音乐类型

音乐类型（Music Genres），又称音乐类别，即曲风（歌曲风格、音乐曲风、流派），是指音乐作品在整体上呈现出的具有代表性的独特风貌。^[1][3]

音乐类型拥有多种分类标准，以欧美成熟流派分类，可分为蓝调、古典、乡村、迪斯科、嘻哈、爵士、金属、流行、雷鬼、摇滚。^[6][5]此外，还有R&B、电子音乐、民歌、实验音乐等其他类型。^{[7][8][9][10]}音乐类型产生的原因多种多样，包括社会环境、领袖人物、音乐实践基地、社会思潮等。例如，world music是西方角度观点的词汇，指非英、美及西方民歌/流行曲的音乐，通常指发展中地区或落后地区的传统音乐，例如非洲及南亚洲地区的音乐。有些地区如拉丁美洲的音乐，则能普及到自成一种类型。^[11]

音乐类型能反映出时代、民族或音乐家个人的思想观念、审美理想、精神气质等内在特性的外部印记，是音乐发展的客观现象，各种音乐流派的出现或流派之间的竞争，能促进音乐艺术的繁荣和发展。^[1][11]对音乐类型的研究有利于研究了解音乐发展的历史。^[11]

音乐的种类较多。按发声器分，有声乐和器乐；按创作者分，有民间音乐和艺术音乐（专业音乐工作者的创作）；按地域分，有中国音乐和外国音乐；按时代分，有现代音乐和古典音乐；按有无标题又分为标题音乐和无标题音乐等。上述某些类还可以再分，如声乐又有男、女声，高、中、低音；器乐又有民族乐、西洋乐等。^[6]

若从内容题材、情趣格调、表现方式等方面来看，又可分为通俗音乐和严肃音乐两种。通俗音乐一般具有清新、明快、优美、活泼的风格，以娱乐性见长。其曲调流畅、节奏轻松，语言痛诉易懂。严肃音乐的内容、主题都比较严肃，题材比较重大，情趣格调也很严重，表现形式比较复杂，包括交响音乐、室内乐、大合唱等。^[6]

除了上述传统分类外，还可按照音乐的情感，将音乐分为伤感音乐、喜悦音乐、激情音乐、安静音乐、励志音乐、浪漫音乐等；还可按照音乐的主题，分为影视音乐、军旅音乐、格莱美音乐、儿童音乐、胎教音乐、校园音乐、游戏音乐、网络音乐等；按照收听音乐的场景分为清晨音乐、夜晚音乐、学习音乐、工作音乐、驾车音乐、运动音乐、旅行音乐、散步音乐、酒吧音乐等；还可按照语种分为华语音乐、欧美音乐、日韩音乐、粤语音乐等。^[5]

对于音乐流派的分类，即音乐类型，欧美研究的比较成熟，已经形成了比较成熟的流派分类体系，将欧美音乐分成了近十个流派，分别是蓝调（Blues）、古典（Classical）、乡村（Country）、迪斯科（Disco）、嘻哈（Hip-hop）、爵士（Jazz）、金属（Metal）、流行（Pop）、雷鬼（Reggae）和摇滚（Rock）。^[5]此外，还有R&B、电子音乐、民歌、实验音乐等其他类型。^{[7][8][12][9]}

蓝调产生于19世纪90年代，发源于密西西比河的三角洲地带，是居住在美国的黑人在艰难困苦的生活中创造出的音乐风格，混合了非洲的田野呐喊和教会赞美诗。忧郁和悲伤是蓝调音乐的基本特质。蓝调最初主要是人声的叙述，后来才加上了乐器的伴奏，并以它个性的歌词、和谐的节奏以及忧郁的旋律逐渐兴起。蓝调音乐中包含了很多诗一样的语言，并且不断反复，然后以决定性的一行结束。旋律的进行以和弦为基础，以Ⅰ、Ⅳ、Ⅴ级的3个和弦为主要和弦，12小节为一模式反复。旋律中，将主调上的第3、5、7级音降半音，使人有着苦乐参半、多愁善感的感觉冲击。^[5]

