特的韵律以及节奏，因此该音乐的形成与发展对于流行音乐形成了显著的作用与影响。^[11]

风格层面，蓝调音乐虽然其基本元素并无显著改变，然而其内涵的幽怨情感逐步淡化。较多音乐家在蓝调音乐中添加了丰富的欧美流行音乐元素。现代音乐发展进程中，蓝调音乐逐步构建了富于特色的自我风格特征。在经历了百年发展进程，其注重持续性的音乐旺盛生命力，树立了与时俱进的发展精神。其经历的屡次变更与创新，均同当时的时代特点以及音乐脉搏同步一致，体现了一个时期的独特音乐语言以及音乐魅力。受到新时期流行音乐元素的影响，令蓝调音乐内容更为丰富多彩，其突破禁锢gù、冲出民族以及空间地域的影响，逐步成为世界范围内流行音乐的一种潮流，并流传至世界各地。当前，流行音乐演绎风格、特点、处理形式、设计创作、表演场地各个层面均参照了蓝调音乐，这类音乐为当代音乐的持续完善、丰富创作、个性化演绎夯实了基础，实现了更开阔、深入的影响与传播。由此可见，蓝调音乐在当代音乐的实践历程中发挥了卓越贡献。^[11]

二战前，布鲁斯与爵士乐之间的区别有时有点含糊。一般来说，爵士乐更加强调从铜管乐队来的和声结构。但布鲁斯显然是 两种音乐的融合。战后布鲁斯对爵士乐的影响巨大，大多数博普 经典作晶使用布鲁斯音调，但这个影响只是形式上的。博普标志 着爵士乐从一种大众舞曲演化为一种高等的“音乐会的音乐”。 布鲁斯和爵士乐的听众开始分开来，这时布鲁斯与爵士乐之间的区别才开始分明。演奏布鲁斯与爵士乐之间的艺术家被称为爵士乐布鲁斯。^[13]

12小节结构与布鲁斯音节对摇滚乐的影响之大，以至于我们可以将摇滚乐称为是布鲁斯的一个衍生物或者是“退化了的布鲁 斯”。摇滚乐革命时期很少有不是在布鲁斯的基础上演变过来的 歌。早期美国黑人摇滚音乐家使用了布鲁斯中一些疯狂的内容。 早期的“白人”摇滚乐的歌词则比较正经一些，主要借助布鲁斯的结构和弦，但是减少了和弦的创造性和那些疯狂的内容。^[13]