大器

《大器》是中国画家尚涛在1994年创作的中国画，纸本设色，长178厘米，宽118厘米，现藏于广东美术馆^[1]。

这幅作品描绘了象征中华文化深厚凝重、灿烂雍容的大鼎与牡丹，造型奇倔古拙，设色端庄浓烈，表达了画家对国家、生活和艺术所饱含的美好与善良的信念^[1]。

《大器》于1994年获“第八届全国美展优秀作品展”最高奖展览会奖^[2]，并在2006年入选“广东省美术家协会50周年50件经典作品”^[3]。

《大器》，长178厘米，宽118厘米，纸本设色，画面中描绘了鲜艳雍华的牡丹盛开在磅礴厚重的大鼎上，鼎脚处题字“大器 尚涛”。大鼎与牡丹都是中华文化源远深厚、绚烂雍容的象征，造型奇特拙朴，色彩端庄大气，表达了画家对于中华文化的承继与信念，对艺术与生活的热爱^[1]。

《大器》以花束和青铜器为主体，构图饱满。其中花的造型经过画家的改造，缩小了与青铜器在形态和质感上的差异而趋于整体和浑然，由此得到强烈的视觉效果^[4]。

在《大器》这种水墨作品中，对于物象色泽的强调十分精严，力求“色不碍墨”^[5]，在用笔与用墨上都彰显功力^[2]。尚涛对色彩的运用尤其含蓄，多清雅沉着之态，于水墨中略混色彩。在一个大而厚的水墨空间中将水与墨，墨与色做了理性分割，造就了作品的品味与层次，颇具形式感、立体感^[5]。

画作中体现了鲜明的尚涛风格，如果说“淡”“雅”“真”是东方水墨精神的神髓，《大器》也是这种精神的阐发与炼化。大象无形，大美不言，《大器》并无绚丽与华丽的外貌，甚至可以说是“呆”“笨”，但画作中所刻画的牡丹与大鼎，更近于是老庄之“道”的合谐映射，无古无今、无我无他，又暗合了“上善若水”的“水墨之道”^[5]。《大器》体现了尚涛作品一贯的由诚实而产生的美感，既有魅力，也具重量，巧于心而拙于手，以求留、求稳、求重、求透。其大气、雍容与雄泽，重现了一个文明古国曾经拥有的辉煌^[6]。

尚涛（1938.07-2022.12），原名尚若涛，著名国画家、书法家、国家一级美术师^[11]。尚涛出生于北京,1957年毕业于中央美术学院附中，1964年毕业于中央美术学院中国画系^[12]，在广州美术学院任教，并聘任教授，1990年调入广东画院任专职画家^[11]。尚涛师从李可染、蒋兆和、李苦禅、叶浅予等近现代大家，是广东画院国家一级美术师，中国美术家协会会员、享受国务院政府特殊津贴专家^[13]，被评为"广东十大名画家〞之一^[2]。主要作品有《南海》《仲夏》《大器》《金瓯》《天香》等^[2]。

尚涛躬耕水墨60多年，其作画强调平面构成、形象结构化，并带有装饰意味的“凝重”“拙厚”。一反传统写意花鸟的书写性和抒情性，赋予了花鸟、静物近乎建筑与雕塑的体量感和力度。风格兼具豪放与凝重，古拙又当代，自出机杼^[13]。

尚涛的作品，朴实、奇崛、雍容、大器^[6]，拥有一种奇崛怪诞而温和诙谐的独特气质，兼具古风与现代意涵，可称为“尚涛风格”。其写意花鸟画有“清”“拙”“简”“逸”等四个特征。清，是指用色清雅含蓄无世俗气，色不碍墨；拙，指其用笔拙涩，恰是一种含蓄与隽永的审美品格，与尚涛本身真诚、拙气相应，是大智若愚的气质；简，意味着笔墨的洗脸与图式的“计白当黑”，在简到极致中，洋溢着充实、温馨的情感，或诙谐的童趣；逸，则是其作品中所见的放逸的精神与不入俗套的洒脱，以及对艺术本体的关注^[14]。

尚涛在色彩上颇多创造，其用色含蓄而别致，清雅沉着又突破传统色彩定势，以“惜色如金”的态度吸引更多遐思^[15]。尚涛总是以最简约的形式，包括独特的造型、概括性极强的墨渍笔痕等水使画作中的张力达到最饱和的程度。“道冲，而用之或不盈”，这种张力不在视觉，更多是一种心理张力，甚至是文化意味的张力^[6]。