蓝调（Blues）音乐来自非洲音乐。17-18世纪，非洲黑人被贩卖到北美，过着非人的奴隶生活，音乐成为他们抒发内心痛苦、寻求精神慰籍的主要工具。这使得蓝调音乐从一开始就带有很强的幽怨色彩，因此它又被称为是“怨曲”，是忧郁的象征。蓝调音乐注重的是演奏、演唱者的“灵魂”能与音乐相通，也就是直抒胸臆的能力。所以蓝调音乐很着重自我情感的宣泄和原创性或即兴性，这种即兴式的演奏方法，后来慢慢地演变为各种不同类型的音乐，如摇滚乐、摇摆乐、爵士乐，所以蓝调亦是现代流行音乐的根源。^[13]

蓝调的发展主要经过了四个阶段：第一个阶段是19世纪末到二战结束以前的“传统蓝调时期”，主要以乡村蓝调、古典蓝调、城市蓝调三种风格为代表；第二阶段是“节奏蓝调时期”，主要是指二战后20世纪40至50年代盛行的节奏蓝调风格；第三阶段是20世纪60至70年代的“摇滚蓝调时期”，主要是指摇滚乐和蓝调的融合形态；第四阶段是“现代蓝调时期”，主要是指20世纪80年代后的电声蓝调，以及采用当时主流流行音乐编曲方式创作的流行歌曲。蓝调音乐发展到今天，已经逐渐被纳入主流音乐的行列，它的许多元素被更多地运用到摇滚乐及流行音乐中，它对爵士乐、摇滚乐、乡村音乐和西方音乐都有相当大的贡献。^[5][13]Bessie Smith（贝西·史密斯），B.B.King是蓝调音乐的代表人物。^[14][15]

古典音乐又称“经典音乐”，这是因为有人觉得“古典”给人古董、古板的味道，故而有了这一称呼。不同于流行音乐，它内涵深刻，能发人深省，不仅为消遣，更能使人高尚，免于低俗。古典音乐是一个独立的流派，艺术手法讲求洗练，追求理性地表达情感，能够引起不同时代听众的共鸣。广义的古典音乐是指从西方中世纪开始至今，并在欧洲主流文化背景下创作的音乐，或者根植于西方传统礼拜式音乐和世俗音乐，其范围涵盖了约公元9世纪至今的全部时期。主要因其复杂多样的创作技术和所能承载的厚重内涵而有别于通俗音乐和民间音乐。在地理上，这些音乐主要创作于欧洲和美洲，这时相对于非西方音乐而言的。另外，古典音乐主要以乐谱记录和传播，与大多数民间音乐口传心授的模式不同。在西方记谱法中，作曲者给演奏者规定了音调、格律、速度、独特的节奏和对于同一段音乐准确的演奏方式。这种即兴演奏发挥空间很小的记谱法模式，极大地不同于非欧洲艺术音乐（相对于传统地日本音乐和印度音乐）和流行音乐。^[5]

古典音乐是具有规则性本质的音乐，具有平衡、明晰的特点，注重形式的美感，被认为具有持久的价值，而不仅仅是在一个特定的时代流行。^[5]

乡村音乐出现于20世纪20年代，它源于美国南方农业地区的民间音乐，最早受到英国传统民谣的影响而发展起来。最早的乡村音乐是传统的山区音乐（Hillbilly Music），它的曲调简单，节奏平稳，带有叙述性，歌曲的内容与城市里的伤感流行歌曲不同，乡村音乐带有较浓的乡土气息，一般有八大主题：爱情、失恋、牛仔幽默、找乐、乡村生活方式、地区的骄傲、家庭以及上帝与国家。前两个主题不是乡村音乐所独有的，但是后六大主题则把乡村音乐与其他的美国流行音乐流派区分开来。^[5]

在唱法上，歌手的“民间本嗓”是乡村音乐的标志，乡村音乐歌手几乎总有美国南部口音，至少会有乡村地区的口音。形式多为独唱或小合唱，用吉他、班卓琴、口琴、小提琴等伴奏，其中弦乐伴奏（通常是吉他或电吉他，还常加上一把夏威夷吉他和小提琴）是重要的组成部分。乡村音乐抛开了在流行音乐中用得很广的“电子”声（效果器）。乡村音乐的曲调一般都很流畅、动听，曲式结构也比较简单，多为歌谣体、二部曲式或三部曲式。在服饰上也比较随意，即使是参加大赛或音乐厅重要场合演出，也不必穿演出服，牛仔裤、休闲装、皮草帽、旅游鞋都可以。乡村音乐所包含的内容往往最吸引美国南部与西部乡村的农民和蓝领。^[5]

乡村音乐一词是经过一段时间发展，至20世纪50年代，才被通称为“乡村音乐”或“乡村与西部”音乐的。^[16]乡村音乐的典型特征，即简约的旋律与2-4个重复的和弦，缓慢而稳定的节奏（主要是4/4拍）。乡村音乐的曲调一般都很流畅、动听，曲式结构也比较简单，多为歌谣体、二部曲式或三部曲式。^[17][18]乡村音乐的代表人物及其作品包括约翰·丹佛的《Take Me Home, Country Roads》^[19]、Simon & Garfunkel的《Bridge Over Troubled Water》^[20]、艾伦·杰克逊的《Here In The Real World》等。^[21]

迪斯科是Discotheque的简称，原意为唱片舞会，是20世纪70年代初兴起的一种流行舞曲，电音曲风之一。迪斯科经常在录音室进行音响合成，制成唱片，但终因节奏单调、风格雷同，于80年代初逐渐被其他节奏不那么显著、速度稍慢的流行舞曲所代替。最初，迪斯科只是在纽约的一些黑人俱乐部里流传，20世纪70年代初逐渐发展成具有全国影响的一种音乐形式，并于20世纪70年代中期以后风靡世界。迪斯科一般以4/4拍为主，与摇滚相比，具有强劲的、不分轻重的、像节拍器一样作响的节拍，并且每一拍都非常突出，它的速度大约在每分钟120拍。它的结构短小，歌词和曲调简单，又有很多段落的重复。所有的曲子只要调整一下速度，改成每一拍都很突出的节拍，都可以变成迪斯科舞曲。^[5]

嘻哈是始于美国街头的一种黑人文化。嘻哈文化的四种表现方式包括RAP（在机械的节奏声的背景下，快速地诉说一连串押韵的诗句）、B-boying（街舞）、DJ-ing（玩唱片及唱盘技巧）、Raffiti Writing（涂鸦艺术）。因此，RAP只是嘻哈文化中的一种元素，要加上其他舞蹈、服饰、生活态度等才构成完整的嘻哈文化。作为音乐理解的嘻哈则起源于20世纪70年代初，它的前身是RAP（有时候会加一点R&B）。这是一种完全自由式即兴式的音乐，这种音乐不带有任何程式化和拘束的成分。嘻哈的音乐结构比较简单，有很多重复，多半没有旋律，只有低音线条和有力的节奏。^[5]

爵士乐于19世纪20世纪初起源于美国，诞生于南部港口城市新奥尔良，音乐根基来自蓝调和拉格泰姆（Ragtime）。爵士乐讲究即兴，以具有摇摆特点的Shuffle节奏为基础，是非洲黑人文化和欧洲白人文化的结合。^[5]

在爵士乐的曲调中，除了从欧洲传统音乐、白人的民谣和通俗歌曲中吸取的成分之外，最有个性的是“蓝调音阶”，而爵士乐的和声是完全建立在传统和声的基础之上，只是更加自由地使用各种变化和弦，其中主要的与众不同之处，也是由蓝调和弦带来的。爵士乐在使用的乐器和演奏方法上极有特色，完全不同于传统乐队。自“爵士乐时代”依赖，萨克斯成为销售量最大的乐器之一，长号能够奏出其他铜管乐器做不到的、滑稽的或是怪诞的滑音，因而在爵士乐队中大出风头。小号也是爵士乐手偏爱的乐器，这种乐器加上不同的弱音器所产生的新奇的音色印记最高音区的几个音几乎成了爵士乐独有的音色特征。钢琴、班卓琴、吉他以及后来出现的电吉他则以其打击式的有力音响和演奏和弦的能力而占据重要地位。相反，在传统乐队中最重要的弦乐器（如小提琴、中提琴、大提琴等）的地位相对次要一些，圆号的浓郁音色在管弦乐队中非常迷人，但对于爵士乐队来说太过“温顺”，几乎无人使用。在管弦乐队中，每件乐器在音色和音量的控制上都尽量融入整体的音响之中，在爵士乐队中却恰恰相反。^[5]

与传统音乐比较而言，爵士乐的另一大特征是它的发音方法和音色，无论是乐器还是人声，这些特征都足以使人们绝不会将它们与任何传统音乐的音色混淆。这些特殊之处大多来源于用乐器或人声对美洲黑人民歌的模仿。在爵士乐中，更加入了非歌唱的吼声、高叫和呻吟，突出了这种感觉。除此以外，特殊的演奏和演唱技巧也是造成特异效果的重要手段，在这些技巧中最常用的是不同于传统观念的颤音。爵士乐中的颤音是有变化的，变化的方向一般是幅度由窄到宽，速度由快到慢，而且常在一个音临近结束时增加抖动的幅度和速度，更加强了这种技巧的表现力。同时，在一个音开始时，爵士乐手们会从下向上滑到预定的高音，在结束时，又从原来的高音滑下。^[5]

金属乐最开始是摇滚的一个分支，但经过多年的发展，金属乐已脱离摇滚的范畴，成为一个独立的音乐流派。以重金属为主，包括黑金属、死亡金属、激流金属、新金属、厄运金属、华丽金属、工业金属等重型音乐。在其初始期，金属乐以相对于那些可直接分类音乐的不同寻常的敏感形成了自己的风格，重金属是这种音乐的核心，它们主要的乐迷都是那些喜欢重型吉他摇滚的人。^[5]

金属流派易分辨，一方面是由于金属乐本身曲调变化更为复杂，另一方面是因为金属乐更注重技术的体现，本身对速度和力量的追求也使其在现代音乐中拥有最高的情感表现力。金属乐的力量主要依赖电吉他，而且只能用电吉他，用节奏以外的旋律和线条来诠释力量，和最初的摇滚偏差很大，可以说没有电吉他就没有金属乐，电吉他造就了金属乐。^[5]

流行音乐因其结构短小、内容通俗、形式活泼、情感真挚，并且对于听众依靠对音乐的心领神会与感性认识就能理解，因此被广大群众所喜爱和广泛传唱。这些乐曲和歌曲，植根于大众生活的丰富土壤之中，因此，又有“大众音乐”之称。^[5]

流行音乐于19世纪末20世纪初起源于美国，那时大批农业人口进入城市，来源于市民阶层中的新文化代表就是早期的流行音乐。在那个时代，反映怀念故土和眷恋家乡生活的通俗音乐作品，正好表达了远离家园来到陌生环境求生的人们的心理状态和淳朴的思想感情。^[5]

从音乐体系来看，流行音乐是在叮砰巷音乐、蓝调、爵士乐、摇滚乐等美国大众音乐架构基础上发展起来的音乐，它风格多样、形态丰富，其所涵盖的内容更加广泛。流行音乐的器乐作品节奏鲜明，轻松活泼或抒情优美，演奏方法多种多样，音响多变，色彩丰富，织体层次简明，各类乐队规模不大，作品多使用最新的电子设备。其声乐作品生活气息浓郁，抒情、幽默、风趣、音域宽广、曲调顺口，歌词多用生活语言，易为听者接受和传唱。歌手多自成一格，发声方法各有千秋，不受传统学派的约束。演唱时感情重于声音技巧，自由不羁，亲切自然，易引起听众的共鸣。^[5]

雷鬼音乐起源于牙买加，于20世纪70年代中期传入美国，它由斯卡（Ska）和洛克斯代迪（Rock Steady）音乐演变而来，融合了美国节奏蓝调的抒情曲风和拉丁音乐的元素。“雷鬼”一词来自牙买加某个街道的名称，意思是指日常生活中一些琐碎之事。早期的雷鬼音乐是一些都是底层人士用来表达抗议的方式。^[5]

雷鬼乐把非洲、拉丁美洲的音乐节奏和类似非洲流行的那种呼应式的歌唱法，与强劲的、有推动力的摇滚乐音响相结合，这种风格包含了“弱拍中音节省略”和“向上拍击的吉他弹奏”，以及“人声合唱”。另外，雷鬼乐十分强调声乐的部分，不论是赌场或合唱，通常它是运用吟唱的方式来表现，并且借由吉他、打击乐器、电子琴或其他乐器带出主要的旋律和节奏。在雷鬼乐当中，电贝斯占了相当重要的比例。雷鬼乐是属于4/4拍的音乐，重音落在第二和第四拍。在音乐中大鼓的部分，可以清楚的听出一个明显的节奏和固定的旋律线。拥有自成一派、懒洋洋的独特节奏。其歌词强调社会、政治及人文的关怀。^[5]

摇滚乐的英文全称为Rock and Roll，兴起于20世纪50年代中期，主要受到节奏蓝调、乡村音乐和叮砰巷音乐的影响发展而来。早期的摇滚乐很多都是黑人节奏蓝调的翻唱版，因而节奏蓝调是其主要根基。摇滚乐分支众多、形态复杂，主要风格包括民谣摇滚、艺术摇滚、迷幻摇滚、乡村摇滚、重金属、朋克等，此外还有流行摇滚、硬摇滚、日系摇滚、器乐摇滚、前卫摇滚、另类摇滚等类型。作为20世纪美国大众音乐发展的重要标志，其多样性体现了该音乐形式的成熟。^[5]

摇滚乐是流行音乐的一种形式，通常由显著的人声伴以吉他、鼓和贝斯演出。很多形态的摇滚乐也使用键盘乐器，如风琴、钢琴、电子琴或合成器；其他乐器，如萨克斯、口琴、小提琴、笛、班卓琴、口风琴或定音鼓有时也被应用在摇滚乐之中；此外，不太出名的曼陀铃或锡塔琴等弦乐器也被使用过。摇滚乐经常有强劲的强拍，围绕电吉他、空心电吉他以及木吉他展开。摇滚乐简单、有力、直白，特别是它强烈的节奏，与青少年精力充沛、好动的特性相吻合。^[5]

电子音乐是区别于传统共鸣体发声原理的音乐，泛指一切利用电子手段产生、加工的声音制作而成的音乐。电子音乐的出现，其直接源头可以追溯到1945年前的噪音音乐。而随着二战后科学技术迅猛发展，又为电子音乐的兴起提供了必要条件。^[7]

电子舞曲的根源是20世纪70年代在不显眼的夜店中由DJ混搭演奏的合成器流行乐和迪斯科音乐。20世纪70年代末和80年代初，合成器乐音和电子强化曲调在全球兴起，而密歇根州底特律才是这种高科技舞曲的发源地。底特律本土音乐人 Juan Atkins、Kevin Saunderson 和 Derrick May 并称为“贝尔维尔三杰”，这种称谓来源于底特律街区贝尔维尔（Belleville），他们能够设计声音，再以新的方式对其进行复制和重新合成，然后与流行音乐融会演奏。同一时期，伊利诺伊州芝加哥的DJ 将迪斯科、灵魂和新兴合成乐音相融合，特别以加重的电子鼓打击节奏为主，带来相似的音乐发展趋势。现代DJ传奇人物法兰基·纳克鲁斯于 1977 年开办了The Warehouse夜店，到了八十年代，他融合迪斯科元素的独特混合音乐逐渐发展成型，结合俱乐部名称造就了“浩室”这一跳舞音乐名词，也为 Knuckles赢得了“浩室音乐之父”的美誉，街道Frankie Knuckles Way就是以他的名字命名，这条巷道位于芝加哥市中心杰弗逊街（Jefferson）和亚当斯街（Adams）的拐角处。Phuture 组合、Mr. Fingers 以及“浩室音乐第一夫人”Kym Mazelle 都是浩室音乐早期巨匠。^[22]

伴随诸多歌曲的问世，从a-ha乐队的《Take on Me》到 Technotronic 乐队的《Pump Up the Jam》，电子音乐在20世纪80年代响彻国际，而到了20世纪90年代进一步细化，逐渐发展演变成独立的音乐流派。20世纪9年代风靡全球和全美的杰出电子舞曲艺术家有蠢朋克乐队、化学兄弟、发电站乐队、David Guetta 和 Tiësto 等等。现代电子舞曲种类多样，涌现出大量 DJ，还有众多音乐节、著名场馆和国际盛事。当今，即使是泰勒·斯威夫特、塞雷娜·戈麦斯和贾斯汀·比伯这些主流歌手也会在其作品中加入一些电子舞曲。电子音乐范围广泛，生活周遭常常能听到，在电影配乐，广告配乐，甚至某些国语流行歌中都有用到，不过以电子舞曲为最。很多人认为电子乐是一种冷冰冰，没有感情的音乐。其实电子乐也可融入rock、jazz甚至blues等多种元素而充满情感的。^[22]

辞海词典将民歌定义为“民间口头创作流传的诗歌，民间文学的一种，在口头流传中不断经过集体加工”。^[23][8]早在原始时期，人类先民们就在狩猎、搬运、祭神仪式、求偶等活动中开始了他们的歌唱。之后，民歌一直与人类生活行为保持着十分密切的联系。民歌的历史发展与各国的历史息息相关，因此也形成了不同的民歌风格与特点。^[24]比如中国民歌淳朴、意大利民歌浪漫、德国民歌平稳乐观、俄罗斯民歌忧郁、拉丁美洲民歌热情奔放等。^[25][26][27]民歌代表作品有中国民歌《茉莉花》^[28]、

俄罗斯《伏尔加船夫曲》、意大利《桑塔·露琪亚》、日本民歌《北国之春》、美国民歌《故乡的亲人》等等。^{[26][29][30][31]}

民歌常常作为朗诵叙事诗的媒介，或者歌词和舞蹈节拍相结合，一首八小节的民间曲调可能一而再地被反复很多次去伴奏叙事歌或舞蹈。民歌基本上有旋律没有和声、许多流传广泛久远的民歌、它们旋律的性质具有极其宽阔的包容性。它世代相传、经历了若干世纪，并在变化发展中集结了亿万人民的情感、表达了亿万人民的意志。它的旋律特点突出、个性强烈、并常常表现为多调式的。民歌大多分为叙事歌、劳动歌、情歌、抒情歌、仪式歌、生活歌、游戏歌、摇篮曲等类别。^[32]

“实验音乐”是一种在20世纪中叶兴盛于北美的音乐形式，其特点为“不可预见的”，例如最为人所知的实验音乐作曲家John Cage，其作品《4’33”》更是实验音乐派的经典之作，整首曲子没有半颗音符，该场域的任何声响——无论是咳嗽声、窃窃私语或是垃圾车经过，都会成为这首乐曲的一部份。而这首曲子在艺术史上的地位，恐怕早已超越它“音乐”的价值本身，是为实验音乐等作曲形式的概念雏形。实验音乐这个词，在应用的越来越广泛的情况下，开始有“实验爵士”、“实验摇滚”、“实验金属”等不同流派的出现，而这样的“跨民族”融合也渐渐成为实验音乐的风格之一。其他的音乐类型包括“微分音乐”（Microtonal）、具象音乐（Musique concrète）、简约音乐（Minimal）即“自由即兴”等，都是实验音乐中的一种“方式”。^[10]

节奏布鲁斯（Rhythm and Blues，简称R&B）是美国告示牌杂志（Billboard）于1940年代末所提出。这个词最初被用于定义包含了12种布鲁斯格式和一种带有节拍背景爵士乐的摇滚音乐，后来这种音乐转变成了一种摇滚乐的基本元素。在1960年代，节奏布鲁斯被用于总括灵魂乐和放克音乐的术语。^[9]

“二战”期间，许多重要的爵士乐艺术家开始发展“上乘爵士”(Be Bop)和“酷爵士”(Cool Jazz)。然而受战时的经济、军事等因素的影响和约束，“大乐队”开始逐渐减少。但听众们，尤其是那些在大城市中迅速增加的非裔美国社区的听众，他们仍然希望听到可以跳舞的音乐。于是音乐家们为了适应听众，就做出音量更大、使用更多的电声乐器，并且以“回复”(Riff)为主的“布吉音乐”(Boogie)。于是，“跳跃布鲁斯”开始风行(Jump Blues)。最初开始流行的R&B风格通常是指“跳跃布鲁斯”。它不仅吸收了爵士乐里的摇摆节奏和以号为主的编配方式，而且吸收了布鲁斯里普遍使用的回复段与和声结构。许多早期的“跳跃布鲁斯”表演者都是来自洛杉矶，因为那里在“大萧条”和“二战”期间形成了庞大的黑人社区。^[9]

其中最重要和最具流行性的代表人物是路易斯·乔丹(Louis Jordan)，可以说是他塑造了跳跃布鲁斯这一全新的音乐流派。他的唱片在黑人听众和白人听众里取得了同样的成功。而且他还深深地影响了作为摇滚乐发展史上最有影响的艺人之一查克·贝里(Chuck Berry)。路易斯·乔丹的鼓手五人组乐队（Tympany Five）组建于1938年，他在乐队中担任萨克斯手和歌手，同时还有其他音乐家负责小号、高音萨克斯、钢琴、贝斯和鼓。^[9]

音乐流派（类型）产生的原因是多种多样的，有社会环境的原因，有音乐本身发展的原因，有音乐家个人的原因，也有社会思潮影响的原因，还有多种原因共同所起的作用。^[11]

社会环境对音乐流派的产生是一个重要的原因。例如具有历史影响的维也纳古典乐派，其产生的原因，首先在于维也纳在当时有比较好的社会环境，为音乐家以及音乐发展创造了积极的条件。18世纪下半叶由于约瑟夫二世的开明专制统治，使奥地利的经济和文化有了较大发展，吸引了许多具有启蒙思想的知识分子。再加上音乐的中心转到了维也纳，它享有“音乐之都”的美称，先后吸引了三位音乐大师：海顿、莫扎特、贝多芬到哪里去成就他们的事业，他们之间有着内在深刻的继承关系，他们以自己的天才创造，开创了一个时代，并对欧洲音乐史产生巨大的影响，被后人称为“维也纳古典乐派”。^[11]

有的流派的形成是因代表性人物的创作吸引了众多音乐家，他们因艺术趣味、审美理想相同，便追随领袖人物，集成和遵循他的创作方法，形成了相同风格的创作群体。如罗马乐派，是16世纪中叶罗马教会中发展起来的音乐流派。这个乐派中最重要的人物派莱斯特里纳将佛兰芒乐派的传统对位技术和典型拉丁风格的柔美旋律完善地结合起来，形成一种清澈地无伴奏合唱风格，创作了大量富有宗教深刻意味地作品。他的主张和创作风格影响了当时的许多作曲家，他们追随帕莱斯特里纳，按照他的音乐风格原则进行创作，形成了有影响的宗教音乐流派。^[11]

有的流派是因为有一个艺术实践的基地，音乐家们通过大量实验性的探索，创建了某种在音乐发展史上有影响的音乐表现形式，而被人们公认为一个流派，例如曼海姆乐派就是这样的音乐流派。德国曼海姆18世纪中叶以来，当地选侯卡尔·菲利普以及他的后任卡尔·特奥多尔建立了一个规模可观的约40人编制的管弦乐队。乐队里聚集了很多不同国籍的音乐家，其中有许多捷克音乐家，他们以这个乐队为音乐探索的基地，在指挥兼作曲家约翰·斯达米兹的带领下，建立了交响乐套曲的形式，形式了配器、演奏的独特风格。曼海姆乐队被认为是当时最好的乐队，每个乐队员都堪称大师，他们对确立古典交响乐的形式有着突出的贡献，并开创了新的器乐风格，被称为曼海姆乐派。^[11]

社会思潮对音乐流派的形成也有重要的影响。19世纪欧洲各国民族意识觉醒，民族解放运动风起云涌，与此同时在各国形成了一股发展本国民族文化的社会思潮，欧洲一些弱小国家和民族，如波兰、匈牙利、捷克和西班牙、挪威等国，在这种社会思潮的影响下先后形成了各国的“民族乐派”，落后于西欧的俄罗斯封建帝国也形成了自己的“民族乐派”。各国“民族乐派”都以创作富于民族色彩的音乐作品为他们的创作宗旨，以他们的作品支持当时的民族革命。这些乐派在政治上配合民族民主解放运动，在音乐风格上追求民族特色，几乎在音乐创作上有重要影响的民族乐派音乐家都被认为是这些乐派的代表人物。俄罗斯“强力人团”是社会思潮的直接产物，具有典型性。他们受到当时俄国农奴制改革掀起的深刻广泛的民主运动的影响。以车尔尼雪夫斯基为代表的民主主义者们，倡导艺术的真实性、人民性和民族性，反对“为艺术而艺术”。在这股先进的思想潮流影响下，“强力集团”应运而生。这个乐派的确为俄罗斯民族音乐文化的发展做出了积极的贡献。^[11]

曲风同其他艺术风格类似。其通过歌曲表现出来的相对稳定、内在和深刻，能更为本质地反映出时代、民族或音乐家个人的思想观念、审美理想、精神气质等内在特性的外部印记。曲风的形成是时代、民族或音乐家在对音乐的理解和实现上超越了幼稚阶段，摆脱了各种模式化的束缚，从而趋向或达到了成熟的标志。^[1]音乐流派（类型）的产生，是音乐发展的客观现象，各种音乐流派的出现或流派之间的竞争，能促进音乐艺术的繁荣和发展。^[11]

历史上自然形成的一些音乐类型，是由于某一时期，出现了一批音乐风格相近或相似的音乐家，他们的作品在音乐史上有较大的影响，音乐理论家、评论家经过分析和比较，为了与另一时期的音乐风格相区别，也是为了研究的需要，给他们取了与风格相应的派别名称。这些音乐流派只是一种概括的称谓，可以作为“时期的标签”来理解。^[11]

还有一些自然形成的音乐流派，是由于某一地区集中了一批音乐风格相近的音乐家，自然形成了某一种风格的群体，而被当代或是后代的音乐理论家、音乐界公认一个流派，一般就以那个地区的地名为乐派的名称。其次，每个乐派都必须形成一个群体，并以某种音乐的创新影响音乐的发展，这些创新成为他们的风格特征。对这些音乐流派的研究有利于研究了解音乐发展的历史，由于他们是各个时代在音乐领域开风气之先的人物，他们的音乐创新带动了音乐的发展，对他们的研究具有重要的意义。^[11]